LECUONA / GRUPO CORPO : DE VOLTA AOS PALCOS UMA CRIAÇÃO SINGULAR REINVENTANDO O LEGADO DAS DANÇAS DE SALÃO
Análise:Wagner Corrêa de Araújo (Crítico de Dança)
Wagner Correa Cel.: +55 (21) 99644-4139 wagner.correa@escriturascenicas.com.br
Portuguese
Grupo Corpo / Lecuona. Rodrigo Pederneiras / Concepção Coreográfica. Setembro/2026. José Luiz Pederneiras/ Fotos. Grupo Corpo/Lecuona/ Videos.
Na continuidade de um signo estético que se tornou característico na trajetória do Grupo Corpo, depois de sua mais recente criação coreográfica Piracema, comemorativa dos cinquenta anos da mais celebrada companhia mineira de dança, está de volta uma das obras mais diferenciais de seu repertório – Lecuona, original de 2004. A começar pela sua própria trilha que, além de não ser especialmente criada para a Cia, ao fazer uso de gravações originais do pianista e compositor cubano Ernesto Lecuona (1895-1963) um nome referencial da música naquele país, seleciona alguns de seus clássicos conectados à tipicidade melódica romântica anos 30 aos 50. Reverenciada por Caetano Veloso em Fina Estampa, a obra de Lecuona tem um alcance com cerca de quase quinhentas obras, lembrando que este acervo se estende da música latina a trilhas para o cinema americano, o que lhe proporcionou até um Oscar. E que em seu período de formação, passando por Nova York, chegou a estudar com Maurice Ravel na França, tendo escrito também peças de caráter mais sinfônico. Onde o seu lado popular, basicamente estruturado a partir de acordes com temática melodramática, sinalizada por paixão e sensualidade, domínio e submissão, amor e abandono, lembrança e melancolia, direcionando um encontro de casais no dimensionamento de formas dançantes, sob a prevalência de boleros, tangos e valsas, é aqui representado pelo Grupo Corpo. Gêneros que após o seu apogeu noturno nos clubes, bares e cabarés da época, passaram a ser cultuados, sob a denominação generalizada de danças de salão, em estúdios e academias, com a sequencial eclosão de novos e mais energéticos ritmos dançantes surgidos após o despertar do rock. Na releitura coreográfica imprimida por Rodrigo Pederneiras, a inspiração surge de melodramáticos acordes para expressar temas quase novelescos sobre impulsos amorosos e, ao mesmo tempo, traduz o contraponto afetivo de uma corporeidade gestual de forte apelo psicofísico. Destacando-se ainda os figurinos idealizados então por Freusa Zechmeister, no entremeio de um tratamento aquarelado, acentuando-se a prevalência de tonalidades rubras e negras, equilibradas entre o verde escuro e o azul. Indo ora de trajes esportivos ora mais formais, aos quais não faltam sapatos masculinos em verniz e saias femininas esvoaçantes, ate o despontar sequencial de cada um dos pares, na valsa do epílogo, em trajes brancos os vinte bailarinos refletidos num fundo sugerindo espelhos. Que, então, substitui a anterior ambiência pictórica entre sombras por luzes resplandecentes, numa proposta cenográfica de Paulo Pederneiras que aumenta o envolvimento imersivo de todo elenco como se fosse um só corpo e um só casal. Enquanto a coreografia que abre o programa – Piracema, de 2025, como primeira parceria criativa de Rodrigo Pederneiras e a ex-bailarina do Grupo Corpo - Cassi Abranches, agora no oficio de coreógrafa assistente da Cia, vai mais longe em sua proposição inventiva com o olhar armado na dança contemporânea. Abrindo novas perspectivas ao quebrar não só o hábito da apresentar obras com similar origem autoral. Incluindo-se aí, mais uma vez, um sotaque de brasilidade não só por sua titulação temática-ecológica como pela sua inédita trilha sinfônica/eletrônica por Clarice Assad. Por outro lado, dramaturgicamente a coreografia Lecuona, por vezes, ressalta com despretensiosa ironia subliminar as variações emotivas neste corpo a corpo de casais apaixonados. Remetendo a um dos versos melodramáticos de Ernesto Lecuona : “No vivo desde aquel dia em que te vi/Porque nunca he dejado de pensar em ti”. Das mutações faciais aos gestos impulsivos de recusa ou de entrega absoluta, sempre pontuados com leveza, bom humor e o lirismo de uma assumida simplicidade resgatada pela envolvência de outro exemplar legado do Grupo Corpo...
Wagner Corrêa de Araújo O Grupo Corpo está apresentando Piracema e Lecuona, no TMRJ, de quarta a sábado, às 20h; domingo, às 17h; até o dia 06 de setembro.
Grupo Corpo Lecuona - Video
Grupo Corpo Lecuona 2 - Video
LECUONA / GRUPO CORPO: BACK ON STAGE A SINGULAR CREATION REINVENTING THE LEGACY OF BALLROOM DANCING
Review:Wagner Corrêa de Araújo (Dance Critic)
English
Grupo Corpo / Lecuona. Rodrigo Pederneiras / Choreographic Conception. September/2026. José Luiz Pederneiras/ Photos. Grupo Corpo/Lecuona/ Videos.
In the continuity of an aesthetic sign that has become characteristic in the trajectory of Grupo Corpo, after its most recent choreographic creation Piracema, commemorating the fiftieth anniversary of the most celebrated dance company in Minas Gerais, one of the most distinctive works in its repertoire is back – Lecuona, original from 2004. Starting with his own soundtrack which, in addition to not being specially created for the Company, by making use of original recordings by the Cuban pianist and composer Ernesto Lecuona (1895-1963), a reference name in music in that country, selects some of his classics connected to the romantic melodic typicality: from the 30s to the 50s. Revered by Caetano Veloso in Fina Estampa, Lecuona's work has a reach of about five hundred works, remembering that this collection extends from Latin music to soundtracks for American cinema, which even earned him an Oscar. And that in his formative period, passing through New York, he even studied with Maurice Ravel in France, having also written pieces of a more symphonic nature. Where its popular side, basically structured from chords with a melodramatic theme, signaled by passion and sensuality, dominance and submission, love and abandonment, memory and melancholy, directing a meeting of couples in the dimensioning of dancing forms, under the prevalence of boleros, tangos and waltzes, is represented here by Grupo Corpo. Genres that after their nocturnal heyday in the clubs, bars and cabarets of the time, began to be worshipped, under the generalized denomination of ballroom dances, in studios and academies, with the sequential emergence of new and more energetic dance rhythms that emerged after the awakening of rock. In the choreographic reinterpretation printed by Rodrigo Pederneiras, the inspiration arises from melodramatic chords to express almost novelistic themes about love impulses and, at the same time, translates the affective counterpoint of a gestural corporeality of strong psychophysical appeal. Also noteworthy are the costumes then idealized by Freusa Zechmeister, in the middle of a watercolor treatment, accentuating the prevalence of red and black tones, balanced between dark green and blue. Going sometimes from sports clothes to more formal ones, which do not lack men's shoes in varnish and flowing women's skirts, until the sequential emergence of each of the pairs, in the waltz of the epilogue, in white costumes the twenty dancers reflected in a background suggesting mirrors. Which then replaces the previous pictorial ambience between shadows with resplendent lights, in a scenographic proposal by Paulo Pederneiras that increases the immersive involvement of the entire cast as if it were a single body and a single couple. While the choreography that opens the program – Piracema, from 2025, as the first creative partnership of Rodrigo Pederneiras and the former dancer of Grupo Corpo – Cassi Abranches, now in the profession of assistant choreographer of the Cia, goes further in its inventive proposition with an armed look at contemporary dance. Opening new perspectives by breaking not only the habit of presenting works with similar authorial origin. Including there, once again, an accent of Brazilianness not only for its thematic-ecological title but also for its unprecedented symphonic/electronic score by Clarice Assad. On the other hand, dramaturgically the Lecuona choreography sometimes highlights with unpretentious subliminal irony the emotional variations in this body to body of couples in love. Referring to one of Ernesto Lecuona's melodramatic verses: "I have been alive since that day I saw you/Because I have never been dejado to think of you". From facial mutations to impulsive gestures of refusal or absolute surrender, always punctuated with lightness, good humor and the lyricism of an assumed simplicity rescued by the involvement of another exemplary legacy of Grupo Corpo...
Wagner Corrêa de Araújo Grupo Corpo is presenting Piracema and Lecuona, at TMRJ, from Wednesday to Saturday, at 8 pm; Sunday, at 5 pm; until September 6th.
DON QUIXOTE/BTM/RJ : A FORÇA REVELADORA DE UM JOVEM BAILARINO BRASILEIRO ENALTECENDO SUA TRAJETÓRIA ALÉM FRONTEIRAS
Don Quixote. Balé do Theatro Municipal/RJ. Hélio Bejani e Jorge Texeira/Concepção, adaptação e coreografia. Agosto/2026. Daniel Ebendinger e Alicia Cohim/Fotos.
Nas telas do cinema (Meliès, Pabst, Orson Welles) e das artes plásticas (Gustave Doré e Portinari), na música de Massenet e de Richard Strauss, no balé de Petipa e Minkus, assim como nos palcos da Broadway, o tão celebrado personagem de Miguel de Cervantes sempre motivou o universo artístico e fascinou plateias. Dando continuidade à sua temporada coreográfica 2026, o Balé do Theatro Municipal carioca reapresenta Don Quixote, desta vez trazendo no papel titular mais um destes talentos revelados pela Escola do Teatro Bolshoi no Brasil - o paulista Gabriel Lopes que ali se formou em 2016, partindo pouco depois para uma brilhante trajetória em renomadas cias russas. E que após ter realizado seu sonho - dançar pela primeira vez no Municipal do Rio - apresentando-se, ali, ao lado de Nathalia Osipova durante o evento de premiação que leva o título da famosa bailarina está de volta. Agora, como o principal protagonista masculino desta remontagem de Don Quixote, no papel de Basílio, em espetáculo do BTM/RJ, sob concepção, adaptação e coreografia de Hélio Béjani e Jorge Texeira. Alternando-se no elenco dos principais solistas da mais tradicional e atualmente a única cia. oficial no País que dá prioridade exclusiva à dança clássica, Gabriel Lopes e Juliana Valadão estiveram, neste último final de semana, nos papéis centrais como o casal enamorado, no tão conhecido e exemplar balé romântico do século XIX. A Orquestra Sinfônica do TM/RJ sendo conduzida pelo maestro Tobias Volkman, um expert brasileiro na regência de grandes obras do repertório de balé, sabendo imprimir ritmo, magnetismo e sensibilidade ao dimensionamento de uma partitura plenamente voltada ao exibicionismo pirotécnico. Onde a cenografia (Pará Produções e Eventos e Glauco Bernardi) mantem-se conservadora em seu figurativismo pelo uso de telões, num deslize ligeiramente kitsch ao interferir na ambiência lírica da praça flamenca de flores primaveris com balões, subliminarmente quase lembrando festas juninas, no ato final da celebração nupcial. Sob vazados efeitos luminares (Paulo Ornellas), ora vespertinos ou intermediados por sombras, no ato branco do sonho de Don Quixote. Dentro de um sotaque mais tradicional destaca-se o apuro dos figurinos (Tania Agra), retratando desde típicos personagens aldeões, toureiros e ciganos, além de um tratamento mais formalista das indumentárias do casal apaixonado, especialmente na cena das bodas. O argumento ao usar a titulação apenas pelas instantâneas passagens do papel titular mostrando Don Quixote ao lado de seu escudeiro Sancho Pança, devidamente paramentados com os elementos característicos da original trama literária de Cervantes, incluídos os delírios de um cavaleiro andante desafiando um moinho. Enquanto se sucedem papeis criados especialmente para o balé por Petipa, sob os acordes musicais de Ludwig Minkus, como coadjuvantes da história do amor que conduz o enredo coreográfico. São tantos tipos e situações numa representação de grande apelo mimético que exige muito timing em sua entrega à psicofisicalidade nas danças grupais e exibições solistas, valendo ressaltar o empenho do Corpo de Baile/TM fazendo o melhor para este alcance técnico-expressivo. Mas, sem dúvida alguma, a concentração maior palco-plateia fica no apelo carismático dos solos e pas-de-deux assumidos por Kitri e Basílio, na performance respectiva dos bailarinos Juliana Valadão e Gabriel Lopes. A começar da Kitri, por Juliana Valadão, em sua elegante adequação do porte físico à emotividade da entrega ao papel, desde o entusiasmo da variação do Ato I aos fouettés executados com apuro, durante a qualitativa parceria do Grand Pas de Deux. Por intermédio de performance coreográfica tornada ainda mais luminosa através do Basílio de Gabriel Lopes brilhando, pela sua presencial teatralidade e perfeccionismo técnico, já ao despontar em cena, sempre continuada com sua representação sinalizada por uma expressiva corporeidade, contagiante do alegre sorriso cênico à espontaneidade de movimentos gestuais, no entremeio de giros em espiral e saltos exuberantes de um artista completo. Em noite de justo reconhecimento e para consagração maior de talentos pátrios além-fronteiras, sob bela iniciativa artistica-direcional do BTM/RJ. O que deveria, enfim, se tornar um hábito nas grandes companhias de dança Brasil afora... Wagner Corrêa de Araújo Don Quixote / Balé e Orquestra do TMRJ, em temporada no Teatro Municipal/RJ, com horários diversos, até o próximo domingo, 30 de agosto.
Don Quixote Festival - Video
DON QUIXOTE/BTM/RJ: THE REVEALING FORCE OF A YOUNG BRAZILIAN DANCER PRAISING HIS TRAJECTORY ACROSS BORDERS
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Don Quixote. Ballet of the Municipal Theater/RJ. Hélio Bejani and Jorge Texeira/Conception, adaptation, and choreography. August/2026. Daniel Ebendinger and Alicia Cohim/Photos.
On the screens of cinema (Meliès, Pabst, Orson Welles) and the visual arts (Gustave Doré and Portinari), in the music of Massenet and Richard Strauss, in the ballet of Petipa and Minkus, as well as on the Broadway stage, the much-celebrated character of Miguel de Cervantes has always motivated the artistic universe and fascinated audiences. Continuing its 2026 choreographic season, the Ballet of the Municipal Theater of Rio de Janeiro represents Don Quixote, this time bringing in the titular role another of these talents revealed by the Bolshoi Theater School in Brazil - the São Paulo native Gabriel Lopes who graduated there in 2016, leaving shortly after for a brilliant trajectory in renowned Russian companies. And that after having fulfilled his dream - dancing for the first time at the Municipal of Rio - performing there, alongside Nathalia Osipova during the award event that bears the title of the famous dancer, he is back. Now, as the main male protagonist of this revival of Don Quixote, in the role of Basílio, in a show by BTM/RJ, under conception, adaptation and choreography by Hélio Béjani and Jorge Texeira. Alternating in the cast of the main soloists of the most traditional and currently the only official company in the country that gives exclusive priority to classical dance, Gabriel Lopes and Juliana Valadão were, this past weekend, in the central roles as the couple in love, in the well-known and exemplary romantic ballet of the nineteenth century. The TM/RJ Symphony Orchestra being conducted by maestro Tobias Volkman, a Brazilian expert in conducting great works of the ballet repertoire, knowing how to imprint rhythm, magnetism and sensitivity to the dimensioning of a score fully focused on pyrotechnic exhibitionism. Where the scenography (Pará Produções e Eventos and Glauco Bernardi) remains conservative in its figurativism through the use of big screens, in a slightly kitsch slip by interfering in the lyrical ambience of the flamenco square of spring flowers with balloons, subliminally almost reminiscent of June festivals, in the final act of the nuptial celebration. Under hollow luminary effects (Paulo Ornellas), sometimes evening or intermediated by shadows, in the white act of Don Quixote's dream. Within a more traditional accent, the refinement of the costumes (Tania Agra) stands out, portraying from typical villagers, bullfighters, and gypsy characters, in addition to a more formalistic treatment of the clothes of the couple in love, especially in the wedding scene. The argument by using the title only for the instantaneous passages of the titular role showing Don Quixote next to his squire Sancho Panza, duly dressed with the characteristic elements of Cervantes' original literary plot, including the delusions of a knight-errant defying a mill. While roles created especially for the ballet by Petipa follow one another, under the musical chords of Ludwig Minkus, as supporting actors in the love story that drives the choreographic plot. There are so many types and situations in a representation of great mimetic appeal that requires a lot of timing in its surrender to psychophysicality in group dances and solo exhibitions, and it is worth highlighting the commitment of the Corps de Ballet/TM doing its best for this technical-expressive reach. But, without a doubt, the greatest stage-audience concentration is in the charismatic appeal of the solos and pas-de-deux assumed by Kitri and Basílio, in the respective performance of the dancers Juliana Valadão and Gabriel Lopes. Starting with Kitri, by Juliana Valadão, in its elegant adaptation of physical size to the emotionality of delivery to paper, from the enthusiasm of the variation of Act I to the fouettés executed with care, during the qualitative partnership of the Grand Pas de Deux. Through a choreographic performance made even more luminous through Gabriel Lopes' Basílio shining, for his present theatricality and technical perfectionism, already when he appears on stage, always continued with his representation signaled by an expressive corporeality, contagious from the cheerful scenic smile to the spontaneity of gestural movements, in the midst of spiral spins and exuberant jumps of a complete artist. On a night of fair recognition and for greater consecration of national talents across borders, under a beautiful artistic-directional initiative of BTM/RJ. What should, finally, become a habit in the great dance companies throughout Brazil... Wagner Corrêa de Araújo Don Quixote / TMRJ Ballet and Orchestra, in season at the Municipal Theater/RJ, with different schedules, until next Sunday, August 30th.
Don Quixote pas de deux - Video
QUASAR CIA DE DANÇA / CÉU DE PÊSSEGO : PURO ESTETICISMO COREOGRÁFICO COM SUTIL RECADO ECOLÓGICO
Quasar Cia de Dança / Céu de Pêssego. Henrique Rodovalho/ Direção Coreográfica / Concepcional. Projeto Dança em Transito. Agosto/2026. Jorge Sato e Leo Pinheiro/Fotos.
Desde sua criação em 1988, a Quasar Cia de Dança sob o ideário de seu coreógrafo Henrique Rodovalho, tornou-se a mais conceituada companhia de dança contemporânea da região centro oeste do País, estendendo seu reconhecimento além-fronteiras, especialmente entre o final dos anos 90 e as duas primeiras décadas do terceiro milênio. Surpreendendo sempre pelo caráter inventivo e desbravador de suas criações coreográficas e a força qualitativa de um elenco, nas relações de movimento de aprimorados bailarinos, tanto na técnica como na sua singular expressividade no preenchimento do espaço cênico, sob uma potencial proposto de brasilidade. Retomado em sua mais recente criação - Céu de Pessego, tendo sempre como mentor coreográfico-concepcional Henrique Rodovalho na reunião de oito experientes integrantes-bailarinos : Carolina Amares, Daniela Moraes, Fabiana Nunes, Jorge Garcia, Lavinia Bizzotto, Luciana Fontanella, Luiz Oliveira e Samuel Kavalerski. Embora apresentando titularmente uma proposta conceitual, através da titulação da obra - Céu de Pessego, priorizando o rigorismo da dança pela dança, simultaneamente com um direcionamento gestual mais lúdico no entremeio, de um experiente corpo coreográfico, fragmentando em teor minimalístico, os seus sequenciais movimentos entre solos, duos e formações grupais. Enquanto uma caixa cênica despojada na plasticidade imprimida pela linearização de tonalidades luminares (Henrique Rodovalho), alcança uma ambiência pictórica imagética, ampliada pelo contagiante sotaque ao representar o espaço celestial sob os efeitos crepusculares no entardecer. Enquanto os figurinos (Cássio Brasil), no entremeio de calças masculinas e vestidos nas bailarinas, transmutam em pinceladas clean a prevalência aquarelada dos azuis propiciando, em paralelo, a percepção de uma energizada corporeidade indo de um subliminar sensualismo a uma assumida romantização. Tudo culminando na exponencial trilha autoral de Livia Netrovski e Fred Ferreira conectando sonoridades contrastantes, desde acordes instrumentais e temas vocais, plenos de apelos nostálgicos, a ritmos percussivos correspondidos pela sensorial entrega dos oito bailarinos à perfomance. Embora a representação da tão conhecida Quasar Cia de Dança, em espetáculo que remete à total prevalência de sua estética formal, tenha deixado de lado, um recado necessário e mais incisivo, por trás da poética denominação de Céu de Pessego. Um fenômeno resultante da transmutação da natureza ligando a terra à significativa coloração solar de um céu pêssego. No trágico contraponto da denúncia sobre uma das regiões brasileiras mais afetadas pelo descuido ambiental na pulsão do expansionismo ruralista. Onde a obra, mesmo assim, pelo empenho de sua criação artística, em que vale destacar a parceria com Lavínia Bizzotto e Samuel Kavalerski, não deixa perder a eficácia de outro valioso legado coreográfico de seu mentor mor Henrique Rodovalho. Com seu acurado cast técnico e artístico, fluente em transmitir uma singular atmosfera palco-plateia sustentada em contagiante corporeidade focada, por vezes, num empírico preciosismo coreográfico da arte pela arte, no rigorismo abstrato e exclusivo de uma dança pela dança. Mas, antes desta sua arrojada experimentação, sabendo dar consistência a um inventário estético-coreografico que, outra vez, faz da Quasar Cia de Dança um simbólico marco na trajetória das mais expressivas manifestações da dança contemporanea brasileira.
Wagner Corrêa de Araújo A Quasar Cia de Dança com o seu espetáculo Céu de Pessego integra a mostra Dança em Trânsito que acontece, além das praças públicas, nos Teatros Carlos Gomes e João Caetano, encerrando-se no próximo dia 11 de agosto.
QUASAR CIA DE DANÇA / CÉU DE PÊSSEGO : PURO ESTETICISMO COREOGRÁFICO COM SUTIL RECADO ECOLÓGICO - Video
QUASAR CIA DE DANÇA / CÉU DE PÊSSEGO: PURE CHOREOGRAPHIC AESTHETICISM WITH A SUBTLE ECOLOGICAL MESSAGE
Quasar Cia de Dança / Céu de Pêssego. Henrique Rodovalho/ Choreographic / Conceptional Direction. Dance in Transit Project. August/2026. Jorge Sato and Leo Pinheiro/Photos.
Since its creation in 1988, Quasar Cia de Dança , under the ideas of its choreographer Henrique Rodovalho, has become the most respected contemporary dance company in the midwest region of the country, extending its recognition across borders, especially between the end of the 90s and the first two decades of the third millennium. Always surprising by the inventive and pioneering character of his choreographic creations and the qualitative strength of a cast, in the movement relations of improved dancers, both in technique and in his singular expressiveness in filling the scenic space, under a proposed potential of Brazilianness. Resumed in his most recent creation - Céu de Pessego, always having Henrique Rodovalho as choreographic-conceptual mentor in the meeting of eight experienced members-dancers: Carolina Amares, Daniela Moraes, Fabiana Nunes, Jorge Garcia, Lavinia Bizzotto, Luciana Fontanella, Luiz Oliveira and Samuel Kavalerski. Although presenting a conceptual proposal, through the title of the work - Céu de Pessego, prioritizing the rigorism of dance for dance's sake, simultaneously with a more playful gestural direction in between, of an experienced choreographic body, fragmenting in minimalistic content, its sequential movements between solos, duos and group formations. While a scenic box stripped of plasticity imprinted by the linearization of luminary tonalities (Henrique Rodovalho), it achieves an imagetic pictorial ambience, amplified by the contagious accent when representing celestial space under the twilight effects at dusk. While the costumes (Cássio Brasil), in the middle of men's pants and dresses on the ballerinas, transmute the watercolor prevalence of blues into clean brushstrokes, providing, in parallel, the perception of an energized corporeality, going from a subliminal sensualism to an assumed romanticization. All culminating in the exponential authorial soundtrack of Livia Netrovski and Fred Ferreira connecting contrasting sounds, from instrumental chords and vocal themes, full of nostalgic appeals, to percussive rhythms corresponded by the sensorial surrender of the eight dancers to performance. Although the representation of the well-known Quasar Cia de Dança, in a show that refers to the total prevalence of its formal aesthetics, has left aside a necessary and more incisive message, behind the poetic denomination of Céu de Pêsego. A phenomenon resulting from the transmutation of nature linking the earth to the significant solar coloration of a peach sky. In the tragic counterpoint of the denunciation of one of the Brazilian regions most affected by environmental carelessness in the drive of ruralist expansionism. Where the work, even so, due to the commitment of his artistic creation, in which it is worth highlighting the partnership with Lavínia Bizzotto and Samuel Kavalerski, does not let the effectiveness of another valuable choreographic legacy of his mentor Henrique Rodovalho lose. With its accurate technical and artistic cast, fluent in transmitting a unique stage-audience atmosphere sustained by contagious corporeality focused, at times, on an empirical choreographic preciosity of art for art's sake, on the abstract and exclusive rigorism of a dance for dance's sake. But, before this bold experimentation, knowing how to give consistency to an aesthetic-choreographic inventory that, once again, makes Quasar Cia de Dança a symbolic milestone in the trajectory of the most expressive manifestations of Brazilian contemporary dance.
Wagner Corrêa de Araújo Quasar Cia de Dança with its show Céu de Pessego is part of the Dança em Trânsito exhibition that takes place, in addition to the public squares, at the Carlos Gomes and João Caetano Theaters, ending on August 11th.
QUASAR CIA DE DANÇA - Video
COMPANHIA URBANA DE DANÇA / NA PISTA: O RESGATE SOCIAL PELA ARTE COREOGRÁFICA NO PROJETO DANÇA EM TRÂNSITO
Companhia Urbana de Dança. Sônia Destri Lee / Direção Artística e Concepcional. Agosto/2026. Renato Mangolin/Fotos.
Através do movimento de danças urbanas acontece, num visível crescendo, um fato deveras marcante por sua representatividade social. O possível e simbológico resgate, pelo ato criador, das formas de exclusão de classes e da rejeição racial. E como reação à violência, implícita e exteriorizada, das favelas, comunidades e periferias. Extraordinário processo de assimilação da herança afro/brasileira e norte-americana, num mix inventivo da ancestralidade negra - samba, capoeira, break, soul, house, funk, hip hop, rap. E na convergência de grafiteiros, djs, dançarinos, estabelecendo, assim, uma autóctone estética de cultura urbana de stotaque popular. Manifestação midiática, com prevalência nas redes virtuais e com superlativo apelo entre os mais jovens. Tendência inicializada, no panorama coreográfico, com os grupos de street dance paulistas, desde o histórico Grupo de Rua de Santos, de Marcelo Cirino, no despontar dos anos 90. Mas que tem sua versão carioca, num aprofundamento das ligações entre a dança urbana com a coreografia contemporânea, na Companhia Urbana de Dança, criada e dirigida, há duas décadas, pela coreógrafa Sônia Destri Lie. Na vasta experiência de sua sólida formação, da base acadêmica e clássica com Tatiana Leskova, às linguagens jazzísticas e da contemporaneidade, indo de Lennie Dale e Marly Tavares, a Pina Bausch, Alvin Nikolais e Twyla Tharp. Dentro do ciclo do Projeto Dança em Trânsito, que acontece esta semana, nos palcos e nas praças do Rio de Janeiro, Sonia Destri Lee (RJ) retorna, nesta primeira quinta do mês de agosto, às raízes da companhia, no subúrbio carioca, com a reapresentação do seu celebrado espetáculo, do Brasil ao exterior - Na Pista, que tem inspiração nos ritmos e sequências coreográficas que fazem parte da vida dos jovens da Cia. E, mais uma vez, a enérgica presença cênica deste coeso e revelador elenco – Allan Wagner, André Feijão, Jessica Nascimento, Johnny Brito, Júlio Rocha, Miguel Fernandez, Rafael Balbino e Tiago Souza, na pulsão dos movimentos imprimidos pela contagiante trilha sonora de Rodrigo Marçal. Sob o feeling das pulsantes modulações rítmicas da trilha de Rodrigo Marçal e nas luzes entre sombras de Renato Machado, a desenvoltura de uma expressiva pesquisa corporal que resulta em irrepreensível performance. Por suas gestualidades circulares, em agressivos e sincopados contatos físicos com o solo ou entre os corpos dançantes. Na impulsividade espontânea da soltura dos braços e das pernas arqueadas, sob contrações musculares, fluindo como ondas de propositais marcações repetitivas. Quebradas ora pela liberdade de improvisos surpreendentes, ora pela ruptura contrastante do acelerado ritmo por pausas sonoras, sempre com apurado senso plástico. Onde a criação coreográfica tem seu referencial na transitoriedade da vida e na batalha pelo desejo de superação das inquietudes de uma juventude, em estado de guerra na sua busca pelo resgate através da manifestação coreográfica. E, sobretudo, no vitorioso resultado artístico deste autêntico, exponencial e emotivo substrato sociológico do universo de marginalização ali representado. Wagner Corrêa de Araújo Na Pista / Companhia Urbana de Dança. O espetáculo integra o Projeto Dança em Trânsito apresentando-se no Teatro Carlos Gomes e no Teatro João Caetano / Centro/RJ, entre os dias 05 e 11 de agosto, em horários diversos.
NA PISTA - Video
URBAN DANCE COMPANY / ON THE TRACK: THE SOCIAL RESCUE THROUGH CHOREOGRAPHIC ART IN THE DANCE IN TRANSIT PROJECT
Urban Dance Company. Sônia Destri Lee / Artistic and Conceptual Direction. August/2026. Renato Mangolin/Photos.
Through the movement of urban dances, a fact that is truly remarkable for its social representativeness happens in a visible crescendo. The possible and symbolic rescue, through the creative act, of the forms of class exclusion and racial rejection. And as a reaction to the violence, implicit and externalized, of favelas, communities, and peripheries. An extraordinary process of assimilation of the Afro/Brazilian and North American heritage, in an inventive mix of black ancestry - samba, capoeira, break, soul, house, funk, hip hop, rap. And in the convergence of graffiti artists, djs, dancers, thus establishing an autochthonous aesthetic of urban culture with a popular accent. Media manifestation, prevalent in virtual networks and with superlative appeal among the youngest. A trend that began in the choreographic panorama with the street dance groups of São Paulo, since the historic Grupo de Rua de Santos, by Marcelo Cirino, at the dawn of the 90s. But which has its Rio version, in a deepening of the links between urban dance and contemporary choreography, in the Urban Dance Company, created and directed two decades ago by choreographer Sônia Destri Lie. In the vast experience of her solid training, from the academic and classical base with Tatiana Leskova, to jazz and contemporary languages, ranging from Lennie Dale and Marly Tavares to Pina Bausch, Alvin Nikolais and Twyla Tharp. Within the cycle of the Dance in Transit Project, which takes place this week, on the stages and squares of Rio de Janeiro, Sonia Destri Lee (RJ) returns, on this first Thursday of August, to the company's roots, in the suburbs of Rio de Janeiro, with the re-presentation of her celebrated show, from Brazil to abroad - Na Pista, which is inspired by the rhythms and choreographic sequences that are part of the lives of the young people of Cia. And, once again, the energetic scenic presence of this cohesive and revealing cast – Allan Wagner, André Feijão, Jessica Nascimento, Johnny Brito, Júlio Rocha, Miguel Fernandez, Rafael Balbino, and Tiago Souza, in the pulse of the movements imprinted by Rodrigo Marçal's contagious soundtrack. Under the feeling of the pulsating rhythmic modulations of Rodrigo Marçal's score and the lights between shadows of Renato Machado, the resourcefulness of an expressive body research that results in impeccable performance. For its circular gestures, in aggressive and syncopated physical contacts with the ground or between the dancing bodies. In the spontaneous impulsiveness of the release of the arms and legs bowed, under muscle contractions, flowing like waves of purposeful repetitive markings. Broken sometimes by the freedom of surprising improvisations, sometimes by the contrasting rupture of the accelerated rhythm by sound pauses, always with a keen plastic sense. Where choreographic creation has its reference in the transience of life and in the battle for the desire to overcome the concerns of a youth, in a state of war in its search for rescue through choreographic manifestation. And, above all, in the victorious artistic result of this authentic, exponential, and emotional sociological substrate of the universe of marginalization represented there. Wagner Corrêa de Araújo On the Dance Floor / Urban Dance Company. The show is part of the Dance in Transit Project, performing at Teatro Carlos Gomes and Teatro João Caetano / Centro/RJ, between August 5th and 11th, at different times.
Sonia Destri Lie / COMPANHIA URBANA DE DANÇA _NA PISTA drops - Video
SÃO PAULO COMPANHIA DE DANÇA - COMO QUEM SONHA : SENSITIVO INVENTÁRIO GESTUAL SOBRE A PASSAGEM DO TEMPO
São Paulo Dance Company Agora, de Cassi Abranches - Crédito Charles Lima - SPCD
São Paulo Cia de Dança. Como Quem Sonha. Jiri Kylián/Cassi Abranches/Joëlle Bouvier/Coreógrafos. Junho/2026. Iari Davies/Fotos.
Cada uma das temporadas anuais da São Paulo Companhia de Dança é titulada a partir de reflexivos conceituais inspirados por temas filosóficos e literários, em ideário estético de sua criadora e diretora artística Inês Bogéa, numa trajetória que envolve a base clássica e os avanços da contemporaneidade coreográfica. E assim, para o ano de 2026, a denominação Como Quem Sonha partiu de um belo pensamento poético da escritora Hilda Hilst - “Fazei com que eu me mova como quem sonha”. Sob dois referenciais programas elucidativos de duas épocas na história da dança. O primeiro deles com uma releitura do argentino Mario Galizzi do clássico dos clássicos O Lago dos Cisnes, a partir de Petipa/Ivanov, direcionada em caráter exclusivo para a SPCD. E o segundo reunindo três obras coreográficas, começando por uma das mais celebradas criações de Jirí Kylian -Indigo Rose, tornada assim a terceira do mesmo autor apresentada na SPCD. Completando-se a representação com uma das concepções autorais de um revelador nome da última geração da dança brasileira - Cassi Abranches - reapresentando o seu balé Agora, o terceiro dedicado à SPCD. Uma ex-integrante como bailarina do Grupo Corpo que, após bem sucedida passagem por outras Cias neste ofício inventor, tornou-se novamente parte da Cia mineira, atuando ali como assistente coreográfica de Rodrigo Pederneiras. E, como de hábito, a SPCD traz outra criação pensada para a Cia, a inédita O Som da Chuva, segunda das incursões, ali, da coreógrafa francesa de ascendência belga - Joëlle Bouvier, depois de Odisseia, 2018, destacando-se, em parceria artística com Régie Obadia, no panorama da Nouvelle Danse francesa. O tcheco Jiri Kylián é um dos mais brilhantes nomes da dança contemporânea entre o final da segunda metade do século XX e as duas décadas iniciais do terceiro milênio, sempre com obras marcadas tanto pelo rigor técnico como pela ousadia de seu vocabulário coreográfico. Indigo Rose, de 1991, é uma de suas composições mais diferenciais, não só pela conexão de linguagens coreográficas como por seu teor de simbólico expressionismo ao abordar a instantaneidade das transições existenciais a partir dos anos da juventude. Conceitualizada com um olhar focado na jovial fisicalidade de bailarinos entregues a jogos energizados por uma corporeidade imersa numa ambiência de fantasia no entremeio de um clima cinético. Impressionando pela força que é imprimida, especialmente, pela nova geração de bailarinos no atual elenco da SPCD. Onde a caixa cênica é atravessada por raios luminares incidindo sobre uma faixa central de seda, enquanto provocam pictórico efeito de um teatro coreográfico de sombras, ampliado por uma trilha que vai de efeitos eletrônicos a John Cage, passando por Bach e Couperin. Recorrendo à temporalidade memorial, o segmento Agora, de Cassis Abranches, propõe um inventário, mais abstrato que propriamente narrativo, sobre as incursões físico/emotivas de uma personagem feminina secular que vê desfilar diante de seus olhos a completude de sua trajetória existencial. Numa fisicalidade em movimento pelo espaço cênico, como se a exposição dos corpos dos bailarinos fosse direcionada por inventivos efeitos video-gráficos de uma ilha de edição. O que é refletido especularmente como um dos sotaques cinéticos/cênicos da criação coreográfica de Joelle Bouvier estabelecendo liames entre suas duas obras na SPCD - Odisséia, de 2018, e esta última - O Som da Chuva - sinalizada, metaforicamente, sobre o sentido prevalente do universo do amor em ângulo feminino. Paralelo à circularidade de uma temática que envolve as forças da natureza simbolizando as mutações dos relacionamentos através de uma trilha (Lucas Varin) de acordes sonoros que remetem a ventos e tempestades ao lado de temas melódicos amorosos, incluída a brasilidade musical de Manhã de Carnaval. Ressaltando a magia de elementos cenográficos, como os figurinos (Fabio Namatame), balões e um ancestral gramofone, a concepção de O Som da Chuva, por suas nuances estéticas de uma surpreendente performance coreográfica, plena de fluência técnica-emotiva, transmutando-se em valioso legado da SPCD para o acervo antológico da dança contemporânea em âmbito mundial... Wagner Corrêa de Araújo Abertura da Temporada 2026 da São Paulo Companhia de Dança, de 04 a 14 de Junho, no Teatro Sérgio Cardoso, seguindo em turnês nacionais e internacionais.
AGORA PV - Video
SÃO PAULO DANCE COMPANY - AS ONE WHO DREAMS: SENSITIVE GESTURAL INVENTORY ON THE PASSAGE OF TIME
São Paulo Dance Company Indigo Rose, de Jiří Kylián - Crédito Iari Davies - SPCD
Review:Wagner Corrêa de Araújo (Danse Critic)
São Paulo: Cia de Dança. Like someone who dreams. Jiri Kylián/Cassi Abranches/Joëlle Bouvier/Choreographers. June/2026. Iari Davies/Photos.
Each of the annual seasons of the São Paulo Dance Company is based on conceptual reflections inspired by philosophical and literary themes, in the aesthetic ideals of its creator and artistic director Inês Bogéa, in a trajectory that involves the classical base and the advances of choreographic contemporaneity. And so, for the year 2026, the name Como Quem Sonha came from a beautiful poetic thought by the writer Hilda Hilst - "Make me move as one who dreams". Under two referential elucidative programs of two eras in the history of dance. The first of them with a reinterpretation by the Argentine Mario Galizzi of the classic of classics Swan Lake, based on Petipa/Ivanov, directed exclusively to SPCD. And the second bringing together three choreographic works, starting with one of Jirí Kylian's most celebrated creations -Indigo Rose, thus becoming the third by the same author presented at the SPCD. Completing the representation with one of the authorial conceptions of a revealing name of the last generation of Brazilian dance - Cassi Abranches - representing her ballet Agora, the third dedicated to SPCD. A former member as a dancer of Grupo Corpo who, after a successful passage through other companies in this inventorial craft, became part of the Cia Mineira again, acting there as choreographic assistant to Rodrigo Pederneiras. And, as usual, the SPCD brings another creation designed for the Company, the unprecedented The Sound of Rain, the second of the incursions, there, of the French choreographer of Belgian descent - Joëlle Bouvier, after Odyssey, 2018, standing out, in artistic partnership with Régie Obadia, in the panorama of the French Nouvelle Danse. The Czech Jiri Kylián is one of the most brilliant names in contemporary dance between the end of the second half of the twentieth century and the first two decades of the third millennium, always with works marked both by the technical rigor and the boldness of his choreographic vocabulary. Indigo Rose, from 1991, is one of his most distinctive compositions, not only for the connection of choreographic languages but also for its symbolic expressionism content when addressing the instantaneity of existential transitions from the years of youth. Conceptualized with a focus on the youthful physicality of dancers given over to games energized by a corporeality immersed in a fantasy ambience in the midst of a kinetic climate. Impressing by the strength that is imprinted, especially by the new generation of dancers in the current cast of SPCD. Where the scenic box is crossed by luminary rays falling on a central silk band, while provoking the pictorial effect of a choreographic theater of shadows, amplified by a soundtrack that goes from electronic effects to John Cage, passing through Bach and Couperin. Resorting to memorial temporality, Cassis Abranches' segment Agora proposes an inventory, more abstract than narrative, about the physical/emotional incursions of a secular female character who sees the completeness of her existential trajectory parade before her eyes. In a physicality in movement through the scenic space, as if the exposure of the dancers' bodies were directed by inventive video-graphic effects of an editing island. This is specularly reflected as one of the kinetic/scenic accents of Joelle Bouvier's choreographic creation, establishing links between her two works at SPCD - Odyssey, 2018, and the latter - The Sound of Rain - metaphorically signaled about the prevalent meaning of the universe of love in a feminine angle. Parallel to the circularity of a theme that involves the forces of nature, symbolizing the mutations of relationships through a soundtrack (Lucas Varin) of sound chords that refer to winds and storms alongside melodic love themes, including the musical Brazilianness of Manhã de Carnaval. Highlighting the magic of scenographic elements, such as costumes (Fabio Namatame), balloons and an ancestral gramophone, the conception of O Som da Chuva, for its aesthetic nuances of a surprising choreographic performance, full of technical-emotional fluency, transmuting itself into a valuable legacy of SPCD for the anthological collection of contemporary dance worldwide... Wagner Corrêa de Araújo Opening of the 2026 Season of the São Paulo Dance Company, from June 4th to 14th, at the Sérgio Cardoso Theater, following on national and international tours.
Indigo Rose, 1998 de Jirí Kylián Promocional - Video
REMIX/COMPANHIA DE DANÇA DEBORAH COLKER : TRÊS DÉCADAS SOB O PROCESSO INVESTIGATIVO DA RELAÇÃO MOVIMENTO-ESPAÇO
Remix/Companhia de Dança Deborah Colker. Deborah Colker/Direção Coreográfica. Junho/2026. Flávio Colker/Fotos.
Em 1994, numa época que refletia a perspectiva de novos tempos para a dança contemporânea em moldes brasileiros, a estreia de Vulcão lançava as bases estético-coreográficas da Deborah Colker Cia de Dança. Trinta e dois anos após, seu mais novo espetáculo - Remix -torna-se, assim, um simbólico tributo especular àquela data. Onde começava um processo de busca inventiva a partir das relações movimento-espaço, conectando a técnica clássica e contemporânea, no simbiótico uso de elementos diversos indo da energizada dança de rua à pulsão da ginástica olímpica, junto ao desafio da acrobacia com seu referencial circense. Tornando-se esta tendência uma marca característica das primeiras e das sequenciais obras da coreógrafa sinalizadas por caracteres psicofísicos - destreza, energia, precisão, paixão. Valioso legado de Deborah Colker em sua longa trajetória no ofício de decifração da corporeidade em movimento como manifestação artística. Desde os anos 80, como integrante do Grupo Coringa, às suas inúmeras passagens como diretora de movimento de espetáculos teatrais, extensivas à sua experiência como coreógrafa de comissões de frente de conhecidas escolas de samba cariocas. Além das inúmeras turnês internacionais por mais de trinta países que a tornaram reconhecida, além-fronteiras, no aplauso do público e na opinião crítica. E mais, em épocas mais recentes, coreografando o Cirque du Soleil, as aberturas da Copa do Mundo na Alemanha, 2006 e dos Jogos Olímpicos no RJ, 2016, para culminar, entre outras missões artísticas, como diretora de ópera no Metropolitan Opera House, 2026, com “El Último Sueño de Frida y Diego”. Em Remix, transparece uma especial seleção retrospectiva não crononológica com algumas das mais características obras coreográficas da Cia De Dança Deborah Colker, partindo de Paixão que remete à criação da sua obra inaugural - Vulcão, de 1994, conectada a Belle, de 2014. Esta última como sua primeira recorrência à literatura, através do romance de Joseph Kessel que inspirou o filme de Louis Buñuel - La Belle de Jour. Sob uma trilha antológica de hits amorosos, os parceiros se atraem, ao mesmo tempo, demonstrando repulsa, pela gestualidade de corpos que se confundem e se afastam. Para estabelecer uma conexão temática, em paralelos sensoriais diferentes, sobre as situações conflituantes da condição humana entre seres apaixonados, ora submissos ora reflexivos, no entremeio de desejos irreprimíveis e conflitos afirmativos entre a razão e o instinto. As Meninas, extrato de 4x4, de 2002, em que a própria coreógrafa Deborah, ao piano em cena, demonstra sua habilidade como concertista numa das Sonatas de Mozart, enquanto duas bailarinas exibem-se em pontas sob uma corporeidade gestual de apelo neoclássico. Sequenciadas pelo preenchimento da caixa cênica com uma criação de exponencial plasticidade - Vasos. Em que cerca de 90 deles no ideário cenográfico de Gringo Cardia sugerem frágeis porcelanas chinesas, entre as quais os bailarinos, com ousada precisão técnica e absoluta delicadeza, transitam num pictórico jogo lúdico. Ecoando ainda o conceitual estético-coreográfico de que dança é antes de tudo uma imagem em movimento, Rota, de 1997, e confrontando a tradicional ideia de que a dança é apenas uma verticalização dos bailarinos num plano-palco horizontal, em situação oposta é a hora de Vertigem e da vez de Roda. Aqui se desdobram uníssonos processos coreográficos inventivos, desafiando a gravidade sob energéticos levantamentos aéreos da corporeidade em diálogo com o espaço. E avançando mais este corpo-ação ao se desprender imageticamente do solo em uma icônica roda mecânica. Sob moto-continuo, com os acordes valsantes de Strauss do Danúbio Azul, como a circularidade dos ciclos existenciais, fazendo dançar a vida no culminante epílogo deste hipnotizante Remix... Wagner Corrêa de Araújo Remix / Companhia de Dança Deborah Colker, realiza curta temporada no TM/RJ, dos dias 03 a 07 de junho, em horários diversos.
REMIX/DANCE COMPANY DEBORAH COLKER: - Video
REMIX/DANCE COMPANY DEBORAH COLKER: THREE DECADES UNDER THE INVESTIGATIVE PROCESS OF THE MOVEMENT-SPACE RELATIONSHIP
Remix/Deborah Colker Dance Company. Deborah Colker/Choreographic Direction. June/2026. Flávio Colker/Photos.
In 1994, at a time that reflected the perspective of new times for contemporary dance in Brazilian molds, the premiere of Vulcão laid the aesthetic-choreographic foundations of Deborah Colker Cia de Dança. Thirty-two years later, her newest show - Remix - thus becomes a symbolic specular tribute to that date. Where a process of inventive search began from the movement-space relationships, connecting classical and contemporary technique, in the symbiotic use of diverse elements ranging from energized street dance to the pulse of Olympic gymnastics, along with the challenge of acrobatics with its circus reference. This trend became a characteristic mark of the choreographer's first and sequential works signalled by psychophysical characters - dexterity, energy, precision, passion. Valuable legacy of Deborah Colker in her long career in the craft of deciphering corporeality in movement as an artistic manifestation. From the 80s, as a member of Grupo Coringa, to her numerous stints as a movement director of theatrical shows, extended to her experience as a choreographer of front commissions of well-known samba schools in Rio de Janeiro. In addition to the numerous international tours to more than thirty countries that have made her recognized, across borders, in the applause of the public and in critical opinion. And more, in more recent times, choreographing Cirque du Soleil, the openings of the World Cup in Germany, 2006 and the Olympic Games in Rio de Janeiro, 2016, to culminate, among other artistic missions, as opera director at the Metropolitan Opera House, 2026, with "El Último Sueño de Frida y Diego". In Remix, a special non-chronological retrospective selection with some of the most characteristic choreographic works of Cia De Dança Deborah Colker appears, starting from Paixão that refers to the creation of her inaugural work - Vulcão, from 1994, connected to Belle, from 2014. The latter as her first recurrence to literature, through Joseph Kessel's novel that inspired Louis Buñuel's film La Belle de Jour. Under an anthological trail of love hits, the partners attract, at the same time, showing repulsion, by the gestures of bodies that are confused and move away. To establish a thematic connection, in different sensory parallels, about the conflicting situations of the human condition between passionate beings, sometimes submissive and sometimes reflective, in the midst of irrepressible desires and affirmative conflicts between reason and instinct. As Meninas, extract from 4x4, from 2002, in which the choreographer Deborah herself, at the piano on stage, demonstrates her skill as a concert performer in one of Mozart's Sonatas, while two dancers show themselves on pointe under a gestural corporeality of neoclassical appeal. Sequenced by filling the scenic box with a creation of exponential plasticity - Vases. In which about 90 of them in Gringo Cardia's scenographic ideas suggest fragile Chinese porcelain, among which the dancers, with daring technical precision and absolute delicacy, move in a pictorial playful game. Still echoing the aesthetic-choreographic concept that dance is first and foremost a moving image, Rota, from 1997, and confronting the traditional idea that dance is just a verticalization of dancers on a horizontal stage-plane, in an opposite situation it is time for Vertigo and Roda's turn. Here inventive choreographic processes unfold in unison, defying gravity under energetic aerial surveys of corporeality in dialogue with space. And advancing this body-action further by detaching itself imagetically from the ground in an iconic mechanical wheel. Under continuous motion, with Strauss's waltzing chords of the Blue Danube, as well as the circularity of existential cycles, making life dance in the culminating epilogue of this mesmerizing Remix... Wagner Corrêa de Araújo Remix / Deborah Colker Dance Company, performs a short season at TM/RJ, from June 3rd to 7th, at different times.
FOCUS CIA DE DANÇA – CINEQUANON : ENVOLVENTE PERCURSO COREOGRÁFICO EM TEMPO DE CINEMA
Cinequanon / Focus Cia de Dança. Alex Neoral/Concepção Coreográfica, Maio/2026. Rafael Catarcione /Fotos, José Villaça /Vídeos.
A imagem-movimento e a imagem-tempo, conceitualizadas por Gilles Deleuze em seus estudos sobre o “cinema do corpo” repercutem, na contemporaneidade , a estreita relação entre a dança e o cinema. Desde a inicialização cinematográfica, com suas primitivas experimentações de uma fotografia em “real motion” nas Serpentines Dances (inspiradas pela coreógrafa/bailarina Loïe Fuller) até a ousada animação do Pas de Deux, de Norman McLaren (1968). Sem esquecer as primeiras interferências fílmicas nos anos vinte do Ballet Mécanique (Fernand Léger) ao Entr’acte (René Clair) além do ballet dadaísta Relâche de Francis Picabia. E, mais tarde, nos efeitos/cinema, da concepção coreográfica/teatral de Pina Bausch ao mix de takes reais e digitais nas criações da vídeo/dança. Numa singular proposta de inversão da tela para o palco, a recente reestreia de uma criação de 2016, da Focus Cia de Dança, através de seu criador/mor Alex Neoral, ressignifica a expressão latina da essencialidade no substitutivo vocabular de “sine” para a titularidade do seu Cinequanon. Com seu referencial ao cinema por gêneros, figurinos, trilhas, cenas, títulos, o espetáculo transforma o palco numa tela viva. E, assim, impulsiona uma trajetória do olhar entre o sensorial onírico e a percepção imagética-sonora dos elementos técnicos, oriundos de uma câmera metafórica em percurso coreográfico. Na sua retomada documental fílmica que na primeira versão, às vezes, por um excesso de frases (coreo)cinéticas confundia a apreensão do écran mental de cada espectador, Cinequanon, mantendo suas linhas estéticas básicas, concretiza, por outro lado, uma inusitada experiência de filme cênico/performático. Onde se destaca a presencial fisicalidade dos bailarinos (Afonso Gondim /Bianca Lopes/Bruno Feliciano/Carolina de Sá/Cosme Gregory/Guilherme Nunes/ Olívia Pureza/Paloma Tauffer/ Wesley Tavares / Yasmin Mattos) em elenco diferencial dez anos depois, mas sempre com elegante e instintiva gestualidade, na sua entrega a um lúdico, enérgico e envolvente jogo cinético/teatral . Uma outra geração da Focus Cia de Dança revelada, preenchendo com assumida consistência o espaço cênico (Márcio Jahú), completado na sintonia das texturas dos figurinos (André Vital/Mônica Burity) com os efeitos especiais óticos induzidos por um potencial desenho de luz (Binho Schaeffer), ao lado da recriação, entre ruídos, fraseados e citações incidentais, de um amarrado score de trilhas sonoras(Felipe Habib). Alex Neoral sabendo como bem explorar o palco com preciso sincronismo orgânico dos códigos do cinema e da dança, enquanto faz girar sua “câmera coreográfica” no alcance de tomadas de ângulos diversos, da projeção de grandes closes a planos gerais interativos palco/plateia, quebrando a quarta parede em aproximativo jogo com cada espectador. Esta incursão cinema>dança>tela>palco, propõe outras leituras numa espécie de obra aberta na decifração da decupagem de um fragmentário legado fílmico, como um balé de "planos-sequência". Podendo ser atribuído a Cinequanon, através desta proposta de peça coreográfica com referencial fílmico, um resultado dziga vertoviano de "eficaz coreografia dirigindo e mediando o olhar do espectador pela câmera". Wagner Corrêa de Araújo Cinequanon / Focus Cia de Dança está em cartaz no Teatro Carlos Gomes/RJ, de quinta a domingo, às 19h; até 07 de junho.
FOCUS CIA DE DANÇA | Cinequanon - Video
FOCUS CIA DE DANÇA – CINEQUANON: ENGAGING CHOREOGRAPHIC JOURNEY IN CINEMA TIME
Cinequanon / Focus Cia de Dança. Alex Neoral/Choreographic Conception, May/2026. Rafael Catarcione /Photos, José Villaça /Videos.
The movement-image and the time-mage, conceptualized by Gilles Deleuze in his studies on the "cinema of the body,” have repercussions, in contemporary times, the close relationship between dance and cinema. From the cinematic initial, with its primitive experiments with "real motion" photography in the Serpentines Dances (inspired by the choreographer/dancer Loïe Fuller) to the daring animation of Norman McLaren's Pas de Deux (1968). Not to mention the first filmic interferences in the twenties, from the Ballet Mécanique (Fernand Léger) to the Entr'acte (René Clair), as well as the Dadaist ballet Relâche, by Francis Picabia. And, later, in the effects/cinema, from Pina Bausch's choreographic/theatrical conception to the mix of real and digital takes in the video/dance creations. In a singular proposal of inversion from the screen to the stage, the recent re-premiere of a 2016 creation, by Focus Cia de Dança, through its creator/mor Alex Neoral, resignifies the Latin expression of essentiality in the vocabulary substitute of "sine" for the ownership of its Cinequanon. With its reference to cinema by genres, costumes, soundtracks, scenes, titles, the show transforms the stage into a living screen. And, thus, it drives a trajectory of the gaze between the dreamlike sensorial and the imagetic-sound perception of the technical elements, coming from a metaphorical camera in a choreographic path. In its filmic documentary resumption, which in the first version, sometimes, due to an excess of (choreo)kinetic phrases, confused the apprehension of the mental screen of each spectator, Cinequanon, maintaining its basic aesthetic lines, materializes, on the other hand, an unusual experience of scenic/performative film. Where the face-to-face physicality of the dancers (Afonso Gondim / Bianca Lopes / Bruno Feliciano / Carolina de Sá / Cosme Gregory / Guilherme Nunes / Olívia Pureza / Paloma Tauffer / Wesley Tavares / Yasmin Mattos) stands out in a differential cast ten years later, but always with elegant and instinctive gestures, in their surrender to a playful, energetic and engaging kinetic/theatrical game. Another generation of Focus Cia de Dança revealed, filphrasing, scenic space with assumed consistency (Márcio Jahú), completed in the harmony of the textures of the costumes (André Vital/Mônica Burity) with the optical special effects induced by a potential light design (Binho Schaeffer), alongside the recreation, between noises, phrasing and incidental quotes, of a tied score of soundtracks (Felipe Habib). Alex Neoral knowing how to explore the stage with precise organic synchronism of the codes of cinema and dance, while rotating his "choreographic camera" in the range of shots from different angles, from the projection of large close-ups to interactive general shots of the stage / audience, breaking the fourth wall in an approximate game with each spectator. This cinema>dance>screen>stage incursion proposes other readings in a kind of open work in the decipherment of the decoupage of a fragmentary filmic legacy, like a ballet of "sequence shots". It can be attributed to Cinequanon, through this proposal of a choreographic piece with a filmic reference, a dziga Vertovian result of "effective choreography directing and mediating the spectator's gaze through the camera". Wagner Corrêa de Araújo Cinequanon / Focus Cia de Dança is on display at Teatro Carlos Gomes/RJ, from Thursday to Sunday, at 7 pm, until June 7th.
GRUPO CORPO / 21 : A ESTÉTICA DIFERENCIAL DE UMA OBRA COREOGRÁFICA TORNADA EMBLEMÁTICA NA TRAJETÓRIA DA DANÇA CONTEMPORÂNEA EM MOLDES BRASILEIROS
Grupo Corpo / 21 e Piracema. Rodrigo Pederneiras/Concepção Coreográfica/Direcional. Maio/2026. José Luiz Pederneiras/Fotos.
A mais reconhecida das cias mineiras de dança – o Grupo Corpo - completou em 2025 seu meio século de criações, desde sua estreia com duas obras marcantes do coreógrafo argentino Oscar Araiz, a partir de temas do compositor Milton Nascimento e do letrista Fernando Brant. Maria Maria (1975) que, decisivamente, emblematizou o Grupo Corpo por seu incrível alcance criativo, sendo sequenciada por outra titulada O Último Trem (1980). E simbolicamente a criação coreográfica que ligou, indissoluvelmente, a companhia à assinatura de Rodrigo Pederneiras em moldes absolutamente inventivos seria, exatamente, 21, numa inédita parceria do coreógrafo e do grupo instrumental UAKTI, pelo desbravador ideário composicional de outro mineiro - Marco Antônio Guimarães. Que tinha sido iniciada por Cantares, do mesmo músico, tornando-se o primeiro experimento com personalista autenticidade de Rodrigo Pederneiras no ofício coreográfico, após uma fase em que transitou por obras de teor mais ligado à base clássica, tais como Noturno (1982), Sonata (1984), Prelúdios (1985), Canções (1987), Missa do Orfanato (1989). Quando, então, o impacto revelador essencialmente provocado pela reveladora brasilidade de 21, em 1992, estabelece uma original conexão coreográfica-musical de Rodrigo Pederneiras / Grupo Corpo com a MPB, passando por diversos compositores - de Tom Zé, Zé Miguel Wisnik, João Bosco, Arnaldo Antunes, até Caetano e Gil, sem deixar de lado um histórico precursor Ernesto Nazareth, em tendência que é lembrada aqui, com a reapresentação de 21, ao lado da mais recente delas - Piracema. Onde uma ex-integrante do Grupo Corpo simbolizou na passagem cinquentenária da Cia, a transmutação deste processo evolutivo pela busca de um futuro dimensionamento sucessório. E para isto o espetáculo estabelece um liame entre o passado, o presente e o futuro, ao colocar lado a lado, 21, de 1992, e a inédita Piracema, de 2025. A primeira como uma exclusiva composição coreográfica de Rodrigo Pederneiras, seguida da outra numa simultânea leitura deste com Cassi Abranches, uma bailarina do Grupo Corpo que retorna, ali, como coreógrafa assistente. Sob um conceitual estético de permanente transformação pela abertura de inusitados caminhos, tanto no seu dimensionamento coreográfico como musical, por intermédio da trilha inédita de Clarice Assad e de um dúplice traçado coreográfico (Cassi Abranches e Rodrigo Pederneiras) capaz de conceituar uma nova era para o Grupo Corpo.No seu sugestionar, repercutido especularmente na força da concepção coreográfica, desde um tribalismo indígena percussionista paralelo às sonoridades da natureza, passando por expressivos acordes de sonoridades mais universalistas confluindo, enfim, na modernidade de ritmos eletro acústicos. Cujo encontro num mesmo programa remete à época visionária do processo criador de 21. Pela performance dos bailarinos em collants coloridos definindo em detalhes a fisicalidade de cada um deles (Freusa Zechmeister) e no cenário artesanal (Fernando Velloso) com a plasticidade pictórica de uma pintura naif afro-brasileira. Numa caixa cênica, inicializada em obscura ambiência entre sombras e, subitamente, resplandecendo entre efeitos quase psicodélicos. Com estes contrapontos uma gramática gestual vai se desdobrando ao compasso da energizada partitura polifônica de compassos numéricos com prevalência percussiva, entre cordas, sopros, ecos instrumentais e efeitos acústicos que acentuam, geometricamente, a vigorosa dramaturgia corporal imprimida por Rodrigo Pederneiras a 21. Extensivos a uma contínua unicidade de proposta estética que aproxima 21 de Piracema, na perfeccionista e evolutiva coesão de hibrida técnica clássica e ritmos da cultura popular, sob o forte sotaque do gingado de um remelexo de quadris, na pulsão de fluida e contagiante corporeidade, ancorada nos avanços da contemporaneidade coreográfica brasileira. Wagner Corrêa de Araújo 21 e Piracema / Grupo Corpo, em instantânea temporada no Teatro Multiplan/Village Mal/Barra da Tijuca, dias 7, 8 e 9, às 20h; até o domingo, 10/05, às 17 h.
Grupo Corpo - 21 | 1992 - Video
GRUPO CORPO / 21 : THE DIFFERENTIAL AESTHETICS OF A CHOREOGRAPHIC WORK MADE EMBLEMATIC IN THE TRAJECTORY OF CONTEMPORARY DANCE IN BRAZILIAN MOLDS
Grupo Corpo / 21 and Piracema. Rodrigo Pederneiras/Choreographic/Directional Conception. May/2026. José Luiz Pederneiras/Photos.
The most recognized of the Minas Gerais dance companies – Grupo Corpo – completed in 2025 its half century of creations, since its debut with two remarkable works by Argentine choreographer Oscar Araiz, based on themes by composer Milton Nascimento and lyricist Fernando Brant. Maria Maria (1975) which, decisively, emblematized Grupo Corpo for its incredible creative reach, being followed by another entitled O Último Trem (1980). And symbolically, the choreographic creation that indissolubly linked the company to the signature of Rodrigo Pederneiras in absolutely inventive ways would be, exactly, 21, in an unprecedented partnership of the choreographer and the instrumental group UAKTI, by the pioneering compositional ideas of another Minas Gerais native - Marco Antônio Guimarães. Which had been initiated by Cantares, by the same musician, becoming the first experiment with Rodrigo Pederneiras' personalist authenticity in the choreographic craft, after a phase in which he transited through works with a content more linked to the classical base, such as Nocturne (1982), Sonata (1984), Preludes (1985), Songs (1987), Orphanage Mass (1989). When, then, the revealing impact essentially provoked by the revealing Brazilianness of 21, in 1992, establishes an original choreographic-musical connection between Rodrigo Pederneiras / Grupo Corpo with MPB, passing through several composers - from Tom Zé, Zé Miguel Wisnik, João Bosco, Arnaldo Antunes, to Caetano and Gil, without leaving aside a historical precursor Ernesto Nazareth, in a trend that is remembered here, with the re-presentation of 21, alongside the most recent of them - Piracema. Where a former member of Grupo Corpo symbolized in the fiftieth anniversary of the Company, the transmutation of this evolutionary process by the search for a future succession dimension. And for this, the show establishes a link between the past, the present and the future, by placing side by side, 21, from 1992, and the unprecedented Piracema, from 2025. The first as an exclusive choreographic composition by Rodrigo Pederneiras, followed by the other in a simultaneous reading of the latter with Cassi Abranches, a dancer from Grupo Corpo who returns there as an assistant choreographer. Under an aesthetic concept of permanent transformation by opening unusual paths, both in its choreographic and musical dimensioning, through the unpublished soundtrack of Clarice Assad and a double choreographic outline (Cassi Abranches and Rodrigo Pederneiras) capable of conceptualizing a new era for the Group Corpo.No its suggestion, speculatively reflected in the strength of the choreographic conception, from an indigenous percussionist tribalism parallel to the sounds of nature, through expressive chords of more universalist sounds converging, finally, in the modernity of electro-acoustic rhythms. Whose meeting in the same program refers to the visionary era of the creative process of 21. For the performance of the dancers in colorful tights defining in detail the physicality of each one of them (Freusa Zechmeister) and in the artisanal setting (Fernando Velloso) with the pictorial plasticity of an Afro-Brazilian naïve painting. In a scenic box, initialized in an obscure ambience between shadows and, suddenly, resplendent between almost psychedelic effects. With these counterpoints, a gestural grammar unfolds to the beat of the energized polyphonic score of numerical measures with percussive prevalence, between strings, woodwinds, instrumental echoes and acoustic effects that accentuate, geometrically, the vigorous body dramaturgy imprinted by Rodrigo Pederneiras on 21. Extended to a continuous uniqueness of aesthetic proposal that brings 21 Piracema closer, in the perfectionist and evolutionary cohesion of hybrid classical technique and rhythms of popular culture, under the strong accent of the swing of a mellexo of hips, in the pulse of fluid and contagious corporeality, anchored in the advances of contemporary Brazilian choreography. Wagner Corrêa de Araújo 21 and Piracema / Grupo Corpo, in an instant season at Teatro Multiplan/Village Mal/Barra da Tijuca, on the 7th, 8th and 9th, at 8 pm; until Sunday, 05/10, at 5 pm.
BALLET DALAL ACHCAR 5 ANOS: RETROSPECTIVA PRIORIZA UMA ESTÉTICA COREOGRÁFICA ENTRE O NEOCLÁSSICO E O CONTEMPORÂNEO
Cia Ballet Dalal Achcar - 5 Anos. Dalal Achcar/Direção Artística/Concepcional. Dalal Achcar/Eric Frederic/Vassili Sulich/Coreografias. Abril/2026. Fotos e Videos/Divulgação-Emanuelle Guigues.
Dalal Achcar é um dos nomes mais simbólicos que vem marcando a história da dança sob formas brasileiras, da segunda metade do século XX ao terceiro milênio, sempre com irreprimível trajetória. Tendo passado por importantes Cias ora como bailarina, coreógrafa ou diretora, além de seu destaque na área didática influindo no incentivo a inúmeras vocações aqui e pós-fronteiras. A mais recente formação da Companhia Ballet Dalal Achcar revela uma nova geração que tem brilhado por sua sólida base técnica mostrando talento e aptidões, tanto nas releituras do repertório de maior proximidade ao clássico como nas criações de linguagem mais contemporânea. Contando além da própria Dalal na direção artística, com um aprimorado staff integrado pela competência de nomes fundamentais ao desenvolvimento de seus projetos, entre outros, da diretora técnica Mariza Estrela e do maitre de Ballet e coreógrafo convidado Eric Frederic, além de um elenco com cerca de vinte bailarinos. Que aparecem numa performance com nove obras de seu repertório, a começar daquelas assinadas especialmente por Dalal Achcar como Don Quixote e Cardinal, onde um dos Concertos para cravo e orquestra de J. S. Bach serve de inspiração a uma composição em que os acordes barrocos dão vazão a uma corporeidade gestual impulsionada por movimentos dançantes com um sotaque de pura brasilidade. No caso da versão do balé Don Quixote em dimensionamento de Suíte, há outra releitura de uma das mais reconhecidas criações de Dalal Achcar, a partir do original de Marius Petipa. Mas que perde cenicamente o impacto de sua referencial montagem completa em 1982, para o Balé do TMRJ, ao tornar-se fragmentária. Embora não deixe de revelar o excelente preparo técnico de um elenco jovem, especialmente de seus solistas Gabriela Sisto e Fernando Mendonça nas passagens do Grand Pas de Deux e suas variações. E é extamente um outro Pas de Deux, através dos bailarinos Luana Gali e Matheus Benevides, que vai ter um alcance de luminosa sensitividade expressiva na convicta entrega passional de seus dois intérpretes Desta vez recorrendo ao celebrado intermezzo do inglês F. Delius – O Caminho para o Jardim do Paraíso, de sua ópera A Village Romeo and Juliet, de 1907, transmutando seus dois protagonistas em rústicos camponeses. Funcionando dramaticamente como um leitmotiv de sotaque wagneriano, com sua melancolizada melodia, retratando um amor impossível. Mas que por intermédio de sua coreografia idílica, foi uma das duas obras que trouxeram uma instantânea fama ao croata Vassili Sulich, ao lado de La Barre, está com largo uso em academias de dança no Brasil para as suas formaturas (caso inclusive, da que leva o nome de Dalal Achcar, e da Escola Maria Olenewa do TMRJ). Sob uma mesma linhagem musical capaz de despertar lembranças sobre o passar do tempo, As Horas, trilha minimalista por Philip Glass para um filme de Stephen Daldry, 2002, de similar titulação, torna-se tema para o coreógrafo Eric Frederic, pensada para três bailarinas (Camila Lino, Gabriela Sisto e Thaís Cabral), como personagens de um romance de Virginia Woolf (The Hours). Tanto a trilha como a sua releitura coreográfica, provocando emoções afetivas e nostálgicas diante de uma projeção cênica abstrata (ideário cenográfico de Marcos Duprat) ampliada nas tonalidades luminares entre sombras, na representação da palavra pela corporeidade fluida das três bailarinas. E é através de outra criação de Eric Frederic – Fuga Technic@ - que de forma carismática se estabelecem pontes energizadas de ressignificação da corporeidade gestual com um olhar armado na contemporaneidade coreográfica, através da vigorosa exibição performática de corpos em conexão de um coesivo núcleo de 19 jovens bailarinos. Ecoando aqui, afinal, a lição de Martha Graham no seu tríptico princípio - respiração, tensão e relaxamento - com a sequencial perspectiva da valoração inventiva de uma dança comunicativa a ser compartilhada entre os bailarinos e todos aqueles que se entregam a este lúdico jogo ...
TRIPLE BILL CARLOS GOMES
Wagner Corrêa de Araújo Cia Ballet Dalal Achcar – 5 Anos estreou na sexta-feira 10/04, seguido do sábado, 11/04, às 20hs; com encerramento às 17hs, domingo, 12/04, com previsão de outras performances.
VERSÃO FINAL CARDINAL - Video
BALLET DALAL ACHCAR 5 YEARS: RETROSPECTIVE PRIORITIZES A CHOREOGRAPHIC AESTHETIC BETWEEN THE NEOCLASSICAL AND THE CONTEMPORARY
Dalal Achcar Ballet Company - 5 Years. Dalal Achcar/Artistic Direction/Conceptional. Dalal Achcar/Eric Frederic/Vassili Sulich/Choreographies. April/2026. Photos and Videos/Publicity-Emanuelle Guigues.
Dalal Achcar is one of the most symbolic names that has marked the history of dance in Brazilian forms, from the second half of the twentieth century to the third millennium, always with an irrepressible trajectory. Having gone through important companies as a dancer, choreographer, or director, in addition to her prominence in the didactic area, influencing the encouragement of numerous vocations here and abroad. The most recent formation of the Dalal Achcar Ballet Company reveals a new generation that has shone for its solid technical base, showing talent and skills, both in the reinterpretations of the repertoire closer to the classical and in the creations of more contemporary language. In addition to Dalal herself in the artistic direction, it has an improved staff integrated by the competence of fundamental names in the development of its projects, among others, the technical director Mariza Estrela and the Ballet maitre d' and guest choreographer Eric Frederic, in addition to a cast of about twenty dancers. Which appear in a performance with nine works from his repertoire, starting with those signed especially by Dalal Achcar such as Don Quixote and Cardinal, where one of J. S. Bach's Concertos for harpsichord and orchestra serves as inspiration for a composition in which baroque chords give vent to a gestural corporeality driven by dancing movements with an accent of pure Brazilianness. In the case of the version of the ballet Don Quixote in Suite dimensioning, there is another reinterpretation of one of Dalal Achcar's most recognized creations, based on the original by Marius Petipa. But it scenically loses the impact of its referential complete staging in 1982, for the TMRJ Ballet, when it becomes fragmentary. Although it does not fail to reveal the excellent technical preparation of a young cast, especially its soloists Gabriela Sisto and Fernando Mendonça in the passages of the Grand Pas de Deux and its variations. And it is exactly another Pas de Deux, through the dancers Luana Gali and Matheus Benevides, that will have a range of luminous expressive sensitivity in the convinced passionate delivery of its two performers. This time resorting to the celebrated intermezzo of the Englishman F. Delius – The Way to the Garden of Paradise, from his opera A Village Romeo and Juliet, from 1907, transmuting its two protagonists into rustic peasants. Functioning dramatically as a leitmotif with a Wagnerian accent, with its melancholic melody, portraying an impossible love. Ballet Dalal Achar As Horas But through its idyllic choreography, it was one of the two works that brought instant fame to the Croatian Vassili Sulich, alongside La Barre, is widely used in dance academies in Brazil for his graduations (including the one named after Dalal Achcar, and the Maria Olenewa School of TMRJ). Under the same musical lineage capable of awakening memories about the passage of time, The Hours, a minimalist score by Philip Glass for a film by Stephen Daldry, 2002, with a similar title, becomes the theme for choreographer Eric Frederic, designed for three dancers (Camila Lino, Gabriela Sisto and Thaís Cabral), as characters in a novel by Virginia Woolf (The Hours). Both the soundtrack and its choreographic reinterpretation, provoking affective and nostalgic emotions in the face of an abstract scenic projection (scenographic ideas by Marcos Duprat) amplified in the luminary tones between shadows, in the representation of the word by the fluid corporeality of the three dancers. And it is through another creation by Eric Frederic – Fuga Technic@ – that in a charismatic way energized bridges of resignification of gestural corporeality are established with an armed look at choreographic contemporaneity, through the vigorous performative display of bodies in connection with a cohesive nucleus of 19 young dancers. Echoing here, after all, Martha Graham's lesson in her triptych principle - breathing, tension, and relaxation - with the sequential perspective of the inventive valuation of a communicative dance to be shared between the dancers and all those who indulge in this playful game ...
Ballet Dalal Achar As Horas
Wagner Corrêa de Araújo Cia Ballet Dalal Achcar – 5 Years premiered on Friday 10/04, followed by Saturday, 11/04, at 20hs; Closing at 5 pm, Sunday, 04/12, with other performances expected.
PARADISE GARDEN - Video
BODAS / FOCUS CIA DE DANÇA : 25 ANOS DE CONVÍVIO COREOGRÁFICO COM A ESTÉTICA DIFERENCIAL DE ALEX NEORAL
Bodas / Focus Cia de Dança. Alex Neoral / Direção Concepcional /Coreográfica. Março/2026. Léo Aversa / Fotos. Marcos Mathias / Videos.
Com um referencial título que, na história da dança, remete a um dos clássicos do século XX, pelos Ballets Russes por Bronislava Nijinska, desta vez as Bodas da Focus Cia de Dança assumem um original enfoque comemorativo do simbólico convívio artístico do coreógrafo Alex Neoral com seu afinado corpo de bailarinos. Nesta proposta retrospectiva, sem o intuito de fazer uma mera colagem de trechos selecionados no entorno de criações que continuam a integrar o repertório da Focus Cia de Dança, o conceitual coreográfico é elaborado como uma releitura destas obras para tornar Bodas um espetáculo inédito. Propiciando para aqueles que tiveram o privilégio, seja como espectadores ou pela análise crítica, de terem visto a maioria destas criações, agora, com Bodas, numa espécie de decifração desta proposta estética a partir da sua reunião fragmentária, priorizando o foco em 16 montagens da Cia. Além da sua parceria com uma habilitada equipe de criação comandada por Tatiana Garcias que, neste quarto de século, tornou-se um nome fundamental acompanhando, inicialmente como bailarina e depois como produtora, todas as fases de desenvolvimento da Focus, desde seu primeiro espetáculo Vértice, no despontar do terceiro milênio. A Cia e seu inventor, diretor e coreógrafo (Alex Neoral) sempre revelando novos direcionamentos na corporeidade psicofísica dos bailarinos em sua transmutação das relações de tempo e espaço, nesta celebração em compasso ritualístico, sob o lance de dados de um jogo coreográfico memorial. Onde a caixa cênica (Natália Lana) é preenchida por plataforma frontal ou superposta como uma cobertura, ora reproduzindo imagens originais da obra inicial, sinalizadora da futura trajetória artística da Focus, ora transmitindo reflexos especulares dos bailarinos em sua atuação no palco, em imersiva plasticidade. Complementada por exponenciais efeitos luminares (Anderson Ratto) e diferenciais figurinos (Maria Osório e Lucas Pereira) com brilhos e tonalidades prateadas sobrepostas, sem perder a identificação de caracteres singulares que remetem às obras coreográficas escolhidas. A trilha sonora, sob o ideário de Alex Neoral, percorre em seus acordes e temas musicais uma circularidade que alcança vários gêneros, indo do barroco à música eletrônica, da MPB ao tango argentino, passando pelo cancioneiro romântico. Esta multiplicidade de facetas impulsionando a expressividade do corpo dançante e estabelecendo afinidades, em níveis variados, com o gosto específico de cada espectador, de Bach a Steve Reich, de Astor Piazzola a Chico Buarque e Ney Matogrosso, incluindo ainda Roberto Carlos. Pela qualitativa e coesiva entrega dos dez bailarinos (Afonso Gondin, Bianca Lopes, Bruno Feliciano, Carolina de Sá, Cosme Gregory, Guilherme Nunes, Olivia Pureza, Paloma Tauffer, Wesley Tavares e Yasmin Mattos) há que se destacar como sua adesão à performance torna-se um elemento essencial, através de quadros fracionados, ao andamento sequencial ininterrupto para um resultado integralizado de uma obra, completa em todos os seus aspectos. Ora rigidamente abstratos, vez por outra narrativos sem cair na linearidade, quando reproduzem citações verbalizadas, entre a literatura de Clarice Lispector e os versos de canções de Chico Buarque e Ney Matogrosso, extensivo a projeções numéricas, enquanto toques sonoros percussivos parecem sugestionar 25 badaladas de um sino ou de um relógio, alusivas às “Bodas" de Prata da Cia. A direção coreográfica-concepcional de Alex Neoral sempre dimensionando os seus desenhos coreográficos pelo vai e vem das entradas e saídas de variadas formações grupais, energizadas entre pausas de silêncio, em artesanal unicidade cronométrica de um tempo gestual destinado à pulsão imediata do próximo instante. Tudo, enfim, ressaltando mais um resultado do processo criador de Alex Neoral frente à Focus Cia de Dança, reinventando sua essencial contribuição coreográfica à dança contemporânea brasileira, e, ainda, repercutindo o oportuno apelo do pensar filosófico de Gaston Bachelard: “Não se encontra o espaço, é sempre necessário construí-lo”... Wagner Corrêa de Araújo Bodas / Focus Cia de Dança apresentou-se em instantânea temporada no Theatro Municipal/RJ, de 05 a 08 de Março.
WEDDING / FOCUS CIA DE DANÇA (Part two) - Video
WEDDING / FOCUS CIA DE DANÇA : 25 YEARS OF CHOREOGRAPHIC COEXISTENCE WITH THE DIFFERENTIAL AESTHETICS OF ALEX NEORAL
Bodas / Focus Cia de Dança. Alex Neoral / Conceptional / Choreographic Direction. March/2026. Léo Aversa / Photos. Marcos Mathias / Videos.
With a referential title that, in the history of dance, refers to one of the classics of the twentieth century, by the Ballets Russes by Bronislava Nijinska, this time the Wedding of Focus Cia de Dança takes on an original commemorative focus of the symbolic artistic coexistence of choreographer Alex Neoral with his finely tuned body of dancers. In this retrospective proposal, without the intention of making a mere collage of selected excerpts from the surroundings of creations that continue to be part of the repertoire of Focus Cia de Dança, the choreographic conceptual is elaborated as a rereading of these works to make Bodas an unprecedented show. Providing for those who had the privilege, either as spectators or through critical analysis, of having seen most of these creations, now, with Bodas, in a kind of decipherment of this aesthetic proposal from its fragmentary meeting, prioritizing the focus on 16 productions of the Cia. In addition to her partnership with a qualified creative team led by Tatiana Garcias who, in this quarter of a century, has become a fundamental name following, initially as a dancer and then as a producer, all phases of development of Focus, since its first show Vértice, at the dawn of the third millennium. The Company and its inventor, director and choreographer (Alex Neoral) always revealing new directions in the psychophysical corporeality of the dancers in their transmutation of the relations of time and space, in this celebration in ritualistic rhythm, under the throw of dice of a memorial choreographic game. Where the scenic box (Natália Lana) is filled with a frontal platform or superimposed as a cover, sometimes reproducing original images of the initial work, signaling Focus' future artistic trajectory, sometimes transmitting specular reflections of the dancers in their performance on stage, in immersive plasticity. Complemented by exponential lighting effects (Anderson Ratto) and differential costumes (Maria Osório and Lucas Pereira) with overlapping silver sparkles and shades, without losing the identification of singular characters that refer to the chosen choreographic works. The soundtrack, under the ideas of Alex Neoral, runs through in its chords and musical themes a circularity that reaches various genres, ranging from baroque to electronic music, from MPB to Argentine tango, passing through the romantic songbook. This multiplicity of facets boosts the expressiveness of the dancing body and establishes affinities, at varying levels, with the specific taste of each spectator, from Bach to Steve Reich, from Astor Piazzola to Chico Buarque and Ney Matogrosso, including Roberto Carlos. Due to the qualitative and cohesive delivery of the ten dancers (Afonso Gondin, Bianca Lopes, Bruno Feliciano, Carolina de Sá, Cosme Gregory, Guilherme Nunes, Olivia Pureza, Paloma Tauffer, Wesley Tavares and Yasmin Mattos) it is worth highlighting how their adherence to the performance becomes an essential element, through fractional frames, to the uninterrupted sequential movement for an integrated result of a work, complete in all its aspects. Sometimes rigidly abstract, sometimes narrative without falling into linearity, when they reproduce verbalized quotations, between the literature of Clarice Lispector and the verses of songs by Chico Buarque and Ney Matogrosso, extended to numerical projections, while percussive sound touches seem to suggest 25 chimes of a bell or a clock, alluding to the Silver "Anniversary" of the Cia. Alex Neoral's choreographic-conceptual direction always dimensioning his choreographic drawings by the coming and going of the entrances and exits of various group formations, energized between pauses of silence, in artisanal chronometric uniqueness of a gestural time destined to the immediate drive of the next instant. Everything, in short, highlighting another result of Alex Neoral's creative process in front of Focus Cia de Dança, reinventing his essential choreographic contribution to Brazilian contemporary dance, and also echoing the timely appeal of Gaston Bachelard's philosophical thinking: "You can't find the space, it's always necessary to build it"... Wagner Corrêa de Araújo Bodas / Focus Cia de Dança performed in an instant season at the Municipal Theater/RJ, from March 5th to 8th.
WEDDING / FOCUS CIA DE DANÇA - Video
PIQUENIQUE, VARIAÇÕES AMOROSAS : MÁRCIA MILHAZES CIA DE DANÇA ABRE A TEMPORADA 2026 COM IRRADIANTE E IMERSIVO POEMA COREOGRÁFICO
Marcia Milhazes Cia de Dança - Piquenique, Variações Amorosas. Marcia Milhazes/Concepção Coreográfica-Direcional. Janeiro/2026. Denise Mendes/Fotos.
Próxima de completar sua terceira década, como uma das mais destacáveis e inventivas companhias da dança contemporânea em moldes brasileiros, a Marcia Milhazes Cia de Dança apresenta o conclusivo segmento titulado Piquenique, Variações Amorosas, de uma diferencial trilogia iniciada por Sempre Seu (2015) e Guarde-me (2017). Sempre sob a direção concepcional de sua idealizadora e coreógrafa Marcia Milhazes, aprimorando seu vocabulário do movimento dimensionado por uma intimista estética de apelo camerístico onde são privilegiadas desbravadoras criações formatadas para solos e duos, ou por vezes, pequenas formações grupais em trio ou quarteto. Por outro lado, conectando-se ao legado da pulsante plasticidade apresentada pela linguagem do barroco brasileiro, sob suas formas pictóricas e esculturais que sugestionam um contínuo desdobramento imagético, ela vem transmutando isto em seu processo de criação coreográfica. O que é ampliado no uso habitual de um acompanhamento musical pelas releituras presenciais de um trio barroco, entre a tradição e a modernidade. Ou por intermédio de uma criteriosa e lúdica colagem de temas melódicos pré-gravados, como na recorrência a registros sonoros antológicos da música popular brasileira, pelo sotaque romântico-melodramático das canções de Orlando Dias e Francisco Alves à brasilidade rítmica de Carmen Miranda ou Pixinguinha. Caso deste espetáculo, fazendo ascender a nostalgia afetiva da sua narrativa dramatúrgica, numa subliminar formatação de teatro coreográfico, no entorno do percurso amoroso de um casal, indo da alegria prazerosa aos descompassos dos relacionamentos humanos, interpretados com absoluta identidade coesiva pelos bailarinos Ana Amélia Vianna e Domenico Salvatore. Enquanto a participação da conceituada artista e irmã Beatriz Milhazes no projeto cenográfico, contribui de forma emblemática para a trajetória de ressignificação visual da corporeidade em movimento. Afinal, é como se aqui a obra encontrasse um referencial no preciso pensar de Kazuo Ohno “Dançar é como desenhar uma linha na tela”. Mas, também, com outro detalhe relevante no capricho dos figurinos desenhados por Márcia Milhazes, ao sobrepor peças da indumentária que vão sendo retiradas em cena pelos intérpretes, desde tules e sedas a tecidos com detalhes cintilantes ou dourados, que incitam as lembranças vividas pelos dois amantes nos memoriais passagens do tempo. Os dois tão afirmativos intérpretes bailarinos - Ana Amélia Viana e Domenico Salvatore - imprimindo aos seus personagens uma expressiva técnica física conectada a uma sincronicidade sensorial de seus embates passionais interiores, capazes de provocar espontâneo reflexo especular palco-plateia, pelo empenho inventivo do direcionamento concepcional e coreográfico assumido por Marcia Milhazes. Que se materializa nas afetivas trocas de texturas gestuais e na circularidade de um corpo-linguagem dialogando com o espaço-tempo, sob a envolvência de efeitos luminares (em dúplice realização, Márcia e Glauce Milhazes). Propiciando matizações ambientais diversificadas nas tonalidades mais neutras das cores originais do painel cenográfico, extensivas à representação performática. Piquenique, Variações Amorosas mostrando, mais uma vez, o pleno domínio da Marcia Milhazes Cia de Dança imersa numa gramática coreográfica que, ao lado de uma acertada precisão do ideário estético assumido por sua mentora artística (Marcia Milhazes), alcança seu complemento integral no contraponto sólido de seus dois convictos intérpretes-bailarinos (Ana Amélia Vianna e Domenico Salvatore). Inteiramente entregues a uma extasiante tradução física-afetiva da circularidade de um inventário amoroso, emoldurado pela magia dos traços pictóricos de Beatriz Milhazes, sob o irreprimível conceitual coreográfico de Marcia Milhazes. O que, com certeza, haverá de trazer novas perspectivas em 2026 para a dança contemporânea daqui e de além-mares... Wagner Corrêa de Araújo Piquenique, Variações Amorosas/ Marcia Milhazes Cia de Dança está em cartaz no Mezanino do Sesc/Copacabana, de quinta a domingo, às 20h30m; até domingo, 18 de janeiro.
Wagner Corrêa de Araújo
Marcia Milhazes Dance Company - Picnic, Love Variations. Trechos 3 minutos - Video
PICNIC, LOVE VARIATIONS: MÁRCIA MILHAZES CIA DE DANÇA OPENS THE 2026 SEASON WITH RADIANT AND IMMERSIVE CHOREOGRAPHIC POEM
Marcia Milhazes Dance Company - Picnic, Love Variations. Marcia Milhazes/Choreographic-Directional Conception. January/2026. Denise Mendes/Photos.
Close to completing its third decade, as one of the most outstanding and inventive contemporary dance companies in Brazilian molds, Marcia Milhazes Cia de Dança presents the conclusive segment entitled Picnic, Loving Variations, from a differential trilogy started by Sempre Seu (2015) and Guarde-me (2017). Always under the conceptual direction of its creator and choreographer Marcia Milhazes, improving its vocabulary of movement dimensioned by an intimate aesthetic of chamber appeal where pioneering creations formatted for solos and duos, or sometimes, small group formations in trio or quartet are privileged. On the other hand, connecting to the legacy of the pulsating plasticity presented by the language of the Brazilian Baroque, under its pictorial and sculptural forms that suggest a continuous imagetic unfolding, she has been transmuting this in her process of choreographic creation. This is amplified in the usual use of a musical accompaniment by the face-to-face reinterpretations of a baroque trio, between tradition and modernity. Or through a judicious and playful collage of pre-recorded melodic themes, as in the recurrence of anthological sound recordings of Brazilian popular music, through the romantic-melodramatic accent of the songs of Orlando Dias and Francisco Alves to the rhythmic Brazilianness of Carmen Miranda or Pixinguinha. This is the case of this show, raising the affective nostalgia of its dramaturgical narrative, in a subliminal choreographic theater format, around the love journey of a couple, ranging from pleasurable joy to the mismatches of human relationships, interpreted with absolute cohesive identity by dancers Ana Amélia Vianna and Domenico Salvatore. While the participation of the renowned artist and sister Beatriz Milhazes in the scenographic project, contributes in an emblematic way to the trajectory of visual resignification of corporeality in movement. After all, it is as if here the work found a reference in Kazuo Ohno's precise thinking "Dancing is like drawing a line on the screen". But, also, with another relevant detail in the whimsy of the costumes designed by Márcia Milhazes, when superimposing pieces of clothing that are being removed on stage by the performers, from tulle and silk to fabrics with shimmering or golden details, which incite the memories lived by the two lovers in the memorials passage of time. The two very affirmative dancer performers - Ana Amélia Viana and Domenico Salvatore - imprinting on their characters an expressive physical technique connected to a sensorial synchronicity of their inner passionate clashes, capable of provoking a spontaneous stage-audience specular reflex, by the inventive commitment of the conceptional and choreographic direction assumed by Marcia Milhazes. Which is materialized in the affective exchanges of gestural textures and in the circularity of a body-language dialoguing with space-time, under the involvement of luminary effects (in double realization, Márcia and Glauce Milhazes). Providing diversified environmental nuances in the most neutral tones of the original colors of the scenographic panel, extended to the performative representation. Picnic, Amorous Variations showing, once again, the full mastery of Marcia Milhazes Cia de Dança immersed in a choreographic grammar that, along with a correct precision of the aesthetic ideals assumed by her artistic mentor (Marcia Milhazes), achieves its full complement in the solid counterpoint of her two convinced performers-dancers (Ana Amélia Vianna and Domenico Salvatore). Entirely given over to an ecstatic physical-affective translation of the circularity of a love inventory, framed by the magic of Beatriz Milhazes' pictorial strokes, under the irrepressible choreographic conceptual of Marcia Milhazes. Which, for sure, will bring new perspectives in 2026 to contemporary dance here and overseas... Wagner Corrêa de Araújo Picnic, Love Variations/ Marcia Milhazes Cia de Dança is on display at the Mezzanine of Sesc/Copacabana, from Thursday to Sunday, at 8:30 pm; until Sunday, January 18.
ÁGUA DE MENINOS / CIA BALLET DALAL ACHCAR : PARTITURA INÉDITA DE TOM JOBIM INSPIRA OS PALCOS COREOGRÁFICOS
Água de Meninos Fantasia Poética em Dois Atos. Dalal Achcar/Éric Frédéric/Concepção Coreográfica/Direcional. Cia Ballet Dalal Achcar. Dezembro/2025. Laura Fragoso/Fotos. Videos credits : Água de Meninos / Ballet Dalal Achcar
Sessenta anos depois, a bailarina e coreógrafa Dalal Achar retoma um original projeto coreográfico com o qual sonhara durante o apogeu da Bossa Nova. Ideário até então esquecido pela passagem do tempo e que fora resultado de um destes memoráveis acasos artísticos do destino - o balé Água de Meninos Fantasia Poética em Dois Atos. Todas estas acontecências naquele emblemático cruzamento de esquina, entre as ruas Montenegro e Prudente de Moraes, no bar Veloso (o futuro Garota de Ipanema) ponto preferencial de encontros entre o músico Tom Jobim e o poeta Vinicius de Morais, numa quase proximidade da casa do compositor e do Estúdio de Dança Dalal Achcar. Para onde, costumeiramente, se dirigiam no pós-horário de funcionamento, por uma deferência especial de Dalal, amiga familiar de longa data de Vinícius, para rascunharem nas teclas do piano, os acordes e as letras de algumas daquelas canções referenciais da dupla e do gênero bossa nova. Dalal que muitas vezes ficava por ali, imersa no encantamento das inspiradas melodias, acabou pedindo a Tom se este não se animaria a escrever uma partitura especial para sua Cia. O que afinal ocorreu, quando entregou aquela tão desejada trilha, sob temas autorais e citações de clássicos da MPB, já pronta incluídos os arranjos orquestrais por Radamés Gnattali. O que, agora, faz Dalal Achcar retomar de forma entusiástica sua criação coreográfica, depois de um interregno de vinte anos, numa parceria valiosa com o também coreógrafo e atual Maître de Ballet de sua Cia e de seu estúdio - Éric Frédéric. Contando com um argumento narrativo do experiente ator, dramaturgo, tradutor e escritor Eduardo Rieche. Reunindo, além de um extenso cast de bailarinos, integrantes oficiais da Cia, e a participação de convidados especiais, uma afinada equipe tecno-artística que confere ao espetáculo uma potencial categoria. A começar do preenchimento da caixa cênica (Marieta Spada) com a plasticidade simbólica de telões frontais que conceitualizam uma tipicidade pictórica ora carioca, ora baiana, a partir da reprodução de telas do artistas Glauco Rodrigues, Israel Pedrosa e Carybé. Ampliada na dúplice apropriação dos figurinos por Dani Vidal e Ney Madeira, indo do sotaque cotidiano em trajes e malhas ao colorido folclórico, em inserções que conectam figuras clássicas da mitologia ao candomblé, como Iemanjá, ressaltadas por expansivos efeitos luminares (Felício Mafra). Completando-se na orquestração original (Radamés Gnattali), sob releitura e regência, e, desta vez, por outro continuador dos atributos musicais da família - Roberto Gnattali, sinalizada por acordes sinfônicos melodiosos, entremeados por energizadas passagens rítmicas, numa rica instrumentação valendo-se de cordas, sopros, teclados e percussões. Na incorporação de personagens fundamentais para o dimensionamento de um teatro coreográfico, a presença de nomes significativos ao universo da dança clássica em moldes brasileiros, entre estes os bailarinos Claudia Mota (Dalal) e Manoel Francisco (Tom Jobim), sem deixar de mencionar aqui a representante de outra geração Irene Orazem, no papel de Madame Makarova. A concepção coreográfica de Dalal Achcar, sintonizada entre a tradição da base acadêmica e a modernidade, destaca-se pelo sotaque neoclássico no entremeio de uma corporeidade dançante plena de autenticidade em seu diálogo com o legado afro-brasileiro, neste formato tornando-se mais proeminente o vocabulário de movimento do segundo ato. A unicidade do corpo cênico dançante, sempre direcionada por uma expressiva gestualidade, destacando-se desde a precisão sensitiva das pontas à entrega performática a uma vigorosa contração da muscularidade nas danças com caracteres populares. Num absoluto favorecimento da representação do peculiar enredo, enriquecido pelo ineditismo de uma trilha exclusiva para balé, nada mais nada menos, do que atribuída a Tom Jobim, Água de Meninos - Fantasia Poética da Cia Dalal Achcar fica a merecer, por sua surpresa qualitativa, outras temporadas, aqui e além-fronteiras... Wagner Corrêa de Araújo Água de Meninos - Fantasia Poética/Cia Ballet Dalal Achcar, em temporada na Cidade das Artes, de quinta a domingo, em horários diversos, até 07/12, com grande expectativa para outras apresentações.
CENA IEMANJÁ@AGUA DE MENINOS - Video
ÁGUA DE MENINOS / CIA BALLET DALAL ACHCAR: UNPUBLISHED SCORE BY TOM JOBIM INSPIRES THE CHOREOGRAPHIC STAGES
Boys' Water Poetic Fantasy in Two Acts. Dalal Achcar/Éric Frédéric/Choreographic/Directional Conception. Dalal Achcar Ballet Company. December/2025. Laura Fragoso/Photos. Videos credits : Água de Meninos / Ballet Dalal Achcar
Sixty years later, dancer and choreographer Dalal Achar resumes an original choreographic project she had dreamed of during the heyday of Bossa Nova. An idea until then forgotten by the passage of time and which was the result of one of these memorable artistic accidents of fate - the ballet Água de Meninos Poetic Fantasy in Two Acts. All these events took place at that emblematic corner intersection, between Montenegro and Prudente de Moraes streets, at the Veloso bar (the future Girl from Ipanema), a preferred meeting point between the musician Tom Jobim and the poet Vinicius de Morais, in an almost close proximity to the composer's house and the Dalal Achcar Dance Studio. Where, usually, they went after opening hours, by a special deference from Dalal, a longtime family friend of Vinícius, to sketch on the piano keys, the chords, and lyrics of some of those referential songs of the duo and the bossa nova genre. Dalal, who often stayed there, immersed in the enchantment of the inspired melodies, ended up asking Tom if he would not dare to write a special score for his company. Which finally happened when he delivered that much-desired soundtrack, under authorial themes and quotations from MPB classics, already ready, including the orchestral arrangements by Radamés Gnattali. Which now makes Dalal Achcar enthusiastically resume his choreographic creation, after a twenty-year interregnum, in a valuable partnership with the choreographer and current Maître de Ballet of his Company and his studio - Éric Frédéric. With a narrative script by the experienced actor, playwright, translator, and writer Eduardo Rieche. Bringing together, in addition to an extensive cast of dancers, official members of the Company, and the participation of special guests, a finely tuned techno-artistic team that gives the show a potential category. Starting with the filling of the scenic box (Marieta Spada) with the symbolic plasticity of front screens that conceptualize a pictorial typicity sometimes carioca, sometimes Bahian, from the reproduction of canvases by the artists Glauco Rodrigues, Israel Pedrosa and Carybé. Expanded in the double appropriation of costumes by Dani Vidal and Ney Madeira, ranging from the everyday accent in costumes and knitwear to folkloric coloring, in insertions that connect classic figures from mythology to candomblé, such as Iemanjá, highlighted by expansive luminary effects (Felício Mafra). Completed in the original orchestration (Radamés Gnattali), under rereading and conducting, and, this time, by another continuator of the family's musical attributes - Roberto Gnattali, signaled by melodious symphonic chords, interspersed with energized rhythmic passages, in a rich instrumentation using strings, woodwinds, keyboards and percussions. In the incorporation of fundamental characters for the dimensioning of a choreographic theater, the presence of significant names in the universe of classical dance in Brazilian molds, among them the dancers Claudia Mota (Dalal) and Manoel Francisco (Tom Jobim), without forgetting to mention here the representative of another generation Irene Orazem, in the role of Madame Makarova. Dalal Achcar's choreographic conception, in tune between the tradition of the academic base and modernity, stands out for its neoclassical accent in the midst of a dancing corporeality full of authenticity in its dialogue with the Afro-Brazilian legacy, in this format making the vocabulary of movement of the second act more prominent. The uniqueness of the dancing scenic body, always directed by an expressive gesture, standing out from the sensitive precision of the points to the performative delivery to a vigorous contraction of muscularity in dances with popular characters. In an absolute favor of the representation of the peculiar plot, enriched by the novelty of an exclusive soundtrack for ballet, nothing less than attributed to Tom Jobim, Água de Meninos - Fantasia Poética by Cia Dalal Achcar deserves, for its qualitative surprise, other seasons, here and abroad... Wagner Corrêa de Araújo Água de Meninos - Poetic Fantasy/Cia Ballet Dalal Achcar, in season at Cidade das Artes, from Thursday to Sunday, at different times, until 12/07, with great expectation for other presentations.
CENA GAROTA DE IPANEMA@AGUA DE MENINOS - Video
FRIDA / BALLET DO THEATRO MUNICIPAL/RJ : CONTUNDENTE CRIATIVIDADE PREENCHE O PALCO COM INTROSPECTIVA PINTURA COREOGRÁFICA
Frida/Ballet do Theatro Municipal/RJ. Reginaldo Oliveira/Concepção Coreográfica. Outubro/2025. Daniel Ebendinger/Fotos, Daniel A Rodrigues/Videos.
"Não pinto sonhos, pinto a minha realidade” - assim se autodefinia a pintora mexicana Frida Kahlo cuja trajetória artística-existencial a tornou um símbolo de resistência feminina, desde as dores físicas que marcaram sua corporeidade, à sua linguagem plástica/estética plena de modernidade ao evocar, em suas criações, a tradição popular indigenista. Fazendo sua tragédia pessoal se estender a um casamento desejado com o muralista Diego de Rivera, interrompido e, simultaneamente, retomado, vendo de perto a sua infidelidade ao ter filhos com a própria irmã, enquanto ela, impossibilitada por suas moléstias, nunca poderia concebê-los, apesar de tentar mesmo sofrendo abortos sequenciais. Sublimando seus desalentos através de assumidas convicções marxistas compartilhadas com seu consorte matrimonial ou, então, desafiando o conservadorismo moral e social da época por atitudes comportamentais que a tornaram um símbolo precursor do vir a ser feminino e do movimento emancipatório preconizado pelo LGBTQIA+. Frida - Reginaldo Oliveira/Choreographic Conception. - Video E é, assim, como o ideário do coreógrafo Reginaldo Oliveira, um destes destacados talentos brasileiros no universo da dança além fronteiras, na ressignificação da vida e da obra da artista, por um convicto reflexo especular, através da expressiva proposta estética de seu balé Frida, se identifica pela simbologia de paralelas vocações artísticas, na conexão da dança com a pintura, talvez, quem sabe, para assumir as palavras dela - “Sou o assunto que conheço melhor. Depois de uma celebrada estreia, no início de 2025, pelo Salzburger Landestheater, na cidade austríaca de Mozart, onde ele exerce o ofício de coreógrafo, como se confirmasse pela auto definição de Frida, a sua própria e personalista carreira, desde os anos em que, ainda na Comunidade da Maré, sonhava com a dança como razão futura de ser e de existir. O que demonstra Reginaldo Oliveira, com extrema fidelidade à sua conceituada proposta original para o mundo de Frida, trazida agora diretamente de Salzburg ao Ballet do Theatro Municipal/RJ num reencontro afetivo com esta Cia, na qual já atuara como bailarino. Incentivado, então, por Jorge Texeira, agora por um destes felizes acasos do destino, o atual coreógrafo e supervisor artístico junto ao Diretor Geral Hélio Bejani. Retomando a inicial configuração cênica (Mathias Konfruss) à base de painéis que sugestionam, metaforicamente, telas de pintura, vistas pela frente e por trás, com suas armações de madeira. Enquanto as aquareladas cores e peculiares acessórios artesanais, com referenciais ao indigenismo na arte popular mexicana, completam um diferencial figurino (Judith Adam). Onde prevalecem imagens que, de imediato, estabelecem uma poética paisagem cênica, inspirada em subliminares sotaques dos 55 autoretratos, o grande legado estético da obra pictórica de Frida Kahlo. Num dimensionamento coreográfico imprimido por Reginaldo Oliveira que reflete ao mesmo tempo, os dramas psicofísicos da artista, materializando seu processo criador no uso da corporeidade dos bailarinos, com um surpreendente resultado, tanto nos solos e duos, como nas prevalentes atuações grupais. Sob uma acertada trilha sonora baseada em conhecidas canções mexicanas, conferindo maior autenticidade ao enredo do balé. Destacando-se, especialmente, no primeiro elenco, a carismática atuação de Márcia Jaqueline no protagonismo titular como Frida, sabendo insuflar uma cativante dimensão artística ao seu personagem, com absoluto perfeccionismo técnico conectado a um irradiante expressionismo gestual. Repercutindo em sua atuação o mais dramático grito de Frida : “Meu corpo carrega em si todas as dores do mundo”. No alcance de sua gramática cênica transmissora de sensorial revelação, como a de uma pintura ao vivo e a cores, sinalizada por energizadas texturas de movimento, em performance exemplar do Ballet do Theatro Municipal. Capaz de lembrar um oportuno conceitual de Kazuo Ohno -“Dançar é como desenhar uma linha na tela”. Ou, ainda, a própria Frida Kahlo como um corpo-linguagem em movimento, através de cada pincelada, encontrando uma fuga do seu permanente abismo existencial. E por emblemática justificativa de seu destino, sintetizando o difícil suporte da condição humana: “Pés para que os quero, se tenho asas para voar”... Wagner Corrêa de Araújo Frida/ BTM /RJ, em curta temporada no Municipal, estreou no último sábado, 25 de outubro, ficando em cartaz, até a próxima sexta-feira, dia 31/10, sempre às 19h, com elencos alternativos nos principais papéis.
Frida - Reginaldo Oliveira/Choreographic Conception. - Video
Frida - RJ. Reginaldo Oliveira/Choreographic Conception. - Video
FRIDA / BALLET DO THEATRO MUNICIPAL/RJ: FORCEFUL CREATIVITY FILLS THE STAGE WITH INTROSPECTIVE CHOREOGRAPHIC PAINTING
Frida/Ballet of the Municipal Theater/RJ. Reginaldo Oliveira/Choreographic Conception. October/2025. Daniel Ebendinger/Photos, Daniel A Rodrigues/Videos.
"I don't paint dreams, I paint my reality" - this is how the Mexican painter Frida Kahlo defined herself, whose artistic-existential trajectory made her a symbol of female resistance, from the physical pain that marked her corporeality, to her plastic/aesthetic language full of modernity by evoking, in her creations, the popular indigenist tradition. Making her personal tragedy extend to a desired marriage with the muralist Diego de Rivera, interrupted and, simultaneously, resumed, seeing up close his infidelity when having children with her own sister, while she, unable by her illnesses, could never conceive them, despite trying even suffering sequential miscarriages. Sublimating her discouragements through assumed Marxist convictions shared with her marital consort or then, challenging the moral and social conservatism of the time through behavioural attitudes that made her a precursor symbol of becoming feminine and the emancipatory movement advocated by LGBTQIA+. And it is, thus, how the ideas of choreographer Reginaldo Oliveira, one of the outstanding Brazilian talents in the universe of dance across borders, in the resignification of the artist's life and work, by a convinced specular reflex, through the expressive aesthetic proposal of his ballet Frida, is identified by the symbology of parallel artistic vocations, in the connection between dance and painting, perhaps, perhaps, to take up her words - "I am the subject I know best. After a celebrated premiere, in early 2025, at the Salzburger Landestheater, in Mozart's Austrian city, where he works as a choreographer, as if confirmed by Frida's self-definition, his own personalistic career, since the years when, still in the Maré Community, he dreamed of dance as a future reason for being and existing. This is demonstrated by Reginaldo Oliveira, with extreme fidelity to his renowned original proposal for the world of Frida, now brought directly from Salzburg to the Ballet of the Municipal Theater/RJ in an affective reunion with this Company, in which he had already acted as a dancer. Encouraged, then, by Jorge Texeira, now by one of these happy accidents of fate, the current choreographer and artistic supervisor together with the General Director Hélio Bejani. Resuming the initial scenic configuration (Mathias Konfruss) based on panels that metaphorically suggest painting canvases, seen from the front and back, with their wooden frames. While the watercolor colors and peculiar handmade accessories, with references to indigenism in Mexican popular art, complete a costume differential (Judith Adam). Where images prevail that immediately establish a poetic scenic landscape, inspired by subliminal accents of the fifty-five self-portraits, the great aesthetic legacy of Frida Kahlo's pictorial work. In a choreographic dimensioning imprinted by Reginaldo Oliveira that reflects, at the same time, the artist's psychophysical dramas, materializing her creative process in the use of the dancers' corporeality, with a surprising result, both in solos and duos, as well as in the prevalent group performances. Under a successful soundtrack based on well-known Mexican songs, giving greater authenticity to the plot of the ballet. Standing out, especially, in the first cast, the charismatic performance of Márcia Jaqueline in the titular role as Frida, knowing how to breathe a captivating artistic dimension to her character, with absolute technical perfectionism connected to a radiant gestural expressionism. Echoing in her performance Frida's most dramatic cry: "My body carries in itself all the pains of the world". In the reach of his scenic grammar that transmits sensorial revelation, like that of a live and colour painting, signalled by energized textures of movement, in an exemplary performance by the Ballet of the Municipal Theater. Capable of recalling a timely conceptual by Kazuo Ohno - "Dancing is like drawing a line on the screen". Or, still, Frida Kahlo herself as a body-language in movement, through each brushstroke, finding an escape from her permanent existential abyss. And for an emblematic justification of his destiny, synthesizing the difficult support of the human condition: "Feet for what I want, if I have wings to fly"... Wagner Corrêa de Araújo Frida/ BTM / RJ, in a short season at the Municipal, premiered last Saturday, October 25, being on display until next Friday, 10/31, always at 7 pm, with alternative casts in the main roles.
ESTHER WEITZMAN CIA DE DANÇA / MATÉRIA : IMERSIVA PROPOSTA COREOGRÁFICA INSPIRADA NOS MOVIMENTOS CÓSMICOS
Esther Weitzman Companhia de Dança / Matéria. Esther Weitzman /Direção Coreográfica/Concepcional. Outubro/2025. Renato Mangolin/Fotos.
A partir de seu natural fascínio pelas leis da física que imprimem a conexão do permanente ritmo do universo cósmico ao reflexo especular do movimento humano, a coreógrafa nominal e diretora titular da Esther Weitzman Companhia de Dança apresenta a sua mais recente criação - Matéria. Junto à participação criativa de seus coreógrafos/bailarinos, remetendo aos princípios enunciadores da física ao trazer a referência de um dos mais respeitados físicos da atualidade – o brasileiro Marcelo Gleiser, através de seu livro A Dança do Universo. Descrevendo, sob o ir e vir das partículas atmosféricas, o eterno frenesi das mutações da Matéria em compasso de uma dança dos corpos celestes entre a sua criação e sua destruição, num irrestrito ciclo de renovação e de substituição. O que, além de registrar neste propósito, os 25 anos de atuação da Cia de Esther Weitzman no panorama da dança contemporânea carioca e brasileira, promove o encontro em cena de seu cast de bailarinos criadores - Bia Peixoto, Edney D’Conti, Fagner Santos, Milena Codeço, Rodrigo Gondim e Pedro Quaresma, este último em atuação alternativa, contando, também, com a valiosa colaboração artística de Alexandre Bhering. Preenchendo a caixa cênica, em proposta minimalista, sem quaisquer elementos materiais, os bailarinos usam indumentárias (Manuela Weitzman) à base de malhas, collants, saias, em tons neutros ressaltados sob precisas variações luminares (Sara Fagundes). Ora vazadas ora focais, com prevalência de sombras entre cores, propiciando uma bela plasticidade espectral à corporeidade dançante. Extensiva à correspondência do alcance de funcionalidade absoluta na sua dúplice releitura musical (Gabriel Salsi e João Mello) sobre um tema original da compositora norte-irlandesa da nova geração Hannah Peel – Neon 1:Shinjuku. Obra sinalizada por seu compasso energizado em percussiva fusão de acordes eletroacústicos, teclados, cordas, sintetizadores, num andamento em moto perpétuo, repercutindo ali um eco sensorial ininterrupto que parece vir dos espaços siderais. Transmitindo-se como ondas à expressiva dramaturgia corporal dos cinco bailarinos, na fluidez dos movimentos apresentados sob pulsante coesão gestual, alternada entre formatações grupais ou em instantâneos solos. Numa gramática da dança que une o ideário coreográfico de Esther Weitzman à contribuição personalista dos bailarinos-criadores. Expandindo-se a representação desta obra, titulada bem a propósito como Matéria, na proporção de um desenvolvimento contínuo, capaz de revelar sempre uma espontaneidade contagiante. Tornando imediata, através deste potencial gestualidade física, uma subliminar identificação emocional bailarinos/espectadores. Esta sua busca investigativa no processo de criação acaba por conduzir a um encerramento, com traços de sotaque apoteótico, provocado pela iluminação ao sugestionar projeções estelares, como se seus intérpretes estivem imersos numa performance temporal-espacial, integrando a condição humana a uma dança cósmica. Cada vez mais abordada por celebradas cias contemporâneas de dança, incluídas recentes experimentações estético-coreográficas pelos bailarinos da Nederlands Dans Theater no Observatório de Leiden, Países Baixos. E, agora, numa iniciativa oportuna e inédita pela Esther Weitzman Companhia de Dança. E que merece, sobretudo, ser identificada com uma reflexiva definição sobre o que isto significa em relação à acertada escolha do título Matéria para esta performance, ao estabelecer um liame entre a ciência da Física e a arte da dança. No questionamento comparativo da matéria constitutiva do movimento humano, direcionado pelas leis da natureza, com o deslocamento cósmico dos corpos celestes, sob os princípios da Física, cabendo certamente, aqui, neste confronto crítico, uma simbólica conceituação do bailarino e coreógrafo americano Ted Shawn : “A dança é a única arte da qual nós mesmos somos a matéria-prima da qual é feita” ... Wagner Corrêa de Araújo Matéria/Esther Weitzman Companhia de Dança, depois da temporada no Mezanino/Sesc/Copacabana, entra em cartaz no Teatro Cacilda Becker/Catete, a partir do dia 24/10; na sexta às 19h30; sábado e domingo, às 18h, até o dia 02/11
CORTES PARA O SITE - Video
ESTHER WEITZMAN CIA DE DANÇA / MATERIA: IMMERSIVE CHOREOGRAPHIC PROPOSAL INSPIRED BY COSMIC MOVEMENTS
Esther Weitzman Dance Company / Matter. Esther Weitzman / Choreographic / Conceptual Direction. October/2025. Renato Mangolin/Photos.
From her natural fascination with the laws of physics that imprint the connection of the permanent rhythm of the cosmic universe to the specular reflection of human movement, the nominal choreographer and principal director of the Esther Weitzman Dance Company presents her most recent creation - Matter. Together with the creative participation of its choreographers/dancers, referring to the enunciating principles of physics by bringing the reference of one of the most respected physicists of today – the Brazilian Marcelo Gleiser, through his book The Dance of the Universe. Describing, under the coming and going of atmospheric particles, the eternal frenzy of mutations of Matter in rhythm with a dance of celestial bodies between their creation and their destruction, in an unrestricted cycle of renewal and replacement. Which, in addition to registering in this purpose, the 25 years of performance of Esther Weitzman's Company in the panorama of contemporary dance in Rio de Janeiro and Brazil, promotes the meeting on stage of its cast of creative dancers - Bia Peixoto, Edney D'Conti, Fagner Santos, Milena Codeço, Rodrigo Gondim and Pedro Quaresma, the latter in alternative performance, also counting, with the valuable artistic collaboration of Alexandre Bhering. Filling the scenic box, in a minimalist proposal, without any material elements, the dancers wear costumes (Manuela Weitzman) based on knitwear, tights, skirts, in neutral tones highlighted under precise luminary variations (Sara Fagundes). Sometimes hollowed, sometimes focal, with a prevalence of shadows between colors, providing a beautiful spectral plasticity to the dancing corporeality. Extended to the correspondence of the reach of absolute functionality in its double musical reinterpretation (Gabriel Salsi and João Mello) on an original theme by the Northern Irish composer of the new generation Hannah Peel – Neon 1: Shinjuku. A work marked by its tempo energized in a percussive fusion of electroacoustic chords, keyboards, strings, synthesizers, in a perpetual motion movement, echoing there an uninterrupted sensorial echo that seems to come from sidereal spaces. Transmitting like waves to the expressive body dramaturgy of the five dancers, in the fluidity of the movements presented under pulsating gestural cohesion, alternating between group formats or in solo snapshots. In a grammar of dance that unites Esther Weitzman's choreographic ideas with the personalist contribution of dancers-creators. Expanding the representation of this work, appropriately titled as Matter, in proportion to a continuous development, capable of always revealing a contagious spontaneity. Making immediate, through this potential physical gesture, a subliminal emotional identification between dancers/spectators. This investigative search in the process of creation ends up leading to a closure, with traces of an apotheotic accent, provoked by the lighting by suggesting stellar projections, as if its performers were immersed in a temporal-spatial performance, integrating the human condition into a cosmic dance. Increasingly approached by celebrated contemporary dance companies, including recent aesthetic-choreographic experiments by the dancers of the Nederlands Dans Theater at the Leiden Observatory, the Netherlands. And now, in a timely and unprecedented initiative by the Esther Weitzman Dance Company. And that deserves, above all, to be identified with a reflective definition of what this means in relation to the correct choice of the title Matter for this performance, by establishing a link between the science of Physics and the art of dance. In the comparative questioning of the constitutive matter of human movement, directed by the laws of nature, with the cosmic displacement of celestial bodies, under the principles of Physics, it is certainly appropriate here, in this critical confrontation, a symbolic conceptualization of the American dancer and choreographer Ted Shawn: "Dance is the only art of which we ourselves are the raw material of which it is made"... Wagner Corrêa de Araújo Matéria/Esther Weitzman Companhia de Dança, after the season at the Mezzanine/Sesc/Copacabana, will be on display at the Cacilda Becker Theater/Catete, from 10/24; on Friday at 7:30 pm; Saturday and Sunday, at 6 pm, until 11/02
PIRACEMA / GRUPO CORPO : CRIATIVIDADE ORIGINAL CONECTADA À PERSPECTIVA DE NOVAS TRAJETÓRIAS COREOGRÁFICAS
Grupo Corpo / Piracema. Rodrigo Pederneiras e Cassi Abranches / Concepção Coreográfica. Setembro/2025. José Luiz Pederneiras/ Fotos.
Sempre sob o signo de um olhar armado na contemporaneidade, ecoando a lição poética do mineiro Murilo Mendes, o Grupo Corpo tornou-se, sem dúvida alguma, o mais absoluto exemplar de resistência artística no universo da arte coreográfica nas Minas Gerais, onde ocupa esta privilegiada posição há cerca de meio século. Mas seu simbolismo vai além dos “belos horizontes” das Gerais, desde que se tornou um dos mais emblemáticos grupos de dança do Brasil numa perspectiva de reconhecimento permanente, a partir do acertado ideário inicial de chamar Milton Nascimento para compor a trilha de Maria Maria, no final dos anos setenta. Marcado sempre, não só pela autenticidade desbravadora de propostas do coreógrafo Rodrigo Pederneiras, sinalizadas por seu empenho pela brasilidade no entorno de surpreendente lavra autoral, acompanhado no seu élan criador pelo correspondente e convicto apelo cênico-direcional imprimido por Paulo Pederneiras. Isto tudo se refletindo, também, na continuidade destes processos criativos através da preservação de parcerias fundamentais com outros artistas, num circuito coletivo de continuidade que vem marcando a trajetória estética e histórica da Cia mineira. Levando, nesta pulsão artística evolutiva ao preciso chamamento, agora, de Cassi Abranches como coreógrafa residente. Uma ex-integrante do Grupo Corpo que simboliza na passagem cinquentenária, a transmutação deste processo evolutivo pela busca de um futuro dimensionamento sucessório. Onde, pós uma sólida carreira coreográfica independente em cias importantes, podendo aplicar, ali, nesta volta às origens, seu já amadurecido legado estético. E para isto o espetáculo comemorativo estabelece um liame entre o passado, o presente e o futuro, ao colocar lado a lado, uma das clássicas obras da Cia - Parabelo, de 1997, e a inédita Piracema. A primeira como uma exclusiva composição coreográfica de Rodrigo Pederneiras, seguida da outra numa simultânea leitura deste com Cassi Abranches. Sob um conceitual estético de permanente transformação pela abertura de novos caminhos coreográficos, a dúplice estruturação criativa de Piracema remete ao significativo sentido vocabular tupi-guarani de Pira (peixe) e cema (subida) no desafio do ir contra a correnteza dos rios para a desova e consequente continuidade da espécie. A trilha musical de uma experiente Clarice Assad, direcionada pelo propósito de completa reinvenção numa suíte em três módulos básicos. No seu sugestionar, repercutido especularmente na força da concepção coreográfica, desde um tribalismo indígena percussionista paralelo às sonoridades da natureza, passando por expressivos acordes camerísticos mais universalistas confluindo, enfim, na modernidade de ritmos eletroacústicos. Outra vez juntos, nos psicodélicos efeitos luminares (Paulo e Gabriel Pederneiras) na extasiante imagética de uma caixa cênica (Paulo Pederneiras) preenchida por um painel frontal com mais de 80 mil tampas de sardinhas. Transmutando-se, metaforicamente, no sentido ecológico e industrial de um futuro distópico, do material cenográfico às luminosas texturas de um figurino (Susana Bastos e Marcelo Alvarenga) entre duas épocas. O coesivo encontro de duas linguagens coreográficas em Piracema possibilitando uma dramaturgia corporal de movimentos híbridos, entre as energizadas contrações da fisicalidade no início e no final da obra, entremeadas pela suavidade romantizada de gestualidades que se fundem imersivamente. O absoluto acerto na idealização desta dúplice gramática cênica-coreográfica (Rodrigo Pederneiras e Cassi Abranches) encontrando qualitativo resultado entre os mais de vinte bailarinos numa completa equivalência da representação física/artística de cada um deles. Em tempos controvertidos enquanto se confunde o verdadeiro significado terminológico do nacionalismo pátrio, nada como desafiar este equivocado conceitual repetindo com Luiz Fernando Veríssimo : “Toda vez que vejo o Grupo Corpo, fico patriota”... Wagner Corrêa de Araújo O Grupo Corpo encerrou a turnê de Celebração do seu Cinquentenário, em curta temporada, no palco do Theatro Municipal/RJ, entre os dias 18 e 21 de setembro.
<TRECHO PIRACEMA FECHADOS 1 - Video/em>
SPAWNING / GRUPO CORPO: ORIGINAL CREATIVITY CONNECTED TO THE PERSPECTIVE OF NEW CHOREOGRAPHIC TRAJECTORIES
Grupo Corpo / Piracema. Rodrigo Pederneiras and Cassi Abranches / Choreographic Conception. September/2025. José Luiz Pederneiras/ Photos.
Always under the sign of an armed gaze in contemporaneity, echoing the poetic lesson of Murilo Mendes, from Minas Gerais, Grupo Corpo has become, without a doubt, the most absolute example of artistic resistance in the universe of choreographic art in Minas Gerais, where it has occupied this privileged position for about half a century. But its symbolism goes beyond the "beautiful horizons" of the Gerais, since it became one of the most emblematic dance groups in Brazil in a perspective of permanent recognition, from the right initial idea of calling Milton Nascimento to compose the soundtrack of Maria Maria, in the late seventies. Always marked, not only by the pioneering authenticity of choreographer Rodrigo Pederneiras' proposals, signaled by his commitment to Brazilianness in the surroundings of surprising authorial work, accompanied in his creative élan by the corresponding and convinced scenic-directional appeal imprinted by Paulo Pederneiras. All this is also reflected in the continuity of these creative processes through the preservation of fundamental partnerships with other artists, in a collective circuit of continuity that has been marking the aesthetic and historical trajectory of the Cia Mineira. Leading, in this evolutionary artistic drive, to the precise calling, now, of Cassi Abranches as resident choreographer. A former member of Grupo Corpo who symbolizes in the fiftieth anniversary, the transmutation of this evolutionary process by the search for a future succession dimension. Where, he had a solid independent choreographic career in important companies, being able to apply, there, in this return to the origins, his already mature aesthetic legacy. And for this, the commemorative show establishes a link between the past, the present and the future, by placing side by side, one of the classic works of Cia - Parabelo, from 1997, and the unpublished Piracema. The first as an exclusive choreographic composition by Rodrigo Pederneiras, followed by the other in a simultaneous reading of the latter with Cassi Abranches. Under an aesthetic concept of permanent transformation by the opening of new choreographic paths, the twofold creative structuring of Piracema refers to the significant Tupi-Guarani vocabulary meaning of Pira (fish) and cema (ascent) in the challenge of going against the current of the rivers for the spawning and consequent continuity of the species. The musical score by an experienced Clarice Assad, directed by the purpose of complete reinvention in a suite in three basic modules. In his suggestion, specularly reflected in the strength of the choreographic conception, from an indigenous percussionist tribalism parallel to the sonorities of nature, through expressive more universalist chamber chords converging, finally, in the modernity of electroacoustic rhythms. Together again, in the psychedelic luminary effects (Paulo and Gabriel Pederneiras) in the ecstatic imagery of a scenic box (Paulo Pederneiras) filled with a front panel with more than 80 thousand sardine lids. Metaphorically transmuting itself in the ecological and industrial sense of a dystopian future, from the scenographic material to the luminous textures of a costume (Susana Bastos and Marcelo Alvarenga) between two eras. The cohesive meeting of two choreographic languages in Piracema enables a body dramaturgy of hybrid movements, between the energized contractions of physicality at the beginning and end of the work, interspersed with the romanticized softness of gestures that merge immersively. The absolute success in the idealization of this double scenic-choreographic grammar (Rodrigo Pederneiras and Cassi Abranches) finding qualitative results among the more than twenty dancers in a complete equivalence of the physical/artistic representation of each one of them. In controversial times, while the true terminological meaning of national nationalism is confused, there is nothing like challenging this conceptual mistake by repeating with Luiz Fernando Veríssimo: "Every time I see Grupo Corpo, I become a patriot"... Wagner Corrêa de Araújo Grupo Corpo ended the tour to celebrate its fiftieth anniversary, in a short season, on the stage of the Municipal Theater/RJ, between September 18th and 21st.
PIRACEMA TRECHO GERAL - Videoem>
NOUVEAU MONDE/CIA HÍBRIDA : IMERSIVO SALTO COREOGRÁFICO EXPERIMENTAL NUM FUTURO DISTÓPICO
Piracema Trecho Geral - Videox;">Análise:Wagner Corrêa de Araújo (Crítico de Dança)
Como a criação coreográfica reagirá diante do desafio de um futuro distópico onde os avanços tecnológicos convivem com pespectivas sombrias como a devastação ambiental ou a desumanização do corpo sob o domínio do homem robotizado? Este questionamento nos remete ao século XX quando o universo da dança moderna começou, através de uma inciativa pioneira de Merce Cunnnigham, a integração de efeitos cinéticos e de video em suas coreografias. Uma tendência que se acentuaria com os recursos digitais da era dos computadores e da internet. Que por sua vez gerou o encontro estético de duas linguagens com o movimento da video-dança que não ficou apenas no registro definitivo das imagens e das câmeras, mas se estendeu aos palcos coreográficos em cias que se tornaram conhecidas priorizando este gênero. Embora todos estes experimentos procurassem preservar a dança pela dança não deixando que a expressão da corporeidade ficasse submissa ou fosse simplesmente abstraída pelo contexto tecnológico tornando frio, mecanizado e robótico o movimento gestual. Além de tudo isto, em pulsão crescente, vem aumentando em escala mundial os recessos políticos, morais e ideológicos radicais, contrapondo-se às identidades de raça, de sexualidade e da livre expressão individual, num iminente risco de regimes totalitários. E foi pensando no que pode transmutar-se, contraditoriamente, num futuro assustador que a Companhia Híbrida dando continuidade a um projeto coreográfico realizado entre o Brasil e a França, com patrocínios dos dois países, é que surgiu a obra, simbolicamente titulada como Nouveau Monde. O coreógrafo e diretor da Cia Renato Cruz já é conhecido do público e da crítica francesa com vários espetáculos apresentados lá, o mais recente deles Novo Fluxo no inicio de 2025, incluindo também a obra Dança Frágil, em vários espaços parisienses, entre estes o Le Carreau du Temple em coprodução de Nouveau Monde. Desta vez, utilizando-se, aqui, de um espaço cênico arena onde seu grupo de 7 bailarinos (Fábio Max, Jefte Francisco, Josh Antônio, Maju Freitas, Rayan Sarmento, Tamara Catarino, Yuri Tiger), originários de comunidades cariocas passam a representar bem a proposta identitária racial, na assumida espontaneidade gestual como legado de sua especialização nas danças urbanas. Havendo que se ressaltar que esta obra inédita traz um inédito dimensionamento da corporeidade de cada um deles, isolados em círculos delimitados por traços e efeitos luminares focais, entre sombras e luzes (Renato Machado) e indumentárias (Karla de Luca) com um sutil sotaque atemporal. Onde um facho de luzes led coloridas remete, subliminarmente, a uma ambiência metafórica preenchida por sonoridades eletroacústicas (Gabriel Amorim / Lucas Marcier). O que amplia o efeito sensorial de corpos imobilizados liberando, lentamente, um gestual fragmentado, entre braços, pernas, ombros e mãos, paralelo à representação de um movimento facial de ansiedade e sufocação. Até o inesperado surgimento de um cachorro-robô, num referencial a figurações de seres futuristas próprios de um universo de ficção científica, mobilizado por programação computadorizada, contornando o espaço cênico sob quatro patas mecânicas, alternando-se de pé diante da surpresa e de certo espanto dos espectadores. Diante deste original ideário temático e coreográfico de Renato Cruz, para sua admirável Companhia Híbrida, fica a pergunta - será que a dança poderá interagir, mantendo intacto seu livre processo de criação, numa dominante realidade virtual? Ou indo mais longe, num conceitual de previsibilidade, poderemos crer na reversão deste Nouveau Monde, como Le Meilleur des Mondes (citando a obra de Aldous Huxley)? Ou tudo não passa de uma utopia e, neste futuro distópico, a corporeidade humana gestual será assumida, definitivamente, por dançarinos robôs ... Wagner Corrêa de Araújo Nouveau Monde/Companhia Híbrida encerrou, neste final de semana, sua curta temporada no Sesc/Arena/Copacabana, com a expectativa de que volte ao cartaz.
Nouveau Monde - Video
NOUVEAU MONDE/CIA HÍBRIDA: IMMERSIVE EXPERIMENTAL CHOREOGRAPHIC LEAP INTO A DYSTOPIAN FUTURE
How will choreographic creation react to the challenge of a dystopian future where technological advances coexist with gloomy prospects such as environmental devastation or the dehumanization of the body under the domination of robotic man? This question takes us back to the twentieth century when the universe of modern dance began, through a pioneering initiative by Merce Cunnnigham, the integration of kinetic and video effects in his choreographies. A trend that would be accentuated with the digital resources of the computer and internet era. Which, in turn, generated the aesthetic encounter of two languages with the video-dance movement that was not only in the definitive record of images and cameras, but extended to the choreographic stages in cities that became known prioritizing this genre. Although all these experiments sought to preserve dance for dance's sake, not letting the expression of corporeality remain submissive or simply be abstracted by the technological context, making gestural movement cold, mechanized, and robotic. In addition to all this, in a growing drive, radical political, moral, and ideological recesses have been increasing on a global scale, opposing the identities of race, sexuality and individual free expression, in an imminent risk of totalitarian regimes. And it was thinking about what can be transmuted, contradictorily, in a frightening future that Companhia Híbrida continuing a choreographic project carried out between Brazil and France, with sponsorships from both countries, is that the work emerged, symbolically titled as Nouveau Monde. The choreographer and director of Cia Renato Cruz is already known to the public and French critics with several shows presented there, the most recent of which is Novo Fluxo in early 2025, also including the work Fragile Dance, in several Parisian spaces, including Le Carreau du Temple in co-production of Nouveau Monde. This time, using, here, a scenic arena space where his group of 7 dancers (Fábio Max, Jefte Francisco, Josh Antônio, Maju Freitas, Rayan Sarmento, Tamara Catarino, Yuri Tiger), originating from Rio de Janeiro communities, start to represent well the racial identity proposal, in the assumed gestural spontaneity as a legacy of his specialization in urban dances. It should be noted that this unpublished work brings an unprecedented dimension of the corporeality of each of them, isolated in circles delimited by focal luminary strokes and effects, between shadows and lights (Renato Machado) and clothing (Karla de Luca) with a subtle timeless accent. Where a beam of colored led lights refers, subliminally, to a metaphorical ambience filled with electroacoustic sonorities (Gabriel Amorim / Lucas Marcier). This amplifies the sensorial effect of immobilized bodies, slowly releasing a fragmented gesture, between arms, legs, shoulders, and hands, parallel to the representation of a facial movement of anxiety and suffocation. Until the unexpected appearance of a robot dog, in a reference to figurations of futuristic beings typical of a science fiction universe, mobilized by computer programming, skirting the scenic space on four mechanical legs, alternating standing before the surprise and a certain astonishment of the spectators. In view of this original thematic and choreographic ideology by Renato Cruz, for his admirable Hybrid Company, the question remains - will dance be able to interact, keeping intact its free process of creation, in a dominant virtual reality? Or going further, in a conceptual concept of predictability, can we believe in the reversal of this Nouveau Monde, like Le Meilleur des Mondes (quoting the work of Aldous Huxley)? Or everything is nothing more than a utopia and, in this dystopian future, gestural human corporeality will be assumed, definitively, by robot dancers ... Wagner Corrêa de Araújo Nouveau Monde/Companhia Híbrida ended, this weekend, its short season at Sesc/Arena/Copacabana, with the expectation that it will return to the billboard.
BALÉ FOLCLÓRICO DA BAHIA : A DANÇA AFRO-BRASILEIRA SOB UM IRRADIANTE COMPASSO ENTRE A TRADIÇÃO E A MODERNIDADE
Balé-Folclórico-da-Bahia---MoviRio-2025-_-Fotos-Malani
Malani Rodrigues/Fotos.
Desde sua memorável estreia abrindo o Festival de Dança de Joinville, no final dos anos oitenta, o Balé Folclórico da Bahia surpreendeu a crítica e o público por seu original dimensionamento estético imprimido ao legado coreográfico e musical afro-brasileiro. E é para celebrar seus 37 anos que a Cia está apresentando, em sua primeira grande temporada pelo Brasil afora, o espetáculo O Balé Que Você Não Vê, começando pelo Rio de Janeiro. Direcionado sempre pela artesanal competência de um de seus fundadores Walson Botelho ao lado de José Carlos Arandiba, reconhecidos, cada um deles, pelos apelidos de Vavá e Zebrinha. Balé-Folclórico-da-Bahia---MoviRio-2025-_-Fotos-Malani Trazendo, agora, neste programa quatro criações coreográficas Okan, 2.3.8, Bolero e Afixirê - concebidas, em ordem sequencial, por Nildinha Fonseca, Slim Mello, Carlos dos Santos e Rosangela Silvestre, para 17 bailarinos, acompanhados ao vivo por quatro instrumentistas e duas cantoras, sob a responsabilidade musical de José Ricardo Souza.. Onde a caixa cênica, em proposta minimalista, é preenchida basicamente pelo corpo dançante e pela alternância presencial do grupo vocal/instrumental, tendo como visão frontal projeções virtuais em movimento. Como a tipicidade fílmica de um trajeto em transporte cotidiano pelas periferias de Salvador, numa certa similaridade com os guetos nova-iorquinos, na obra de Slim Mello – 2.3.8.- intimista conhecedor residencial das duas ambiências. Ou na plasticidade documental de preciosas gravuras e fotografias, priorizando a ancestralidade da raça africana, na coreografia Okan, de Nildinha Fonseca, fazendo um tributo à relevância e à resistência do feminino. Recorrendo ao papel atribuído à mulher pelas crenças mitológicas africanas, via sua titularidade inspirada nesta divindade conciliadora. Ao lado do registro, no formato de um mural móvel, sobre personalidades marcantes da cultura negra brasileira e mundial, referenciadas no significativo simbólico de Afixirê, como uma festa da felicidade, pelo ideário de Rosangela Silvestre, sendo considerado um dos signos do repertório da Cia baiana de dança. Todas estas obras ampliadas em seu recado de valoração da herança cultural e artística afro-brasileira por um aquarelado figurino numa diversidade autoral de cores vibrantes ressaltadas sob luzes vazadas (Marcos Souza), remetendo a cenas pictóricas de pintores baianos de ontem e de hoje. Mas, sem dúvida alguma, o grande momento do espetáculo é a versão do Bolero, usando as linhas mestras da composição de Ravel, em que todos os elementos estéticos alcançam sua culminância na coreografia original de Carlos dos Santos, pela releitura por Vavá Botelho e Zebrinha. Com uma sonoridade puramente percussiva abrindo a obra, entremeada pelos acordes originais de Ravel, numa surpreendente mix adaptação musical afro-brasileira de vigorosa tipicidade para teclados, programação e percussão, da lavra de Renato Neto. Balé-Folclórico-da-Bahia---MoviRio-2025-_-Fotos-Malani Enquanto a corporeidade coreográfica, num enfoque cenográfico de subliminar proximidade com a maioria de suas mais populares versões, a partir do uso de tablado no qual um exponencial solista é circundado por bailarinos, se destaca na intensidade crescente de contrações musculares sincopadas, extensivas ao movimento aguçado de braços e pernas. Além de sugestionar um elo de unicidade entre a tradição da dança popular característica e os avanços da contemporaneidade coreográfica, como se este reencontro singular com o Bolero de Ravel, integrando este Balé Que Você Não Vê, ressoasse, ali, em coesivo experimento emotivo tanto para os bailarinos como aos espectadores, pelo metafórico mistério gestual explicitado na magia das palavras de Clarice Lispector : "Não se compreende música : Ouve-se! Ouve-me então com teu corpo inteiro”... Balé-Folclórico-da-Bahia---MoviRio-2025-_-Fotos-Malani Wagner Corrêa de Araújo O Balé Folclórico da Bahia abriu o MOVIRIO Festival 2025, no Teatro João Caetano/RJ, dias 22 e 23 de agosto, seguindo em extensa temporada nacional por diversas cidades brasileiras.
BFB 30 ANOS - "BOLERO" - TEATRO VILA VELHA 2018 Video
FOLKLORIC BALLET OF BAHIA: AFRO-BRAZILIAN DANCE UNDER A RADIANT COMPASS BETWEEN TRADITION AND MODERNITY
Malani Rodrigues /Photos.
Since its memorable debut opening the Joinville Dance Festival, in the late eighties, the Folkloric Ballet of Bahia has surprised critics and audiences by its original aesthetic dimension imprinted on the Afro-Brazilian choreographic and musical legacy. And it is to celebrate its 37 years that the Company is presenting, in its first major season throughout Brazil, the show The Ballet You Don't See, starting in Rio de Janeiro. Always guided by the artisanal competence of one of its founders Walson Botelho alongside José Carlos Arandiba, each of them recognized by the nicknames of Vavá and Zebrinha. Always applauded for the energized and immersive stage-audience involvement it achieves in all its performances, from its headquarters in Salvador to the Lyon Dance Biennial (1994/1996). Not only because of the peculiarity of its themes in the surroundings of Bahian popular culture, but also because of the inventive treatment it assumes in its dramaturgy of corporeality. Balé-Folclórico-da-Bahia---MoviRio-2025-_-Fotos-Malani Now bringing in this program four choreographic creations Okan, 2.3.8, Bolero and Afixirê - conceived, in sequential order, by Nildinha Fonseca, Slim Mello, Carlos dos Santos and Rosangela Silvestre, for 17 dancers, accompanied live by four instrumentalists and two singers, under the musical responsibility of José Ricardo Souza. Where the scenic box, in a minimalist proposal, is filled by the dancing body and by the face-to-face alternation of the vocal/instrumental group, with virtual projections in motion as a frontal view. Like the filmic typicity of a daily transport route through the outskirts of Salvador, in a certain similarity with the New York ghettos, in the work of Slim Mello – 2.3.8.- intimate residential connoisseur of the two ambiences. Or in the documentary plasticity of precious engravings and photographs, prioritizing the ancestry of the African race, in the choreography Okan, by Nildinha Fonseca, paying tribute to the relevance and resistance of the feminine. Resorting to the role attributed to women by African mythological beliefs, she saw her ownership inspired by this conciliatory divinity. Next to the record, in the format of a mobile mural, about outstanding personalities of Brazilian and world black culture, referenced in the symbolic meaning of Afixirê, as a party of happiness, by the ideas of Rosangela Silvestre, being considered one of the signs of the repertoire of the Bahian dance company. All these works amplified in their message of valuing the Afro-Brazilian cultural and artistic heritage by a watercolor costume in an authorial diversity of vibrant colors highlighted under hollow lights (Marcos Souza), referring to pictorial scenes of Bahian painters of yesterday and today. But, without a doubt, the great moment of the show is the version of Bolero, using the master lines of Ravel's composition, in which all the aesthetic elements reach their culmination in the original choreography by Carlos dos Santos, through the reinterpretation by Vavá Botelho and Zebrinha. With a purely percussive sonority, opening the work, interspersed with Ravel's original chords, in a surprising mix of Afro-Brazilian musical adaptation of vigorous typicity for keyboards, programming and percussion, by Renato Neto. While the choreographic corporeality, in a scenographic approach of subliminal proximity to most of its most popular versions, from the use of a platform in which an exponential soloist is surrounded by dancers, stands out in the increasing intensity of syncopated muscle contractions, extended to the sharp movement of arms and legs. In addition to suggesting a link of uniqueness between the tradition of characteristic popular dance and the advances of choreographic contemporaneity, as if this singular reunion with Ravel's Bolero, integrating this Ballet That You Don't See, resonated, there, in a cohesive emotional experiment for both dancers and spectators, through the metaphorical gestural mystery made explicit in the magic of Clarice Lispector's words: "You don't understand music: You hear it! Listen to it then with your whole body"... Balé-Folclórico-da-Bahia---MoviRio-2025-_-Fotos-Malani Wagner Corrêa de Araújo The Folkloric Ballet of Bahia opened the MOVIRIO Festival 2025, at Teatro João Caetano/RJ, on August 22nd and 23rd, following an extensive national season in several Brazilian cities.
Balé Folclorico da Bahia - Institutional - Video
ROMEU E JULIETA / BALÉ TEATRO GUAÍRA : TRADIÇÃO CONECTADA A UM INVENTIVO SOTAQUE DE CONTEMPORANEIDADE
Fernando Barkidom/Fotos.
Romeu e Julieta a mais evocativa tragédia de William Shakespeare sobre a irrestrita resistência de um amor proibido entre dois jovens tornou-se, desde a primeira versão russa de 1940 a partir da partitura de Serguei Prokofiev, um tema de permanente atração para o universo coreográfico. Tendo a celebrizada concepção de Kenneth MacMillan para o Royal Ballet, 1965, inspirado outras diferenciais releituras, entre os séculos 20 e 21. Lembrando aqui, ainda os filmes de Franco Zeffirelli, 1968, e Braz Luhrmann, 1996, sem esquecer também a Broadway, está partindo da cinematografia musical de West Side Story, Leonard Bernstein / Robert Wise, 1957. Destacando-se entre as adaptações coreográficas, desde aquelas com um substrato estético mais focado na tradição clássica, como a de John Cranko, a outras mais ousadas como a de Mats Ek ou assumidamente transgressivas como a de Matthew Bourne. Ressaltando que uma das mais conceituadas cias oficiais de dança do Brasil – o Balé Teatro Guaíra, através do coreógrafo Luiz Fernando Bongiovanni, em 2008, inicialmente apresentou seu Romeu e Julieta e, agora, está voltando com esta obra. Numa abordagem de caráter mais inovador procurando contextualizar, metaforicamente, o espetáculo com a problemática social da atualidade, especialmente no que concerne à violência urbana, o preconceito racial e de classes que leva à criminalidade, entre o ódio e o amor. Tivemos na trajetória crítica, no entorno deste meio século do Balé Teatro Guaíra memoráveis momentos, como a direção autoral de dois documentários - O Grande Circo Místico e Balé Teatro Guaíra 30 Anos - além de escrever sobre estreias de alguns espetáculos através dos anos, incluídas criações de Luiz Fernando Bongiovanni, o atual coreógrafo e diretor geral da Cia. Nesta sua recente apresentação, no Grande Teatro Cemig do Palácio das Artes, Belo Horizonte, com perspectiva da inclusão em suas turnês brasileiras e internacionais, do Rio de Janeiro, este Romeu e Julieta (Balé Teatro Guaíra) teve a performance de dois afinados elencos. Sem deixar de contar com a participação da Orquestra Sinfônica de Minas Gerais, sob uma mais compactada regência da composição por Ligia Amadio. Onde há novo dimensionamento, visando o público de hoje, na concepção cenográfica (Cleverson Cavalheiro) não se atendo a um realismo fidedigno para mostrar a Verona renascentista, mas fazendo um funcional e minimalista design de grandes blocos móveis, sob vários planos capazes de visualizar as diversas ambiências internas e externas da narrativa. E que alcançam imagéticos efeitos luminares (Carlos Kur) em projeções led que imobilizam mimeticamente os personagens, com sugestionamento frontal de brilhos espaciais nas cenas noturnas de paixão em encontros às ocultas do casal titular, luzes mais vazadas nas cenas coletivas de rua e mais sombrias no epílogo tumular. Destacando ainda os belos figurinos e adereços (Paulinho Maia) longe de um absoluto rigorismo à época da trama. A execução musical da OSMG revelando a convicta maturidade de Ligia Amadio sabendo equilibrar o impacto emocional na tipicidade sonora dos acordes, ora energizados e quase dissonantes do compositor, com um apelo mais lírico no contraste das cenas amorosas. O elenco protagonista mostrando fluidez de movimento tanto nas passagens coletivas como nos solos e encontros grupais, não perdendo coesiva correspondência a coadjuvante representação de cidadãos e da Corte. Havendo que se destacar entre tantos personagens a afinidade química dos dois Romeus alternativos (Rodrigo Castelo Branco e Rodrigo Leopoldo) como também das duas Julietas (Deborah Chibiaque e Amanda Soares). Ficando difícil citar a atuação específica de cada um dos personagens de um dúplice elenco saindo-se bem, tanto no baile de máscaras e nas cenas de lutas ou de atuações mais humorizadas, como as da carismática Ama de Julieta, ou as dramáticas das três Parcas do Destino, introduzidas como reveladora inovação pelo ideário de Bongiovanni. Este transmutando em descobertas coreográficas expressivas, numa peculiar linguagem estética psicofísica, desde espontâneas intervenções vocais a instantâneo transitar de bailarinos pela plateia, na dramaturgia corporal de uma potencializada cia de dança - o Balé Teatro Guaíra. Há exatos 57 anos dignificando, sem dúvida alguma, a dança em moldes brasileiros ... Wagner Corrêa de Araújo Romeu e Julieta / Balé Teatro Guaíra apresentou-se nos dias 28 e 29 de junho, no Grande Teatro Cemig/Palácio das Artes/Belo Horizonte, seguindo para temporada em São Paulo.
ROMEU E JULIETA - Video
ROMEO AND JULIET / BALLET TEATRO GUAÍRA: TRADITION CONNECTED TO AN INVENTIVE ACCENT OF CONTEMPORANEITY
Fernando Barkidom/Photos.
Romeo and Juliet, William Shakespeare's most evocative tragedy about the unrestricted resistance of a forbidden love between two young people, has become, since the first Russian version in 1940 based on Sergei Prokofiev's score, a theme of permanent attraction for the choreographic universe. Kenneth MacMillan's famous conception for the Royal Ballet, 1965, inspired other differential reinterpretations, between the 20th and 21st centuries. Remembering here, still the films of Franco Zeffirelli, 1968, and Braz Luhrmann, 1996, without forgetting Broadway, are starting from the musical cinematography of West Side Story, Leonard Bernstein / Robert Wise, 1957. Standing out among the choreographic adaptations, from those with an aesthetic substrate more focused on the classical tradition, such as John Cranko's, to more daring ones such as Mats Ek's or admittedly transgressive such as Matthew Bourne's. Emphasizing that one of the most prestigious official dance companies in Brazil – the Balé Teatro Guaíra, through the choreographer Luiz Fernando Bongiovanni, in 2008, initially presented his Romeo and Juliet and is now returning with this work. In a more innovative approach, seeking to contextualize, metaphorically, the show with the social problems of today, especially with regard to urban violence, racial and class prejudice that leads to criminality, between hatred and love. We had in our critical trajectory, around this half century of Balé Teatro Guaíra, memorable moments, such as the authorial direction of two documentaries - The Great Mystical Circus and Balé Teatro Guaíra 30 Years - in addition to writing about the premieres of some shows over the years, including creations by Luiz Fernando Bongiovanni, the current choreographer and general director of Cia. In its recent presentation, at the Cemig Grand Theater of the Palácio das Artes, Belo Horizonte, with the prospect of inclusion in its Brazilian and international tours, in Rio de Janeiro, this Romeo and Juliet (Balé Teatro Guaíra) had the performance of two finely tuned casts. Not to mention the participation of the Minas Gerais Symphony Orchestra, under a more compact conduction of the composition by Ligia Amadio. Where there is a new dimension, aimed at today's audience, in the scenographic conception (Cleverson Cavalheiro) not sticking to a reliable realism to show the Renaissance Verona, but making a functional and minimalist design of large mobile blocks, under various planes capable of visualizing the various internal and external ambiences of the narrative. And that achieve imagery luminary effects (Carlos Kur) in led projections that mimetically immobilize the characters, with frontal suggestion of spatial glows in the nocturnal scenes of passion in secret encounters of the titular couple, more hollow lights in the collective street scenes and darker in the tomb epilogue. Also highlighting the beautiful costumes and props (Paulinho Maia) far from absolute rigorism at the time of the plot. The musical performance of OSMG revealing the convinced maturity of Ligia Amadio, knowing how to balance the emotional impact on the sound typicity of the chords, now energized and almost dissonant by the composer, with a more lyrical appeal in the contrast of the love scenes. The protagonist cast showing fluidity of movement both in the collective passages and in the solos and group meetings, not losing cohesive correspondence to the supporting representation of citizens and the Court. Among so many characters, the chemical affinity of the two alternative Romeos (Rodrigo Castelo Branco and Rodrigo Leopoldo) as well as the two Juliets (Deborah Chibiaque and Amanda Soares) should be highlighted. It is difficult to mention the specific performance of each of the characters of a double cast doing well, both in the masquerade ball and in the fight scenes or in more humorous performances, such as those of the charismatic Juliet's Nanny, or the dramatic ones of the three Fates of Destiny, introduced as a revealing innovation by Bongiovanni's ideas. This transmuting into expressive choreographic discoveries, in a peculiar psychophysical aesthetic language, from spontaneous vocal interventions to instantaneous transit of dancers through the audience, in the body dramaturgy of a potentiated dance company - the Balé Teatro Guaíra. For exactly 57 years dignifying, without a doubt, dance in Brazilian molds ... Wagner Corrêa de Araújo Romeo and Juliet / Balé Teatro Guaíra was performed on June 28 and 29, at the Grande Teatro Cemig / Palácio das Artes / Belo Horizonte, followed by a season in São Paulo.
Romero & Juliet pas de deux - Video
CORPO DE DANÇA DO AMAZONAS : DRAMATURGIA COREOGRÁFICA, AFETIVA E DE DENÚNCIA, PELA PRESERVAÇÃO DO LEGADO AMAZÔNICO
Michael Dantas/ Fotos.
Corpo de Dança do Amazonas/CDA.TA - Como Ser Grande. Mário Nascimento/Direção Concepcional /Coreográfica. Junho/2025. Michael Dantas/ Fotos. As primeiras abordagens, em dimensionamento sinfônico coreográfico, sobre a Floresta Amazônica foram de Heitor Villa-Lobos. Outros exemplos podem ser encontrados em criações posteriores de diversas companhias de dança brasileira, destacando-se, sem dúvida alguma, entre elas o Corpo de Dança do Amazonas. No desafio artístico e no empenho patriótico pela valorização do acervo ecológico-ambiental diante de tantos atos depredatórios, às vezes permissivos por grande parte de nossos congressistas na recusa do marco legal dos povos originários. Ou, então, da irrestrita e consentida exploração devastadora de sua foz e do seu acervo florestal, com a consequente poluição de suas águas e a dizimação de suas espécies vegetais e animais. Diante de tudo isto quando é verificada a trajetória de 26 anos daquela que é a mais importante Cia de dança da Amazônia e do próprio Norte do país, não há como ficar em silêncio, mas clamar bem alto por suas qualitativas características estéticas, contando com 22 aprimorados bailarinos, todos eles autóctones daquela região, incluindo parcela significativa de indígenas, ribeirinhos, negros, além dos LGBTQIAP+. Enquanto no seu repertório prevalecem temas étnicos e regionais voltados não só à valorização da fauna e flora, mas estendendo-se à abrangência de narrativas míticas, das lendárias às históricas, sobre aqueles tão fundamentais povos originários, os nativos, ancestrais e primeiros habitantes do território brasileiro. Contando já há cinco anos com a exímia competência direcional e concepcional do coreógrafo mineiro Mario Nascimento que enriquece o repertório com obras originais de sua lavra, estando sempre aberto a contribuições de alguns nomes conceituados da dança contemporânea brasileira e internacional. Priorizando temática amazônica, ao lado de coreografias inéditas ou de releituras de composições icônicas dos séculos XX e XXI, através, entre outros, de Luís Arrieta, Ivonice Satie, Luiz Fernando Bongiovanni, Henrique Rodovalho, Alex Soares, Rosa Antuña. E apresentando nesta oportuna turnê, numa bela iniciativa do Centro Cultural Banco do Brasil, cerca de seis criações que dimensionam bem a proposta da CDA (Corpo de Dança do Amazonas). No preenchimento de uma caixa cênica minimalista, com extasiante jogo teatral de efeitos luminares (João Fernandes Neto) que alcança, no entremeio de claridades e sombras, um expressivo sugestionamento das diversas ambiências da paisagem florestal e da fluência das correntes aquáticas. O que aparece, especialmente, na diferencial coreografia de Rosa Antuña, Rios Voadores onde a maleabilidade da corporeidade cênica e o molejo dos movimentos, com seus artifícios gestuais, alcançam uma significativa representação pictórica dos seres originários das águas. Ressaltando que há, ali, uma coesiva exteriorização sob o signo de uma tocante entrega emocional de seus bailarinos, tanto nos solos como nas formações grupais. Enquanto sonoridades naturais ou eletrônicas, ora gravadas ora ao vivo, numa atemporal trilha do DJ Tubarão, são intermediadas com ruídos da natureza sob ritmos percussivos. Dando um toque de contemporaneidade ao gestual primitivo de corpos em conexão, sempre dialogando com o espaço cênico/visual numa envolvente fisicalidade de contrações musculares rítmicas. Mas é em TA - Sobre Ser Grande que a CDA encontra seu momento de maior e mais surpreendente potencialidade inventiva e imersiva ao mesmo tempo. Seu simbólico título TA é a enunciação verbal de “grande” para os Tikunas, uma das poucas e a maior das tribos indígenas advindas dos povos originários. A criação de Mário Nascimento estabelece exemplar ressonância do ideário estético/coreográfico de um corpo-linguagem ecoando uma mensagem de esperança, entre reflexos especulares da luta pela sobrevivência de um povo originário e de uma raça indígena, mais os tipos identitários da região, frente às adversidades sob irrefreáveis pulsões de avanços urbanos exploratórios. A convicta adesão de seu energizado e técnico cast de bailarinos, a vigorosa autenticidade da assinatura corporal imprimida por Mário Nascimento, indo da brasilidade musical e indumentária ao recado de sua tão oportuna temática, fazem, afinal, deste TA pelo Corpo de Dança do Amazonas, um transcendente instante da arte coreográfica em moldes brasileiros... Wagner Corrêa de Araújo
CORPS DE DANÇA DO AMAZONAS - Video
CORPS DE DANÇA DO AMAZONAS: CHOREOGRAPHIC, AFFECTIVE AND DENUNCIATORY DRAMATURGY, FOR THE PRESERVATION OF THE AMAZONIAN LEGACY
Michael Dantas/ Photos.
Corpo de Dança do Amazonas/CDA.TA - How to Be Great. Mário Nascimento/Conceptional Direction/Choreographic. June/2025. Michael Dantas/ Photos. The first approaches, in choreographic symphonic dimensioning, about the Amazon Rainforest were by Heitor Villa-Lobos. Other examples can be found in later creations of several Brazilian dance companies, undoubtedly highlighting the Corpo de Dança do Amazonas. In the artistic challenge and in the patriotic effort to value the ecological-environmental heritage in the face of so many predatory acts, sometimes permissive by a large part of our congressmen in the refusal of the legal framework of the native peoples. Or then, of the unrestricted and consented devastating exploitation of its mouth and its forest collection, with the consequent pollution of its waters and the decimation of its plant and animal species. In the face of all this, when the 26-year trajectory of what is the most important dance company in the Amazon and in the North of the country itself is verified, there is no way to remain silent, but to cry out loud for its qualitative aesthetic characteristics, with 22 improved dancers, all of them indigenous to that region, including a significant portion of indigenous people, riverside dwellers, blacks, in addition to LGBTQIAP+. While in its repertoire there are ethnic and regional themes aimed not only at valuing fauna and flora, but extending to the range of mythical narratives, from legendary to historical, about those so fundamental original peoples, the natives, ancestors and first inhabitants of the Brazilian territory. For five years now, it has had the excellent directional and conceptual competence of the choreographer Mario Nascimento, who enriches the repertoire with original works of his work, always being open to contributions from some renowned names in Brazilian and international contemporary dance. Prioritizing the Amazonian theme, alongside unpublished choreographies, or reinterpretations of iconic compositions from the twentieth and twenty-first centuries, though, among others, Luís Arrieta, Ivonice Satie, Luiz Fernando Bongiovanni, Henrique Rodovalho, Alex Soares, Rosa Antuña. And presenting on this opportune tour, in a beautiful initiative of the Banco do Brasil Cultural Center, about six creations that size well the proposal of the CDA (Corpo de Dança do Amazonas). In the filling of a minimalist scenic box, with an ecstatic theatrical game of luminary effects (João Fernandes Neto) that achieves, in the midst of clarity and shadows, an expressive suggestion of the various ambiences of the forest landscape and the fluency of the aquatic currents. This appears, especially, in Rosa Antuña's differential choreography, Flying Rivers, where the malleability of scenic corporeality and the softness of movements, with their gestural artifices, achieve a significant pictorial representation of the beings originating from the waters. Emphasizing that there is, there, a cohesive exteriorization under the sign of a touching emotional surrender of his dancers, both in the solos and in the group formations. While natural or electronic sounds, sometimes recorded and sometimes live, in a timeless soundtrack by DJ Tubarão, they are intermediated with noises of nature under percussive rhythms. Giving a touch of contemporaneity to the primitive gesture of bodies in connection, always dialoguing with the scenic/visual space in an enveloping physicality of rhythmic muscle contractions. But it is in TA - On Being Great that CDA finds its moment of greatest and most surprising inventive and immersive potential at the same time. Its symbolic title TA is the verbal enunciation of "great" for the Tikunas, one of the few and the largest of the indigenous tribes coming from the original peoples. Mário Nascimento's creation establishes an exemplary resonance of the aesthetic/choreographic ideology of a body-language echoing a message of hope, among specular reflections of the struggle for survival of an original people and an indigenous race, plus the identity types of the region, in the face of adversity under unstoppable impulses of exploratory urban advances. The convinced adherence of his energized and technical cast of dancers, the vigorous authenticity of the body signature imprinted by Mário Nascimento, going from musical and clothing Brazilianness to the message of his very timely theme, make, after all, this TA by Corpo de Dança do Amazonas, a transcendent instant of choreographic art in Brazilian molds... Wagner Corrêa de Araújo
SOBRE-SER-GRANDE-Crédito-Pati-Guimarães
NOVO FLUXO : A INTERATIVIDADE COREOGRÁFICA - URBANA / CONTEMPORÂNEA - EM MAIS UMA SINGULARIZADA CRIAÇÃO DA CIA HÍBRIDA
Renato Mangolin/Fotos.
Na proximidade de suas quase duas décadas, a Cia Hibrida vem se destacando pelo sotaque diferencial que sempre imprime, através de seu idealizador, diretor e coreógrafo Renato Cruz, à dança urbana. E é este signo estético que retorna, com a habitual pulsão, na sua última criação titulada Novo Fluxo. Onde ele transcende a linguagem generalizada dos diversos segmentos das danças urbanas através do dimensionamento dos caracteres estilísticos básicos do gênero, sob um tratamento que remete aos avanços da contemporaneidade coreográfica. E por isso mesmo é que, já há algum tempo, Renato Cruz vem se especializando, nesta busca de novas confluências de surpreendentes linguagens artísticas, em residências que vão além-fronteiras, especialmente no circuito de reconhecidos centros coreográficos da capital francesa. Dividindo-se entre participações que vão do Centro Coreográfico da Cidade do Rio de Janeiro, a atuações em Paris, passando por diversos estágios e temporadas no Le Centquatre, no Parc de la Villete, ou no Carreau du Temple. Tendo estreado, simultaneamente em 2023, no Teatro do Oprimido de Paris e no Centro Coreográfico carioca, em parceria criativa com a Cie Gelmini, do diretor/coreógrafo Gustavo Gelmini, sediada inicialmente no RJ e desde 2019 em Paris, o espetáculo Pulso. E, agora, a Cia Híbrida promove outro circuito paralelo - RJ/Paris - com o seu mais recente espetáculo - Novo Fluxo. “A repetição é um modo poderoso de intensificar a emoção interna e, ao mesmo tempo, criar um ritmo primitivo que é, por sua vez, um modo de chegar a uma harmonia primitiva em toda forma de arte”. Significativas palavras do artista russo-alemão Wassily Kandinsky que podem ser um referencial para o processo do desenvolvimento coreográfico de Novo Fluxo. Ao conectar, metaforicamente, os traços geométricos circulares de sua pintura abstracionista, plena de ininterrupta energia e movimento, à idealização concepcional, dirigida e coreografada por Renato Cruz, sem jamais impedir a espontânea e livre atuação de seus intérpretes / criadores. Ao se iniciar este espetáculo seus sete convictos performers-dançantes (Fábio Max, Jefte Francisco, Josh Antonio, Maju Freitas, Rayan Sarmento, Tamara Catharino e Yuri Tiger), na imobilidade de sua fixa corporeidade vão, aos poucos, entre pausas respiratórias e expressões faciais, liberando uma sequencial fragmentação gestual. Que repercurte um estado de psicofisicalidade, na manifestação sensorial de que cada um daqueles instantâneos movimentos de mãos, braços, pernas, ombros, estão fluindo num contexto libertário para uma integrada representação social e racial de artistas, com prevalente origem nas comunidades marginalizadas. Enquanto antecipa, entre potenciais efeitos de sombras e luzes (Renato Machado e Diego Diener), um recorte cênico daqueles simbólicos sinais, ampliados em projeções luminares quase psicodélicas, extensivo à tipicidade de sua indumentária cotidiana, através de uma corporeidade energizada e transgressora. Onde a contribuição dos efeitos sonoros, de andamentos eletroacústicos (Lucas Marcier e Gabriel Amori), evolui em progressão crescente com sutis acordes rítmicos, acentuando outra particularidade nesta proposta-performance de dança urbana, fazendo com que está se manifeste sob traços subliminares de dança contemporânea. Afinal é como bem define Novo Pulso, em poético jogo de aliterações vocabulares, seu mentor estético Renato Cruz: “Novo é o fluxo que des-água na cena que constrói o porvir. Con-fluenciar, com-partilhar, para coexistir. Comunicar com o corpo aquilo que a palavra não dá conta. E como um rio que rende ao se juntar a outros rios (Antonio Bispo), experimentar a potência de encontrar outros caminhos (Aylton Krenak)”... Wagner Corrêa de Araújo Novo Fluxo / Cia Híbrida de Dança estreia em Paris, no Le Carreau du Temple no próximo dia 14 de maio, voltando ao cartaz no Centro Coreográfico do RJ, nos dias 30 e 31 de maio, depois de sua pré-estreia no Espaço Sérgio Porto, no último final de semana de abril.
NEW FLOW: CHOREOGRAPHIC INTERACTIVITY - URBAN / CONTEMPORARY - IN ANOTHER SINGULARIZED CREATION OF CIA HÍBRIDA
Renato Mangolin/Photos.
In the proximity of its almost two decades, Cia Híbrida has been standing out for the differential accent that it always imprints, through its creator, director, and choreographer Renato Cruz, to urban dance. And it is this aesthetic sign that returns, with the usual drive, in his latest creation entitled Novo Fluxo. Where he transcends the generalized language of the various segments of urban dances through the dimensioning of the basic stylistic characters of the genre, under a treatment that refers to the advances of contemporary choreography. And for this very reason now, for some time now, Renato Cruz has been specializing, in this search for new confluences of surprising artistic languages, in residencies that go beyond borders, especially in the circuit of recognized choreographic centers in the French capital. Dividing himself between participations ranging from the Choreographic Center of the City of Rio de Janeiro to performances in Paris, passing through several internships and seasons at Le Centquatre, Parc de la Villete, or Carreau du Temple. Having premiered, simultaneously in 2023, at the Theater of the Oppressed in Paris and at the Rio de Janeiro Choreographic Center, in creative partnership with Cie Gelmini, by director/choreographer Gustavo Gelmini, initially based in RJ and since 2019 in Paris, the show Pulse. And now, Cia Híbrida promotes another parallel circuit - RJ/Paris - with its latest show - Novo Fluxo. "Repetition is a powerful way of intensifying the inner emotion and, at the same time, creating a primitive rhythm that is, in turn, a way of arriving at a primitive harmony in every form of art." Significant words by the Russian German artist Wassily Kandinsky that can be a reference for the process of choreographic development of Novo Fluxo. By metaphorically connecting the circular geometric traces of his abstractionist painting, full of uninterrupted energy and movement, to the conceptional idealization, directed and choreographed by Renato Cruz, without ever impeding the spontaneous and free action of his interpreters/creators. At the beginning of this show, its seven convinced dancer-performers (Fábio Max, Jefte Francisco, Josh Antonio, Maju Freitas, Rayan Sarmento, Tamara Catharino and Yuri Tiger), in the immobility of their fixed corporeality, gradually go between breathing pauses and facial expressions, releasing a sequential gestural fragmentation. That recurs a state of psychophysicality, in the sensory manifestation that each of those instantaneous movements of hands, arms, legs, and shoulders, are flowing in a libertarian context for an integrated social and racial representation of artists, with prevalent origins in marginalized communities. While anticipating, among potential effects of shadows and lights (Renato Machado and Diego Diener), a scenic cut of those symbolic signs, amplified in almost psychedelic luminary projections, extended to the typicity of his daily clothing, through an energized and transgressive corporeality. Where the contribution of sound effects, of electro-acoustic tempos (Lucas Marcier and Gabriel Amori), evolves in increasing progression with subtle rhythmic chords, accentuating another particularity in this urban dance performance-proposal, making it manifest itself under subliminal traces of contemporary dance. After all, it is as Novo Pulso defines it well, in a poetic game of vocabulary alliterations, its aesthetic mentor Renato Cruz: "New is the flow that flows into the scene that builds the future. To confluency, to share, to co-exist. To communicate with the body what the word cannot handle. And like a river that yields when joining other rivers (Antonio Bispo), experiencing the power of finding other paths (Aylton Krenak)"... Wagner Corrêa de Araújo ANTIFLOW - Uma nova criação - Video Novo Fluxo / Cia Híbrida de Dança debuts in Paris, at the Le Carreau du Temple on May 14, returning to the poster at the Centro Coreográfico do RJ, on May 30 and 31, after its premiere at Espaço Sérgio Porto, on the last weekend of April.
FLORESTA AMAZÔNICA / CIA. DE BALLET DALAL ACHCAR : A SIMBÓLICA VOLTA AOS PALCOS DE UM MARCO DA DANÇA EM FORMAS BRASILEIRAS
Floresta-Amazônica-2023---Foto-Valério-Silveira
Esta obra da coreógrafa e diretora Dalal Achcar foi uma criação precursora (1975), no universo da dança clássica-romântica em moldes brasileiros, como primeiro balé completo de extensão padronizada em dois atos, a abordar o exotismo ancestral indigenista e a riqueza ecológica daquela que é considerada o pulmão da terra - sendo titulado como Floresta Amazônica, por Heitor Villa-Lobos, em 1958. Esta vigorosa suíte sinfônica tinha servido de ponto de partida para uma produção fílmica americana (Green Mansions) não tão bem sucedida como sua trilha sonora que acabou integrando seu legado musical, sendo uma de suas mais inspiradas composições. E foi precedida apenas por um poema sinfônico (Amazônia) de mesma autoria, direcionado à dança, mas sem alcançar a mesma repercussão. Em sua estreia, 1975, no Municipal carioca, na acurada versão de Dalal Achcar, esta criação teve parceria artística do Royal Ballet de Londres, através de um de seus mais renomados coreógrafos (Sir Frederik Ashton) na idealização do Grand Pas-De-Deux para a participação protagonista de uma dupla estelar - Margot Fonteyn e David Wall. Dez anos depois alcança seu dimensionamento definitivo como um balé completo em dois atos, mantendo na íntegra a sua partitura original, então executada, em caráter memorável pelo maestro Henrique Morelembaum, frente à Orquestra Sinfônica e Coro do Theatro Municipal, com a soprano solista Maria Lúcia Godoy. Floresta-Amazônica-2023---Foto-Valério-Silveira Que simbolismo tão especial esta sua recente volta ao Municipal, no entremeio de tantas datas tão significativas, 50 de sua estreia, 40 da marcante performance TMRJ, ao mesmo tempo, que faz lembrar o centenário de uma das maiores sopranos do País ainda entre nós - Maria Lúcia Godoy. Retomando seus elementos estéticos originais, sendo mantidas, as projeções de um dos mais celebrados figurinistas na época, o argentino José Varona e a de um dos nomes absolutos da cenografia Hélio Eichbauer, sob artesanal concepção coreográfica / direcional de Dalal Achcar. Não deixando de citar, nesta atual remontagem, os ambientais efeitos de luzes vazadas e focais por Felício Mafra. Tudo comme il faut para uma obra que devia ser do repertório do Balé do TM/RJ pela força de sua brasilidade, não só coreográfica, mas musical e temática, tão oportuna quando a complexidade florestal, o manancial aquático, vegetação e animais, sem esquecer dos remanescentes dos povos originários, continuam sob enfrentamento de invasões depredatórias. “A minha única e insistente influência extramusical é diretamente da natureza, especialmente a de meu país”. Palavras precisas do próprio Villa-Lobos e que podem ser aplicadas a esta bela iniciativa artística na transposição coreográfica da Floresta Amazônica. Onde tudo flui para engrandecimento desta obra, desde o acerto da escolha da bela gravação à conexão de seus elementos indumentários / cenográficos. Além de um enredo a partir de narrativas lendárias com assumido sotaque folclorista na configuração da tipicidade de seus personagens. Destacando o empenho de um vasto e bem ensaiado elenco jovem de bailarinos da Cia de Ballet Dalal Achcar, orientado pelo maître de ballet e remontador Eric Frederic, ressaltando convictas atuações em variados papeis solo ou em afinadas formações grupais. Numa similaridade performática com movimentos ora de puro gestualismo clássico, presencial nas estilosas pontas das bailarinas, ora tendendo para uma energizada corporeidade masculina nas danças características indígenas. Alcançando uma culminância sensorial palco/plateia quando as duas luminosas canções (poemas de Dora Vasconcelos) dão vazão a uma representação glamourosa de técnica e lirismo à talentosa e virtuosística dupla ascendente de bailarinos Gabriela Sisto, como a Deusa da Floresta, e de Fernando Mendonça no papel de Homem Branco. Completando, assim, a exuberante reapresentação da Cia de Ballet Dalal Achcar de uma obra, mais próxima de um esmerado classicismo romântico, em meio a sutis tonalidades contemporâneas, abrindo com brilho qualitativo a Temporada Carioca de Dança 2025. Wagner Corrêa de Araújo (Crítico de Dança)
FLORESTA AMAZÔNICA / DALAL ACHCAR BALLET COMPANY: THE SYMBOLIC RETURNS TO THE STAGE OF A MILESTONE OF DANCE IN BRAZILIAN FORMS
Floresta-Amazônica-2023---Photo-Valério-Silveira
This work by choreographer and director Dalal Achcar was a precursor creation (1975), in the universe of classical-romantic dance in Brazilian molds, as the first complete ballet of standardized extension in two acts, to address the ancestral exoticism of indigenists and the ecological richness of what is considered the lungs of the earth - being titled Amazon Forest, by Heitor Villa-Lobos, in 1958. This vigorous symphonic suite had served as the starting point for an American film production (Green Mansions) not as successful as its soundtrack that ended up being part of his musical legacy, being one of his most inspired compositions. And it was preceded only by a symphonic poem (Amazônia) of the same authorship, directed to dance, but without achieving the same repercussion. In its premiere, 1975, at the Municipal of Rio de Janeiro, in the accurate version of Dalal Achcar, this creation had an artistic partnership with the Royal Ballet of London, through one of its most renowned choreographers (Sir Frederik Ashton) in the idealization of the Grand Pas-De-Deux for the protagonist participation of a stellar duo - Margot Fonteyn and David Wall. Ten years later, it reaches its definitive dimension as a complete ballet in two acts, keeping in full its original score, then performed, in a memorable character, by maestro Henrique Morelembaum, in front of the Symphony Orchestra and Choir of the Municipal Theater, with the soprano soloist Maria Lúcia Godoy. What a special symbolism this recent return to the Municipal, in the midst of so many significant dates, 50 of her debuts, 40 of the remarkable performance TMRJ, at the same time, which reminds us of the centenary of one of the greatest sopranos in the country still among us - Maria Lúcia Godoy. Resuming its original aesthetic elements, the projections of one of the most celebrated costume designers at the time, the Argentine José Varona, and one of the absolute names of scenography Hélio Eichbauer, under the artisanal choreographic / directional conception of Dalal Achcar, were maintained. Not forgetting to mention, in this current reassembly, the environmental effects of hollow and focal lights by Felício Mafra. Everything comme il faut for a work that should be part of the repertoire of the TM/RJ Ballet by the strength of its Brazilianness, not only choreographic, but musical and thematic, as timely as the complexity of the forest, the aquatic spring, vegetation, and animals, without forgetting the remnants of the original peoples, continue to be confronted by predatory invasions. "My only and insistent extra-musical influence is directly from nature, especially from my country." Precise words from Villa-Lobos himself and that can be applied to this beautiful artistic initiative in the choreographic transposition of the Amazon Rainforest. Where everything flows for the aggrandizement of this work, from the right choice of the beautiful engraving to the connection of its costume/scenographic elements. In addition to a plot based on legendary narratives with an assumed folklorist accent in the configuration of the typicity of its characters. Highlighting the commitment of a vast and well-rehearsed young cast of dancers from the Dalal Achcar Ballet Company, guided by ballet maître d' and reassembler Eric Frederic, highlighting convinced performances in various solo roles or in finely tuned group formations. In a performative similarity with movements sometimes of pure classical gesturalism, present in the stylish points of the dancers, sometimes tending towards an energized male corporeality in the characteristic indigenous dances. Reaching a stage/audience sensory culmination when the two luminous songs (poems by Dora Vasconcelos) give vent to a glamorous representation of technique and lyricism to the talented and virtuosic ascendant duo of dancers Gabriela Sisto, as the Goddess of the Forest, and Fernando Mendonça in the role of the White Man. Thus, completing the exuberant re-presentation of the Dalal Achcar Ballet Company of a work, closer to a meticulous romantic classicism, in the midst of subtle contemporary tonalities, opening the 2025 Carioca Dance Season with qualitative brilliance. Wagner Corrêa de Araújo (Dance Critic)
O QUEBRA-NOZES / BTMRJ : SOB MIDIÁTICA PROPOSTA CÊNICA ENCERRANDO A TEMPORADA DE DANÇA 2024
O Quebra-Nozes/ BTM. Helio Bejani/Jorge Teixeira/ Direção Concepcional/Coreográfica. Dezembro/2024. Daniel Ebendinger/Fotos.
Review:Wagner Corrêa de Araújo (Crítico de Dança)
Ninguém jamais poderia imaginar que aquela instável estreia de O Quebra-Nozes em São Petersburgo, dezembro de 1892, acabaria transformando o terceiro dos balés de Tchaikovsky, num dos espetáculos favoritos das famílias, especialmente das crianças, com sua conexão temática do encantamento e da magia de uma noite de Natal. Embora o seu enredo, inspirado num conto gótico de E. T. A. Hoffman, de 1816, sugestionasse inicialmente um clima soturno através das malévolas artimanhas do Rei dos Camundongos, foi a adaptação definitiva por Alexandre Dumas, pai, que transmutou tudo isso numa fábula entremeada por um delirante clima de aventura, mistério e fantasia. A fascinação exercida por este balé há mais de um século é irrestrita e, além da versão ligada rigorosamente à sua original concepção coreográfica por Marius Petipa, há inúmeras releituras modernas menos presas à tradição. Como foi o caso da introdução de brinquedos eletrônicos na coreografia de Mark Morris ou de sua partitura sendo executada jazzisticamente, numa subvertida titulação de “Quebra Nozes do Harlem”. Basicamente, o enredo do emblemático balé mostra uma festa de Natal onde a menina Clara ganha como presente de seu tio Herr Drosselmeyer, um boneco quebra-nozes e, ao adormecer, tem um sonho que a conduz magicamente aos reinos da neve e dos doces, depois dos sustos ao se deparar com uma batalha entre soldadinhos de brinquedo e de raivosas ratazanas. Narrativa que acabou transformando O Quebra-Nozes no espetáculo coreográfico mais concorrido, com suas habituais temporadas no mês em que se comemora o evento religioso/social. Por sua atração exercida sobre muitas crianças sendo, quase sempre, o primeiro contato que estas tem com uma performance completa de balé clássico e de uma orquestra sinfônica. Ausente do palco do Theatro Municipal desde 2016, O Quebra-Nozes volta sob um dúplice comando concepcional e coreográfico (Helio Bejani e Jorge Teixeira), partindo do original de Marius Petipa. Em montagem com uma maior inclusão dos alunos iniciantes e adiantados da Escola Estadual de Dança Maria Olenewa, ao lado dos integrantes oficiais do BTM, além de nova cenografia (Manoel Puocci/C. Galdino) e de vistosos figurinos (Tania Agra). Onde o maestro argentino Javier Logioia Orbe, na firme regencia da OSTM, mostrou sua reconhecida intimidade de longa data com a música de Tchaikovsky para balé. Embora sem conseguir superar os reverberativos acordes das trompas, em algumas das passagens da partitura, num deslize que tem sido ocasional entre os instrumentistas deste naipe. Havendo a introdução, durante o prólogo orquestral, de uma não habitual representação cenográfica de um orfanato, quebrando em parte a expectativa de surpresa diante do belo cenário natalino. Incluindo-se, ainda, uma possível restrição ao painel frontal do Ato II, pelo sotaque quase apelativo em sua figuração de bolos e tortas, para conceitualizar pictoricamente o Reino dos Doces. A atuação performática do Corpo de Baile e dos solistas demonstrando um coesivo desempenho tanto nas cenas de conjunto, como nos solos e formações grupais das danças características. Também não deixando de ressaltar, aqui, no staff masculino as seguras participações de Rodrigo Hermesmeyer como partner nas cenas finais, no papel do Príncipe, e de Edifranc Alves, num prevalente uso da pantomima para um ator/bailarino na sustentação do personagem Dresselmeyer. Com alguns destaques mais que especiais no cast feminino da estreia, desde uma expressiva Manuela Roçado como a Rainha do Reino das Neves. Ou de Márcia Jaqueline, com precisa técnica e emoção presencial numa convicta Fada Açucarada do Reino dos Doces, no celebrado Pas-de-Deux do Ato II, com um alcance exponencial nas suas extensivas e exigentes variações. Através de uma superprodução provocadora de inusitado surto de buscas com instantâneo esgotamento de ingressos, o que levou à correta decisão do Theatro Municipal para transmitir as três últimas récitas num telão externo. Num quase processo identitário com midiáticos grupos de rock e de MPB, sob perceptível fenômeno ascendente de ampliação do interesse do público carioca pelo balé clássico...
Wagner Corrêa de Araújo O Quebra-Nozes/Balé do Theatro Municipal, está em cartaz no TMRJ, com elenco e horários alternativos, desde o último dia 12, quinta-feira, até o próximo domingo, 22 de dezembro
THE NUTCRACKER / BTMRJ: UNDER MEDIA SCENIC PROPOSAL CLOSING THE 2024 DANCE SEASON
The Nutcracker/ BTM. Helio Bejani/Jorge Teixeira/ Conceptional/Choreographic Direction. December/2024. Daniel Ebendinger/Photos.
No one could have ever imagined that that shaky opening of The Nutcracker in St. Petersburg in December 1892 would turn the third of Tchaikovsky's ballets into a favorite spectacle for families, especially children, with its thematic connection to the enchantment and magic of a Christmas Eve. Although its plot, inspired by a gothic tale by E. T. A. Hoffman, from 1816, initially suggested a gloomy atmosphere through the malevolent antics of the King of the Mice, it was the definitive adaptation by Alexandre Dumas, father, who transmuted all this into a fable interspersed with a delirious atmosphere of adventure, mystery and fantasy. The fascination exerted by this ballet for more than a century is unrestricted and, in addition to the version rigorously linked to its original choreographic conception by Marius Petipa, there are numerous modern reinterpretations less tied to tradition. As was the case with the introduction of electronic toys in Mark Morris' choreography or his score being performed jazzily, in a subverted title of "Harlem Nutcracker". Basically, the plot of the emblematic ballet shows a Christmas party where the girl Clara receives a nutcracker doll as a gift from her uncle Herr Drosselmeyer and, when she falls asleep, she has a dream that magically leads her to the realms of snow and sweets, after the scares when faced with a battle between toy soldiers and angry rats. A narrative that ended up transforming The Nutcracker into the most popular choreographic show, with its usual seasons in the month in which the religious/social event is celebrated. Because of its attraction exerted on many children, it is almost always the first contact they have with a complete performance of classical ballet and a symphony orchestra. Absent from the stage of the Municipal Theater since 2016, The Nutcracker returns under a double conceptional and choreographic command (Helio Bejani and Jorge Teixeira), based on the original by Marius Petipa. In assembly with a greater inclusion of beginner and advanced students from the Maria Olenewa State School of Dance, alongside the official members of BTM, in addition to new scenography (Manoel Puocci/C. Galdino) and showy costumes (Tania Agra). Where the Argentine conductor Javier Logioia Orbe, in the firm conduction of the OSTM, showed his long-standing intimacy with Tchaikovsky's music for ballet. Although unable to overcome the reverberative chords of the horns, in some of the passages of the score, in a slip that has been occasional among instrumentalists of this suit. There was the introduction, during the orchestral prologue, of an unusual scenographic representation of an orphanage, partially breaking the expectation of surprise in front of the beautiful Christmas scenery. Also including a possible restriction to the front panel of Act II, due to the almost appealing accent in its figuration of cakes and pies, to pictorially conceptualize the Kingdom of Sweets. The performance of the Corps de Ballet and the soloists demonstrating a cohesive performance both in the ensemble scenes, as well as in the solos and group formations of the characteristic dances. Also noteworthy, here, in the male staff, the safe participation of Rodrigo Hermesmeyer as a partner in the final scenes, in the role of the Prince, and Edifranc Alves, in a prevalent use of pantomime for an actor/dancer in support of the character Dresselmeyer. With some more than special highlights in the female cast of the premiere, from an expressive Manuela Roçado as the Queen of the Kingdom of Snows. Or Márcia Jaqueline, with precise technique and emotion in person in a convinced Sugar Fairy of the Kingdom of Sweets, in the celebrated Pas-de-Deux of Act II, with an exponential reach in its extensive and demanding variations. Through an overproduction that provoked an unusual surge of searches with instant ticket exhaustion, which led to the correct decision of the Municipal Theater to broadcast the last three performances on an external screen. In an almost identity process with media rock and MPB groups, under a perceptible ascending phenomenon of expansion of the interest of the carioca public in classical ballet...
Wagner Corrêa de Araújo The Nutcracker/Ballet of the Municipal Theater, is on display at TMRJ, with an alternative cast and schedules, from the last 12th, Thursday, until next Sunday, December 22nd
DE BACH A NIRVANA/FOCUS CIA DE DANÇA : REFINADO DIÁLOGO COREOGRÁFICO ENTRE A MÚSICA BARROCA E O GRUNGE ROCK
Focus Cia de Dança / De Bach a Nirvana. Alex Neoral/Direção/Coreografia. Dezembro 2024. Dan Coelho/Manu Tasca/Fotos.
De Bach a Nirvana com a Focus Cia de Dança, uma das mais conceituadas no panorama brasileiro contemporâneo, com reflexos além-fronteiras, e sempre sob a direção concepcional/coreográfica de Alex Neoral, promove um atemporal diálogo entre a riqueza harmônica da música barroca de Johann Sebastian Bach e a fluidez energética do grunge rock de Kurt Cobain e sua banda Nirvana. E é esta integração estética entre excepcionais concertistas e qualitativos bailarinos que faz deste encontro das habilidades técnicas de cada um destes artistas, um espetáculo tanto capaz de se enquadrar no projeto Sala em Movimento da própria Sala Cecilia Meirelles, como na sua possível conceitualização estilística de Recital Coreográfico. No qual o espaço de um tradicional palco de concertos transmuta-se num dialetal encontro da música clássica, do rock e da dança contemporânea, incluída a plasticidade dos seus elementos arquitetônicos recentemente restaurados, desde o belo painel modernista frontal às intervenções participativas dos bailarinos, da caixa cênica à plateia. Inicializada com uma indumentária mais cotidiana, alternativa em sua segunda parte nas variações de peitorais masculinos desnudos e dos figurinos femininos de saias a malhas. Ampliando o subliminar apelo sensorial através dos efeitos de luzes, ora vazadas ora focais, sublinhando com cores os detalhes em relevo branco do painel, no entremeio de expansiva sonoridade acústica nas composições executadas, da expressividade dos acordes bachianos à dinâmica rítmica dos sons grunge/roqueiros. Onde há que se referenciar a participação no formato de um quinteto dos notáveis instrumentistas, a saber - Erika Ribeiro (piano), Samuel Passos (viola), Nikolay Spoundjiev (violino), Emília Ivova Valov e Daniel Silva (violoncelos), apresentando-se ora em solos a formações grupais, em posicionamentos cênicos diversificados. Na interatividade com bailarinos da melhor capacitação tecno-artística, caso dos oito do staff da Focus Cia de Dança (Bianca Lopes, Carolina de Sá, Cosme Gregory, Letícia Tavares, Lindemberg Molli, Paloma Tauffer, Yasmin Almeida, Wesley Tavares), além dos convidados especiais (Luísa Vilar e Márcio Jahú). Todos eles mostrando um potencial versatilidade, sob uma atuação conjunta que nunca deixa de relevar aptidões técnicas paralelas à ressonância exterior de uma psicofisicalidade entremeada pela profundidade subjetiva de cada bailarino. Convicta e reveladora para exprimir a envolvência de momentos gestuais catárticos proporcionados pelas incursões, entremeadas com pausas de silêncio, nos Prelúdios, Fugas, Partitas, Contrapontos, Árias e Suítes de Bach. Ou então, induzidos pela energia de passos mais agitados e desinibidos das composições roqueiras de Kurt Cobain para o Nirvana, numa entrega de sua corporeidade gestual freestyle ao balanço contagiante do quase frenesi de uma disco dance. Aliás, há que se lembrar da contribuição histórica do bailarino Tony (Anthony Hodgkinson) para a pulsão dançante do Nirvana o que fez da banda um tema inspirador para coreografias contemporâneos, como é o caso, aqui, da releitura inovadora de Alex Neoral para clássicos temas da banda. Nesta sua obra De Bach a Nirvana sabendo como imprimir um descortinador elo entre duas épocas, da dança à música, do sugestionamento etéreo do barroco à alegria feérica do rock, em espetáculo retrospectivo com obras aplaudidas antes (Um a Um e Interpret) em circuito internacional (Lyon/França e Montreal/Canadá). O que, nesta sua última apresentação, acaba por contribuir, não só para o incentivo a uma vinculação maior entre linguagens artísticas diversas, visando tanto o alcance do público habitual de performances coreográficos, como a conquista daqueles aficionados exclusivos da música em salas de concerto. Fazendo, assim, com que se encerre a temporada carioca 2024 de dança contemporânea com uma meta espetáculo, ao mesmo tempo, enunciador, reflexivo e provocante, na sua abertura de perspectivas para a arte coreográfica sob moldes brasileiros...
Wagner Corrêa de Araújo De Bach a Nirvana/Focus Cia de Dança. Sala Cecília Meirelles. Numa breve temporada, entre quinta e sábado, de 12 a 14 de dezembro
FROM BACH TO NIRVANA/FOCUS DANCE COMPANY: REFINED CHOREOGRAPHIC DIALOGUE BETWEEN BAROQUE MUSIC AND GRUNGE ROCK
Focus Cia de Dança / De Bach a Nirvana. Alex Neoral/Direction/Choreography. December 2024. Dan Coelho/Manu Tasca/Photos.
From Bach to Nirvana with Focus Cia de Dança, one of the most respected in the contemporary Brazilian panorama, with reflections across borders, and always under the conceptional/choreographic direction of Alex Neoral, it promotes a timeless dialogue between the harmonic richness of Johann Sebastian Bach's baroque music and the energetic fluidity of Kurt Cobain's grunge rock and his band Nirvana. And it is this aesthetic integration between exceptional concert performers and qualitative dancers that makes this meeting of the technical skills of each of these artists, a show both capable of fitting into the Sala em Movimento project of the Sala Cecilia Meirelles itself, as well as in its possible stylistic conceptualization of Choreographic Recital. In which the space of a traditional concert stage is transmuted into a dialectical meeting of classical music, rock, and contemporary dance, including the plasticity of its recently restored architectural elements, from the beautiful front modernist panel to the participatory interventions of the dancers, from the scenic box to the audience. Initialized with a more everyday outfit, alternative in its second part in the variations of bare male pectorals and female costumes from skirts to knitwear. Focus-Cia-de-Dança_©️Manu-Tasca Expanding the subliminal sensory appeal through the effects of lights, sometimes hollow and sometimes focal, underlining with colors the white relief details of the panel, in the midst of expansive acoustic sonority in the compositions performed, from the expressiveness of the Bachian chords to the rhythmic dynamics of the grunge/rocker sounds. Where it is worth mentioning the participation in the format of a quintet of notable instrumentalists, namely - Erika Ribeiro (piano), Samuel Passos (viola), Nikolay Spoundjiev (violin), Emília Ivova Valov and Daniel Silva (cellos), performing sometimes in solos to group formations, in diversified scenic positions. In the interactivity with dancers of the best techno-artistic training, such as the eight staff of Focus Cia de Dança (Bianca Lopes, Carolina de Sá, Cosme Gregory, Letícia Tavares, Lindemberg Molli, Paloma Tauffer, Yasmin Almeida, Wesley Tavares), in addition to the special guests (Luísa Vilar and Márcio Jahú). All of them show a potential versatility, under a joint performance that never fails to reveal technical skills parallel to the external resonance of a psychophysicality interspersed with the subjective depth of each dancer. Convinced and revealing to express the involvement of cathartic gestural moments provided by the incursions, interspersed with pauses of silence, in Bach's Preludes, Fugues, Partitas, Counterpoints, Arias and Suites. Or else, induced by the energy of more agitated and uninhibited steps of Kurt Cobain's rock compositions for Nirvana, in a surrender of his freestyle gestural corporeality to the contagious swing of the almost frenzy of a disco dance. By the way, it is worth remembering the historical contribution of dancer Tony (Anthony Hodgkinson) to Nirvana's dancing drive, which made the band an inspiring theme for contemporary choreographies, as is the case, here, of Alex Neoral's innovative reinterpretation of the band's classic themes. In his work From Bach to Nirvana knowing how to imprint an unveiling link between two eras, from dance to music, from the ethereal suggestion of the baroque to the fairy joy of rock, in a retrospective show with works applauded before (Um a Um and Interpret) on the international circuit (Lyon/France and Montreal/Canada). Which, in this last presentation, ends up contributing, not only to the encouragement of a greater link between different artistic languages, aiming both at reaching the usual audience of choreographic performances, but also at conquering those exclusive music aficionados in concert halls. Thus, making the 2024 Rio de Janeiro season of contemporary dance close with a meta spectacle, at the same time, enunciating, reflective and provocative, in its opening of perspectives for choreographic art under Brazilian molds...
Focus-Cia-de-Dança6_©️Do-Phan-Hoi
Wagner Corrêa de Araújo From Bach to Nirvana/Focus Cia de Dança. Cecília Meirelles Room. In a brief season, between Thursday and Saturday, from December 12 to 14
GAVESTON & EDUARDO / RENATO VIEIRA CIA DE DANÇA : RELEITURA DE UM TEMA MEDIEVAL COM O OLHAR ARMADO NA CONTEMPORANEIDADE
Gaveston & Eduardo/Renato Vieira Cia de Dança. Renato Vieira/Coreografia/Direção Concepcional. Novembro/2024. Robert Schwenk / Fotos.
O poeta e dramaturgo inglês Christopher Marlowe abordou em sua peça Eduardo II, no ano 1590 da era elizabetana, o polêmico relacionamento amoroso entre o rei Eduardo e Piers Gaveston, um conde tornado o favorito de sua corte londrina medieval, desafiando todos os preconceitos religiosos e morais da época relativos às ligações homoeróticas. Mas só no século XX a peça despertou novamente a atenção, desde a versão teatral, imprimida por Bertold Brecht, à transposição cinematográfica de Derek Jarman, em 1991, seguida da primeira adaptação para a cena coreográfica por David Bintley, atendendo a uma solicitação de Márcia Haydée para o repertório do Stuttgart Ballet, em 1995. Tendo sido possivel, depois de tempos difíceis, tanto o filme como o balé, graças à onda libertária no entorno da livre identificação sexual nos anos 70/80 embora, na década seguinte, já se sentisse o enfrentamento da avassaladora epidemia da AIDS, o que acabou, inclusive, vitimando o cineasta inglês e reativando a pulsão homofóbica. Tanto o enredo do filme como o do balé, na busca do alcance de uma linguagem comprometida com a atualidade, equilibrando-se entre duas épocas para focalizar uma resistência quase milenar contra os desejos homoeróticos e também para ecoar os anseios de uma acirrada luta continuada, nos dias de hoje, pelo esforço e tomada de posição da comunidade LGBTQIA contra este fluxo repressor. Nos palcos cariocas, o diretor Moacyr Goes chegou a encenar a peça com fidelização ao texto dramatúrgico original, pela tradução de Barbara Heliodora, sendo a concepção da Renato Vieira Cia de Dança mais ousada em sua formatação como um teatro coreográfico, sabendo como conectar-se com uma temporalidade ancestral, sempre retomada à luz de uma presencial contemporaneidade. Sob este direcionamento inventivo, o empenho do coreógrafo Renato Vieira sugestionando em paralelo, na sua livre concepção textual e direcional (com pareceria de Bruno Cezario), os conflitos da corte medieval presidida por Edward II e a rainha Isabella, de origem francesa, diante da prevalência de sua irrestrita paixão por Gaveston. Com destaques performáticos na protagonização do rei (Higor Campagnaro) como do cortesão alçado a conde (Bruno Cezário), além da rainha (Monica Burity) e seu comparsa/conspirador General Mortimer (Felipe Padilha), mais o Bispo (Rafael Gomes) e a alternância de outros personagens por Hugo Lopes. Num elenco sustentado por uma coesiva potencialidade no desempenho energizado e qualitativo como atores/bailarinos, dando vazão a uma corporeidade gestual que estabelece uma imediata conexão emotiva espaço arena-platéia, ampliada pelos vibrantes solos autorais (cello e guitarra) de Rafael Kalil e Daniel Drummond. Que se completam por citações de antológicos temas roqueiros, indo dos Rolling Stones, Pink Floyd e AC/DC às sonoridades pop/dançantes de Tracy Chapman. O que traz um diferencial da versão de David Bintley para o Stutttgart Ballet, mais à base de canticos medievais e música sinfônica contemporânea. E se estende também a um atemporal sustento cenográfico (Adriana Lima) usando um decor com sutil sotaque gótico na cortina frontal de apliques dourados, na coroa e nos tronos reais. Confrontando-se com figurinos (Bruno Cezario) marcados por tonalidades cotidianas ao lado de sensualizados corpos desnudos, acentuados por vazados ou focais efeitos luminares (Eduardo Dantas Careca). Onde, diante de um ascendente retrocesso conservador promovido pelo nosso último (des) governo, tanto na cultura como no comportamento político/social, fica ressaltada a importância de criações coreográficas com este teor denunciativo e questionador como é o caso de Gaveston & Eduardo, incluindo-se, aqui, algumas instantâneas e oportunas verbalizações dramatúrgicas. Em mais uma luminosa iniciativa da Renato Vieira Cia de Dança que, após um longo período sem apresentar um espetáculo inédito completo, com sentida ausência a partir do surto da Covid 19, está de volta, abrindo novas perspectivas estético/temáticas na dança contemporânea para deleite lúdico-reflexivo do universo coreográfico brasileiro...
Wagner Corrêa de Araújo Gaveston & Eduardo, com a Renato Vieira Cia de Dança, esteve em cartaz no Espaço Sesc/Arena/Copacabana/RJ, em duas semanas de novembro, com previsão para novas temporadas.
GAVESTON & EDUARDO / RENATO VIEIRA CIA DE DANÇA: REINTERPRETATION OF A MEDIEVAL THEME WITH AN ARMED GAZE IN CONTEMPORANEITY
Gaveston & Eduardo/Renato Vieira Dance Company. Renato Vieira/Choreography/Conceptional Direction. November/2024. Robert Schwenk / Photos.
The English poet and playwright Christopher Marlowe addressed in his play Edward II, in the year 1590 of the Elizabethan era, the controversial love relationship between King Edward and Piers Gaveston, an earl who became a favorite of his medieval London court, challenging all the religious and moral prejudices of the time regarding homoerotic liaisons. But it was only in the twentieth century that the piece aroused attention again, from the theatrical version, printed by Bertolt Brecht, to the cinematographic transposition by Derek Jarman, in 1991, followed by the first adaptation for the choreographic scene by David Bintley, in response to a request from Márcia Haydée for the repertoire of the Stuttgart Ballet, in 1995. It was possible, after difficult times, both the film and the ballet, thanks to the libertarian wave around free sexual identification in the 70s and 80s, although, in the following decade, the confrontation of the overwhelming AIDS epidemic was already felt, which ended up victimizing the English filmmaker and reactivating the homophobic drive. Both the plot of the film and that of the ballet, in the search for the reach of a language committed to the present, balancing between two eras to focus on an almost millennial resistance against homoerotic desires and also to echo the yearnings of a fierce continuous struggle, nowadays, for the effort and position of the LGBTQIA community against this repressive flow. On the stages of Rio de Janeiro, director Moacyr Goes even staged the play with fidelity to the original dramaturgical text, by the translation of Barbara Heliodora, being the conception of Renato Vieira Cia de Dança more daring in its formatting as a choreographic theater, knowing how to connect with an ancestral temporality, always resumed in the light of a face-to-face contemporaneity. Under this inventive direction, the effort of the choreographer Renato Vieira suggesting, in parallel, in his free textual and directional conception (with the partnership of Bruno Cezario), the conflicts of the medieval court presided over by Edward II and Queen Isabella, of French origin, in the face of the prevalence of his unrestricted passion for Gaveston. With performative highlights in the protagonist of the king (Higor Campagnaro) as well as the courtier elevated to count (Bruno Cezário), in addition to the queen (Monica Burity) and her accomplice/conspirator General Mortimer (Felipe Padilha), plus the Bishop (Rafael Gomes) and the alternation of other characters by Hugo Lopes. In a cast sustained by a cohesive potentiality in energized and qualitative performance as actors/dancers, giving vent to a gestural corporeality that establishes an immediate emotional connection between the arena-audience space, amplified by the vibrant authorial solos (cello and guitar) of Rafael Kalil and Daniel Drummond. Which are completed by quotes from anthological rock themes, ranging from the Rolling Stones, Pink Floyd, and AC/DC to the pop/dance sounds of Tracy Chapman. This brings a difference from David Bintley's version for the Stutttgart Ballet, more based on medieval chants and contemporary symphonic music. And it also extends to a timeless scenographic sustenance (Adriana Lima) using a décor with a subtle gothic accent on the front curtain of golden appliqués, the crown, and the royal thrones. Confronting himself with costumes (Bruno Cezario) marked by everyday tonalities alongside sensualized naked bodies, accentuated by hollow or focal luminary effects (Eduardo Dantas Careca). Where, in the face of an ascendant conservative regression promoted by our last (mis)government, both in culture and in political/social behavior, the importance of choreographic creations with this denunciatory and questioning content is highlighted, as is the case of Gaveston & Eduardo, including, here, some instantaneous and timely dramaturgical verbalizations. In yet another luminous initiative of Renato Vieira Cia de Dança which, after a long period without presenting a completely new show, with a felt absence from the Covid 19 outbreak, is back, opening new aesthetic/thematic perspectives in contemporary dance for the playful-reflective delight of the Brazilian choreographic universe...
Wagner Corrêa de Araújo Gaveston & Eduardo, with Renato Vieira Cia de Dança, was on display at Espaço Sesc/Arena/Copacabana/RJ, in two weeks of November, with new seasons planned.
SACRO : EM COMPASSO EXTÁTICO, CONECTANDO O CORPO À TERRA E AO CÉU
Sacro. Márcio Cunha, concepção coreográfica. Agosto 2022. Fotos/Carol Pires.
Sacro reestreia em segunda temporada, com uma outra releitura, de 14 a 01 de dezembro, quinta a domingo, às 19hs, no Teatro Cacilda Becker/RJ. “Estamos vivos em 2024 e isso é muita coisa. Estamos todos conectados pelo ar, pelo chão e pelo som ao nosso redor. Vivemos em um país em que seguir fazendo dança é um ato de extrema coragem e amor”. Dando vazão a estas palavras tão necessárias a um tempo em que são cada vez mais recorrentes os ataques à necessária conexão entre a arte, o homem e a terra, a performer, bailarina e terapeuta Micheline Torres inspirou o ideário dramatúrgico da mais nova criação coreográfica de Márcio Cunha. Titulado simbolicamente como Sacro, este espetáculo de dança-teatro também faz eco a um vínculo sagrado entre o corpo e a natureza numa transcendência gravitacional com as energias cósmicas através de sua representação performática. Na busca da empatia coreográfica correspondente ao que o filósofo Merleau-Ponty chama de fenomenologia da percepção capaz, assim, de possibilitar o "entrelace sinestésico" ou troca sensorial entre o artista/bailarino e o espectador. Dando ainda eco a uma propensão coreográfica de busca inventiva do movimento natural que estabeleça um despertar psicofísico entre a ambiência da natureza e a interioridade humana. Que vem desde a sua precursora/visionária Isadora Duncan, passando por nomes da dança pós-moderna, até chegar a contemporâneos como o anglo/paquistanês, Akram Khan. Márcio Cunha é um dos mais contumazes adeptos desta tendência, exemplarmente mostrada em suas últimas criações cênicas como Rosário (2018) e Barro (2019), além de outras de experimentalismo virtual para tempos pandêmicos e, agora, neste Sacro em sua volta ao palco presencial. Tornando prevalente seu conceitual estético e coreográfico no entorno do cósmico encontro do homem com os elementos orgânicos, numa dança na e pela natureza. Diferencial apenas por sua não participação, como de hábito, no papel de performer protagonista/bailarino solo. Mas acumulando um tríplice ofício artístico por sua concepção, direção e ambientação cênica, tendo como intérpretes reconhecidas personalidades da dança contemporânea brasileira, integrantes de uma geração potencial de coreógrafos/bailarinos, a saber Denise Stutz, Frederico Paredes e Giselda Fernandes. Situados espacialmente em envolvente concepção cenográfica (Márcio Cunha) com cadeiras formatadas como galhos de arvores, na plasticidade de uma instalação paisagística sugestionando elementos ambientais, ressaltados em variações luminares (Juca Baracho). Portando os bailarinos uma indumentária cotidiana em tonalidades de predominâncias claras, por Karlla de Luca. Sob uma trilha incidental (Leonardo Miranda) à base de acordes fragmentários que vão de solos instrumentais, como uma original transcrição para flautim do hino nacional, a instantâneos trechos de Bach ou de cantos de terreiro. Entremeados pela prevalência de sonoridades florestais, ruídos de ventos, chuvas e cantos de pássaros. O gestual dos bailarinos, ora expressando a vivência lúdica/sensorial de questões ecológicas ora mergulhando na interioridade do eu, numa autodescoberta palpável da conexão física e espiritual com si mesmo e com a natureza. Do dançar inicializado em círculo tridimensional, três bailarinos como um só corpo, empenhados na abertura de portas metafísicas sob posturas meditativas ou energizadas no acionamento das tensões em movimentos mais bruscos. Ao lado de uma mascaração facial teatralizada entre intuitivas manifestações de alegria ou de dor, no desafio dos enigmas do Sacro e diante do difícil suporte da condição humana e sua corporeidade terminal transmutada em parte orgânica do solo. Integralizando emotivamente o que se poderia denominar de uma “biomimética” coreográfica nesta dança do Ser com a Terra. Numa pulsão transcendente capaz de remeter ao emblemático ideário de Martha Graham no acreditar que onde quer que um bailarino pise é solo sagrado...
Wagner Corrêa de Araújo Sacro reestreia em segunda temporada, com uma outra releitura, de 14 a 01 de dezembro, quinta a comingo, às 19hs, no Teatro Cacilda Becker/RJ.
SACRUM : IN ECSTATIC COMPASS, CONNECTING THE BODY TO THE EARTH AND THE SKY
Sacrum. Márcio Cunha, choreographic conception. August 2022. Photos/Carol Pires.
Sacro re-premieres in a second season, with another reinterpretation, from December 14 to 1, Thursday to Sunday, at 7 pm, at Teatro Cacilda Becker/RJ. "We are alive in 2024 and that is a lot. We are all connected by the air, the ground, and the sound around us. We live in a country where continuing to dance is an act of extreme courage and love." Giving vent to these words so necessary at a time when attacks on the necessary connection between art, man and the earth are increasingly recurrent, the performer, dancer and therapist Micheline Torres inspired the dramaturgical ideas of Márcio Cunha's newest choreographic creation. Symbolically titled Sacred, this dance-theater show also echoes a sacred link between the body and nature in a gravitational transcendence with cosmic energies through its performative representation. In the search for choreographic empathy corresponding to what the philosopher Merleau-Ponty calls the phenomenology of perception thus capable of enabling the "synesthetic interlacing" or sensory exchange between the artist/dancer and the spectator. It also echoes a choreographic propensity for the inventive search for natural movement that establishes a psychophysical awakening between the ambience of nature and human interiority. Which comes from his precursor/visionary Isadora Duncan, through names in postmodern dance, to contemporaries such as the Anglo/Pakistani, Akram Khan. Márcio Cunha is one of the most stubborn supporters of this trend, exemplarily shown in his latest scenic creations such as Rosário (2018) and Barro (2019), in addition to others of virtual experimentalism for pandemic times and now, in this Sacro in his return to the face-to-face stage. Making its aesthetic and choreographic conceptual prevalent in the surroundings of the cosmic encounter of man with the organic elements, in a dance in and by nature. Differential only by his non-participation, as usual, in the role of protagonist performer/solo dancer. But accumulating a triple artistic craft for its conception, direction, and scenic setting, having as interpreters recognized personalities of Brazilian contemporary dance, members of a potential generation of choreographers/dancers, namely Denise Stutz, Frederico Paredes and Giselda Fernandes. Spatially situated in an enveloping scenographic conception (Márcio Cunha) with chairs formatted like tree branches, in the plasticity of a landscape installation suggesting environmental elements, highlighted in luminary variations (Juca Baracho). Wearing the dancers an everyday outfit in shades of light predominance, by Karlla de Luca. Under an incidental soundtrack (Leonardo Miranda) based on fragmentary chords ranging from instrumental solos, such as an original piccolo transcription of the national anthem, to instantaneous excerpts from Bach or terreiro songs. Interspersed with the prevalence of forest sounds, wind noises, rains, and bird songs. The dancers' gestures, sometimes expressing the playful/sensorial experience of ecological issues, sometimes diving into the interiority of the self, in a palpable self-discovery of the physical and spiritual connection with oneself and with nature. From the dance initiated in a three-dimensional circle, three dancers as one body, engaged in the opening of metaphysical doors under meditative postures or energized in the activation of tensions in more abrupt movements. Alongside a theatrical facial mask between intuitive manifestations of joy or pain, in the challenge of the enigmas of the Sacred and in the face of the difficult support of the human condition and its terminal corporeality transmuted into an organic part of the soil. Emotionally integrating what could be called a choreographic "biomimicry" in this dance of Being with the Earth. In a transcendent drive capable of referring to the emblematic ideas of Martha Graham in believing that wherever a dancer steps is sacred ground...
Wagner Corrêa de Araújo Sacro re-premieres in a second season, with another reinterpretation, from December 14 to 1, Thursday to 7 pm, at Teatro Cacilda Becker/RJ.
LA FILLE MAL GARDÉE / BTM : ENVOLVENTE PANTOMIMA E CLASSICISMO PASTORAL NA RECONSTITUIÇÃO COREOGRÁFICA DE RICARDO ALFONSO
La Fille Mal Gardée. BTM/RJ. Ricardo Alfonso/Concepção Coreográfica. Agosto/2024. Fotos/Daniel Ebendinger. Videos/Daniel A. Rodrigues
No primeiro dia de julho, 1789, quase às vésperas da Revolução Francesa estreava em Bordeaux - La Fille Mal Gardée - que trazia um novo conceitual coreográfico por Jean Dauberval, sem príncipes e deuses mitológicos, com sua inspiração em temas e canções populares. E que, na trajetória histórica do repertório de balé clássico, acabou considerado um marco sinalizador. Ambientada no clima pastoril da propriedade rural da viúva Simone e sua filha Lise, onde seus personagens são camponeses e a trama idílica mostra a atração dela pelo lavrador Colas, indo na contramão do desejo de sua mãe em vê-la casada com o ingênuo Alain, filho de um rico fazendeiro. Espalhando-se, sequencialmente, por outros palcos e países antes de chegar à Ópera de Paris, na releitura musical de 1828, por Ferdinand Hérold que se tornaria, a partir daí, a partitura definitiva. Embora seguida por diferenciais versões coreográficas, entre as quais a de maior perenidade e representações, deve-se a Frederick Ashton, no Royal Ballet, em 1960. E é esta concepção que vem sugestionando, em suas linhas básicas, praticamente todas as remontagens deste balé, mesmo a do coreógrafo suiço Heinz Spoerli, que ele titula de nova versão, em 1981, e onde as revisões ocorrem mais em sua partitura original. Enquanto a direção concepcional/coreográfica do uruguaio Ricardo Alfonso, estreada em dezembro de 2023, e que é mostrada, agora, pelo Balé do Theatro Municipal carioca, continua mais próxima daquela de Frederick Ashton. Ricardo Alfonso integra o naipe de uma nova e reveladora geração coreográfica nos países da America Latina, tendo já uma vasta trajetória de obras suas, entre o repertório clássico e contemporâneo, com uma identidade autoral bem singularizada, entre a fidelidade à tradição e o espírito inovador. É o que ele demonstra muito bem neste seu olhar no entorno de La Fille Mal Gardée, imprimindo charme e simpatia à rusticidade natural de personagens campônios. Ao mesmo tempo em que enfatiza uma bem-humorada pantomima à burlesca representação da viúva Simone, sob a carismática teatralidade mimética do bailarino Edifranc Alves. Na continuidade do alcance de um brilho performático, o protagonismo dúplice de Cicero Gomes como Colas e de Márcia Jaqueline como Lise, o jovem casal em seu embate afirmativo de um amor recíproco, é o outro destaque absoluto pela química técnica e interpretativa nestes personagens. Cicero Gomes exorbitando, como de hábito em reconhecido virtuosismo, nos seus contagiantes solos entre jetés e piruetas. Ao lado de Márcia Jaqueline que completa vinte anos de estreia neste papel e que, cada vez, mais exerce fascínio por sua instintiva graça e seu refinado porte de uma primeira bailarina. Ambos, enfim, com altos dotes qualitativos tanto na demonstração de uma convicta pirotecnia, como na sua entrega a um timing cômico, das expressões faciais ao gestualismo na corporeidade. O que os faz completos atores/bailarinos em sintonia com um funcional sustento coreográfico dos outros integrantes do Corpo de Baile. Os figurinos sempre caprichados de Tania Agra destoam de uma cenografia (Manoel dos Santos) meramente convencional, sob luzes vazadas (Paulo Ornellas) com algumas raras variações entre sombras e claros na cena da tempestade no campo. O artesanal empenho da conduta do maestro Silvio Viegas frente à OSTM ressalta bem a leveza romântica e um caracter prevalente de allegros quase marciais, em energizados temas musicais, entremados por subliminares fraseados rossinianos. Valendo, antes de tudo, registrar o quanto é fundamental este intercâmbio com outras visões coreográficas, promovido por bela iniciativa do comando e supervisão artística (Hélio Bejani e Jorge Teixeira) do Balé do TM/RJ. Tal como a representividade do convite ao uruguaio Ricardo Alfonso, além de brasileiros como Ricardo Amarante, com coreografias suas idealizadas para a Cia Colombiana de Ballet que chegaram também ao palco do Municipal. Onde este acervo de criações voltadas às companhias latino - americanas, incluído o Brasil, possa reafirmar o potencial e o maior reconhecimento de um precioso panorama coreográfico destes países, mote de uma importante série de análises da conceituada crítica argentina Fatima Nollen (radicada em Londres) para a secular revista inglesa Dancing Times Magazine...
La Fille Mal Gardée/BTM está em temporada no Theatro Municipal/RJ, desde o dia 15/08, com alternância nos elencos, até o próximo domingo, 25 de agosto, em horários diversos.
LA FILLE MAL GARDÉE / BTM: ENGAGING PANTOMIME AND PASTORAL CLASSICISM IN RICARDO ALFONSO'S CHOREOGRAPHIC RECONSTITUTION
La Fille Mal Gardée. BTM/RJ. Ricardo Alfonso/Choreographic Conception. August/2024. Photos/Daniel Ebendinger. Videos/ Daniel A. Rodrigues
On the first day of July 1789, almost on the eve of the French Revolution, La Fille Mal Gardée premiered in Bordeaux, which brought a new choreographic concept by Jean Dauberval, without princes and mythological gods, with its inspiration in popular themes and songs. And that, in the historical trajectory of the classical ballet repertoire, ended up being considered a signpost. Set in the pastoral atmosphere of the rural property of widow Simone and her daughter Lise, where the characters are peasants and the idyllic plot shows Lise’s attraction to the farmer Colas, going against her mother's desire to see her married to the naïve Alain, son of a rich farmer. Spreading, sequentially, to other stages and countries before reaching the Paris Opera, in the musical reinterpretation of 1828, by Ferdinand Hérold, which would become, from then on, the definitive score. Although followed by differential choreographic versions, including the one with greater perenniality and representations, it is due to Frederick Ashton, at the Royal Ballet, in 1960. And it is this conception that has been suggesting, in its basic lines, practically all the re-stagings of this ballet, even that of the Swiss choreographer Heinz Spoerli, which he titled a new version, in 1981, and where the revisions occur more in its original score. While the conceptional/choreographic direction of Uruguayan Ricardo Alfonso, premiered in December 2023, and which is now shown by the Ballet of the Municipal Theater of Rio de Janeiro, remains closer to that of Frederick Ashton. Ricardo Alfonso is part of a new and revealing choreographic generation in Latin American countries, having already a vast trajectory of his works, between the classical and contemporary repertoire, with a very unique authorial identity, between fidelity to tradition and innovative spirit. This is what he demonstrates very well in his look at the surroundings of La Fille Mal Gardée, imprinting charm and sympathy to the natural rusticity of peasant characters. At the same time, it emphasizes a humorous pantomime to the burlesque representation of the widow Simone, under the charismatic mimetic theatricality of the dancer Edifranc Alves. In the continuity of the achievement of a performative brilliance, the double protagonism of Cicero Gomes as Colas and Márcia Jaqueline as Lise, the young couple in their affirmative clash of reciprocal love, is the other absolute highlight for the technical and interpretative chemistry in these characters. Cicero Gomes exorbitating, as usual in recognized virtuosity, in his contagious solos between jetés and pirouettes. Alongside Márcia Jaqueline, who completes twenty years of debut in this role and who, more and more, is fascinated by her instinctive grace and her refined bearing of a prima ballerina. Both, finally, with high qualitative gifts both in the demonstration of a convinced pyrotechnics, and in their surrender to a comic timing, from facial expressions to gestures in corporeality. Which makes them complete actors/dancers in tune with a functional choreographic sustenance of the other members of the Corps de Ballet. Tania Agra's always neat costumes clash with a merely conventional scenography (Manoel dos Santos), under hollow lights (Paulo Ornellas) with some rare variations between shadows and light in the scene of the storm in the field. The artisanal commitment of maestro Silvio Viegas' conduct in front of the OSTM highlights well the romantic lightness and a prevalent character of almost martial allegos, in energized musical themes, interspersed with subliminal Rossinian phrasing. It is worthwhile, first of all, to register how fundamental this exchange with other choreographic visions is, promoted by a beautiful initiative of the command and artistic supervision (Hélio Bejani and Jorge Teixeira) of the TM/RJ Ballet. As well as the representativeness of the invitation to Uruguayan Ricardo Alfonso, as well as Brazilians such as Ricardo Amarante, with his choreographies idealized for the Colombian Ballet Company that also reached the stage of the Municipal. Where this collection of creations aimed at Latin American companies, including Brazil, can reaffirm the potential and greater recognition of a precious choreographic panorama of these countries, the motto of an important series of analyses by the renowned Argentine critic Fatima Nollen (based in London) for the secular English magazine Dancing Times Magazine...
La Fille Mal Gardée/BTM is in season at Theatro Municipal/RJ, from 08/15, with alternation in the casts, until next Sunday, August 25, at different times.
BOCA DO MUNDO : CELEBRAÇÃO RITUALÍSTICA DA CORPOREIDADE, NUM COMPASSO DE AFRO BRASILIDADE
Boca do Mundo no Futuros em alta Foto Carol Pires 80 leve
Boca do Mundo é a mais recente incursão do artista plástico, performer atoral e bailarino Márcio Cunha. E que também tem, agora, sua diferencial trajetória artística e processo criador decifrados no envolvente doc filme de Guto Neto titulado Impermanência. Desde o incisivo teor inventivo de seu tríptico inspirado na obra de Frida Kahlo, Jean-Michel Basquiat e Arthur Bispo do Rosário, a Márcio Cunha Dança Contemporânea vem imprimindo uma original conexão estética em suas criações estabelecendo liames entre a coreografia, a performance teatral e as instalações plásticas. Boca do Mundo no Futuros em alta Foto Carol Pires Continuadas em potenciais concepções conceituais como foi o caso de Barro, sob a manipulação em cena deste material geológico - o que me fez lembrar a artista e ceramista Celeida Tostes em uma de suas viscerais propostas ao vivo – “Cobri meu corpo de barro e fui / Entrei no bojo do escuro/ventre da terra”. Ambos despojando-se, através desta ação de um teatro-dança, de sua natural fisicalidade direcionando-se a uma transmutação metafórica em formas escultóricas primitivas, incorporando o ser e o não ser ancestral, céu e terra, com um olhar no futuro. Enquanto em Basquiat, impulsionando um ser revolto com acordes hip hop e jazzísticos entremeadas por black spirituals, ele sugestiona um espaço mágico preenchido por referências plásticas, integrando em sua psicofisicalidade “um jovem artista negro num mundo de arte branco”. E no caso de Rosário reinventando num sotaque com traços subliminares de Artaud a Pina Bausch, outro artista - este brasileiro - sob o signo da marginalidade, na sua corporificação de um refém da alienação, completada na participação inclusiva – física e vocal - de um dos ex-internos dos tempos da Colônia Juliano Moreira. Mostrando um dos caracteres mais marcantes do ideário de luta poliideológica de Marcio Cunha que é seu sensorial apelo por uma inserção composicional entre o corpo e a natureza, em época de tanto descaso pela preservação de nossas reservas biológicas e florestais, surge Sacro. Boca do Mundo no Futuros em alta Foto Carol Pires Onde o múltiplo artista, outra vez próximo de uma proposta de dança-teatro, faz apenas a direção concepcional, coreográfica e cenográfica, no simbolismo do risco de uma catástrofe ambiental através de galhos secos. E na performance trazendo nomes referenciais da dança brasileira de hoje (Denise Stutz, Frederico Paredes e Giselda Fernandes). Para, depois do tributo ao seu pai Mestre de Capoeira (de quem aprendeu este ofício), em Pipoca, apresentar seu mais recente espetáculo Boca do Mundo. Aqui voltando à caixa cênica, pela ambientação a partir de materiais elucidativos da tradição popular ritualística do universo dos terreiros, das rodas de capoeira e do culto a personagens do Candomblé, como Exu e os Orixás. E por sua energizada atuação, ao lado de uma também vigorosa performer/bailarina Carla Stank, ambos entregues a um convicto jogo cênico vivo de espontâneo gestualismo, por vezes caracterizado por injunções poéticas, ou então por uma duplice imersão brincante na autenticidade popular da capoeiragem. Ampliado na mascaração com referenciais figurativos da tradição dos ritos originários de uma aculturação de crenças afro-brasileiras, sempre dimensionadas pela adequação sonora de ritmos percussivos típicos. E pela figuração de um expressionismo entre o burlesco, o histrionismo gestual e o terrir de bocas escancaradas e olhares esbugalhados. Sem nunca quebrar a pulsão imaginária de um artesanal manipulador de variadas linguagens inventivas que, entre o lúdico e o reflexivo evoca o desafio da Impermanência (no tão a propósito nome do esclarecedor filme de Guto Neto) da condição humana, no seu eterno conflito entre as alegrias e os desafetos da vida e sua finitude. Como se a visão fílmica da inspiradora trajetória da Márcio Cunha Dança Contemporânea fizesse ecoar, também, em suas manifestações estéticas da corporeidade, o emblemático grito de Frida Kahlo : “Meu corpo carrega em si todas as dores do mundo”...
Boca do Mundo no Futuros em alta Foto Carol Pires
Wagner Corrêa de Araújo Boca do Mundo/Marcio Cunha Dança Contemporanea faz curta temporada no Teatro da UFF/Niterói, dias 17 e 18, às 19h; sábado, 19/07, às 20h. Impermanência, filme de Guto Neto, será exibido na Mostra Cavideo, terça 22 de julho, às 21hs, no Estação Net Rio/Botafogo.
Video: By Guto Neto
MOUTH OF THE WORLD: RITUALISTIC CELEBRATION OF CORPOREALITY, IN A RHYTHM OF AFRO-BRAZILIANNESS
Bocado Mundo no Futuros em alta Foto Carol Pires
Boca do Mundo is the most recent incursion by the artist, actor performer and dancer Márcio Cunha. And which also now has its differential artistic trajectory and creative process deciphered in the engaging doc film by Guto Neto entitled Impermanence. From the incisive inventive content of its triptych inspired by the work of Frida Kahlo, Jean-Michel Basquiat and Arthur Bispo do Rosário, Márcio Cunha Contemporary Dance has been imprinting an original aesthetic connection in its creations, establishing links between choreography, theatrical performance, and plastic installations. Boca do Mundo no Futuros em alta Foto Carol Pires Continued in potential conceptual conceptions as was the case of Barro, under the manipulation on stage of this geological material - which reminded me of the artist and ceramist Celeida Tostes in one of her visceral live proposals - "I covered my body with clay and went / I entered the bulge of the dark / womb of the earth". Both divesting themselves, through this action of a dance-theater, of their natural physicality, directing themselves to a metaphorical transmutation into primitive sculptural forms, incorporating ancestral being and non-being, heaven, and earth, with a look at the future. While in Basquiat, propelling a rebellious being with hip hop and jazzy chords interspersed with black spirituals, he suggests a magical space filled with plastic references, integrating in his psychophysicality "a young black artist in a white art world". And in the case of Rosário reinventing in an accent with subliminal traits from Artaud to Pina Bausch, another artist - this one Brazilian - under the sign of marginality, in his embodiment of a hostage of alienation, completed in the inclusive participation - physical and vocal - of one of the former inmates from the times of the Colony Juliano Moreira. Showing one of the most striking characteristics of Marcio Cunha's ideas of polyideological struggle, which is his sensorial appeal for a compositional insertion between the body and nature, at a time of so much disregard for the preservation of our biological and forest reserves, Sacro emerges. Boca do Mundo no Futuros em alta Foto Carol Pires Where the multiple artist, again close to a dance-theater proposal, does only the conceptional, choreographic and scenographic direction, in the symbolism of the risk of an environmental catastrophe through dry branches. And in the performance bringing reference names of today's Brazilian dance (Denise Stutz, Frederico Paredes and Giselda Fernandes). To, after the tribute to his father Mestre de Capoeira (from whom he learned this craft), in Pipoca, present his most recent show Boca do Mundo. Here returning to the scenic box, for the setting from elucidative materials of the ritualistic popular tradition of the universe of terreiros, capoeira circles and the cult of Candomblé characters, such as Exu and the Orixás. And for his energized performance, alongside an also vigorous performer/dancer Carla Stank, both given over to a convinced live scenic game of spontaneous gesturalism, sometimes characterized by poetic injunctions, or by a double playful immersion in the popular authenticity of capoeiragem. Amplified in the masking with figurative references of the tradition of rites originating from an acculturation of Afro-Brazilian beliefs, always dimensioned by the sound adequacy of typical percussive rhythms. And by the figuration of an expressionism between burlesque, gestural histrionics and the terrir of gaping mouths and bulging looks. Without ever breaking the imaginary drive of an artisanal manipulator of various inventive languages that, between the playful and the reflective, evokes the challenge of the Impermanence (in the so appropriate name of Guto Neto's enlightening film) of the human condition, in its eternal conflict between the joys and disaffections of life and its finitude. As if the filmic vision of the inspiring trajectory of Márcio Cunha Contemporary Dance also echoed, in its aesthetic manifestations of corporeality, the emblematic cry of Frida Kahlo: "My body carries in itself all the pains of the world"...
Wagner Corrêa de Araújo Boca do Mundo/Marcio Cunha Contemporary Dance has a short season at the UFF Theater/Niterói, on the 17th and 18th, at 7 pm; Saturday, 07/19, at 8 pm. Impermanence, a film by Guto Neto, will be screened at Mostra Cavideo, Tuesday, July 22, at 9 pm, at Estação Net Rio/Botafogo.
FOCUS CIA / ENTRE A PELE E A ALMA : NA DECIFRAÇÃO COREOGRÁFICA DO ENIGMÁTICO UNIVERSO DE BOSCH
Entre a Pele e a Alma Focus Cia de Dança crédito Leo Aversa
Há mais de meio milênio a criação artística do holandês Hyeronymus Bosch vem desafiando pelas suas intrigantes criações pictóricas, numa representação de cenas ora bizarras, ora plenas de lascividade, na passagem entre a era medieval e o renascimento. E não é por mero acaso que seu tríptico - O Jardim das Delícias - tornou-se, assim, a maior atração do Museu do Prado (Madrid), seja para espectadores conservadores ou mentes mais libertárias, imergindo todos no provocante fascínio sagrado e profano de sua proposta estética. Caso do coreógrafo Alex Neoral quando, sob a pulsão presencial expressiva desta emblemática pintura, decidiu que ela seria o signo conceitual e propulsor de sua próxima concepção inventiva para a Focus Cia de Dança, titulando a obra, muito a propósito, de Entre o Corpo e a Alma. Entre a Pele e a Alma Focus Cia de Dança crédito Leo Aversa Não reproduzindo meramente o impacto causado pelo painel central, o Jardim das Delícias, ladeado por dois outros mostrando o Inferno e o Paraíso. Mas procurando reinterpretá-los à luz de um olhar visionário que sugestione, através de uma visceral performance dos nove integrantes da Cia, sua permanente conexão com os avanços coreográficos da contemporaneidade. Onde um revelador design cenográfico (Natália Lana), acentuado por potenciais efeitos luminares (Anderson Ratto), priorizando tecidos aquarelados fracionados em tiras frontais móveis, serve às entradas e saídas de elenco numa plasticidade que induzisse à decifração dos mistérios pastorais e eróticos, entre o céu e a terra, o inferno e o paraíso. Em coesiva atuação de uma convicta corporeidade dançante no uso de várias peças indumentárias que, em suas franjas ou por brilhos resplandecentes, remetem a figurinos dos shows de Ney Matogrosso. Cuja trajetória transgressiva, como cantor performático, torna-se, aqui, um elo metafórico com a luxuriosa figuração dos personagens de Bosch. Entre a Pele e a Alma Focus Cia de Dança crédito Leo Aversa Não só através dos caracteres de um sensualizado comportamental cênico/coreográfico dos bailarinos, como pela envolvência poética de uma trilha autoral inédita. Poética e instrumental (Paula Raia e Sacha Amback), ora recitativa, numa voz atoral de Lucinha Lins, ou cantada por Ney Matogrosso, sob instintiva remissão ao diferencial sotaque que o celebrizou. Na concepção do enredo que, sobretudo, levou Alex Neoral a se empenhar no entorno desta sua mais recente criação coreográfica, há a incidência afetiva de alguns fatores que marcaram sua ascensão como um dos nomes mais referenciais da dança em moldes brasileiros. A primeira é o apelo carismático que desde sua infancia foi exercido pelas imagens de um Ney Matogrosso soltando-se no seu espontâneo jeito rebolativo, em exibições televisivas. Completada por uma progressiva carreira como bailarino, coreógrafo, criador e diretor da Focus Cia que agora completa três décadas, sem esquecer que ele foi, sequencialmente, se notabilizando por uma singular linguagem estética / coreográfica. Além de transitar pela brasilidade musical/gestual de suas criações que levaram-no a ser um dos mais solicitados diretores de comissões de frente das escolas de samba cariocas. Fazendo, neste atual espetáculo, um conexo tributo à festa popular das alegrias “pagãs” com o Jardim das Delícias Terrenas. Uma dinâmica energizada sendo imprimida por ele à corporeidade psicofísica dos bailarinos neste ritual celebrativo do prazer dos sentidos, livre da culpa do pecado e longe de uma falsa moralidade apregoada, cada vez mais, pelos fanatismos religiosos. Sabendo, assumidamente, como vivenciar e conciliar o movimento direcionado ao encontro, sem preconceitos, da pureza e da sexualidade, num mundo paradisíaco “Entre a Pele e a Alma”. Ecoando em processo reflexivo-especular nos líricos versos de uma das canções de Paula Raia para a voz luminosa de Ney : “Num gramado infinito / De Lagos azuis / Morangos gigantes / Bichos homens nus / Paraíso invertido / Metade de mim / Frutos proibidos / Delicioso jardim / Todos esculpiam / O pecado com as mãos / A luxúria lasciva e o perdão...” Wagner Corrêa de Araújo
Entre a Pele e a Alma/Focus Cia de Dança estreou no Theatro Municipal/RJ, de sexta 28/06 a domingo, 30 / julho.
FOCUS CIA / BETWEEN THE SKIN AND THE SOUL: IN THE CHOREOGRAPHIC DECIPHERMENT OF BOSCH'S ENIGMATIC UNIVERSE
For more than half a millennium, the artistic creation of the Dutchman Hyeronymus Bosch has been challenging for his intriguing pictorial creations, in a representation of scenes sometimes bizarre, sometimes full of lasciviousness, in the passage between the medieval era and the Renaissance. And it is no coincidence that his triptych - The Garden of Delights - has thus become the Prado Museum's greatest attraction (Madrid), whether for conservative spectators or more libertarian minds, immersing everyone in the provocative sacred and profane fascination of its aesthetic proposal. This is the case of choreographer Alex Neoral when, under the expressive face-to-face impulse of this emblematic painting, he decided that it would be the conceptual and propelling sign of his next inventive conception for Focus Cia de Dança, titling the work, very appropriately, Between the Body and the Soul. Entre a Pele e a Alma Focus Cia de Dança crédito Leo Aversa Not merely reproducing the impact caused by the central panel, the Garden of Delights, flanked by two others showing Hell and Paradise. But seeking to reinterpret them in the light of a visionary look that suggests, through a visceral performance by the nine members of the company, their permanent connection with the choreographic advances of contemporaneity. Where a revealing scenographic design (Natália Lana), accentuated by potential luminary effects (Anderson Ratto), prioritizing watercolor fabrics fractionated in movable front strips, serves the entrances, and exits of the cast in a plasticity that would induce the deciphering of the pastoral and erotic mysteries, between heaven and earth, hell, and paradise. In a cohesive performance of a convinced dancing corporeality in the use of various garments that, on their fringes or by resplendent sparkles, refer to costumes from Ney Matogrosso's shows. His transgressive trajectory, as a performance singer, becomes, here, a metaphorical link with the lustful figuration of Bosch's characters. Not only through the characters of a sensualized scenic/choreographic behavior of the dancers, but also through the poetic involvement of an unprecedented authorial score. Poetic and instrumental (Paula Raia and Sacha Amback), sometimes recitative, in an actorial voice by Lucinha Lins, or sung by Ney Matogrosso, under instinctive reference to the distinctive accent that made him famous. In the conception of the plot that, above all, led Alex Neoral to engage in the surroundings of his most recent choreographic creation, there is the affective incidence of some factors that marked his rise as one of the most referential names in dance in Brazilian molds. The first is the charismatic appeal that since his childhood has been exerted by the images of a Ney Matogrosso letting loose in his spontaneous rolling way, in television exhibitions. Completed by a progressive career as a dancer, choreographer, creator, and director of Focus Cia that now completes three decades, without forgetting that he was, sequentially, notable for a singular aesthetic / choreographic language. In addition to transiting through the musical/gestural Brazilianness of his creations that led him to be one of the most requested directors of front committees of Rio de Janeiro's samba schools. Making, in this current show, a connected tribute to the popular festival of "pagan" joys with the Garden of Earthly Delights. An energized dynamic being imprinted by him on the psychophysical corporeality of the dancers in this ritual celebrating the pleasure of the senses, free from the guilt of sin and far from a false morality proclaimed, more and more, by religious fanaticisms. Knowing, admittedly, how to experience and reconcile the movement directed to the encounter, without prejudice, of purity and sexuality, in a paradisiacal world "Between the Skin and the Soul". Echoing in a reflective-specular process in the lyrical verses of one of Paula Raia's songs for Ney's luminous voice: "On an infinite lawn / Of blue lakes / Giant strawberries / Naked male animals / Inverted paradise / Half of me / Forbidden fruits / Delicious garden / Everyone sculpted / Sin with their hands / Lustful lust and forgiveness..." Wagner Corrêa de Araújo
Entre a Pele e a Alma/Focus Cia de Dança premiered at Theatro Municipal/RJ, from Friday 28/06 to Sunday, 30 / July.
AMAZÔNIA / GRUPO DE DANÇA DC : SOB A SURPRESA DA VOLTA AOS PALCOS DE UMA MEMÓRAVEL CIA CARIOCA
Amazônia / Grupo de Dança DC Photos by Wagner Brum
No final dos anos 80 um grupo de bailarinos solistas do Theatro Municipal/RJ teve a idéia de criar uma Cia de dança voltada para uma linguagem contemporânea conectada à sólida base clássica de seus integrantes. Com o diferencial de sua proposta começando já na própria denominação Grupo de Dança DC – Díssidio Coletivo, com um subliminar significado estético-social. A partir de 1987, desde a sua estuturação tendo como mentor concepcional/coreográfico o conceituado bailarino João Wlamir, o Grupo DC desenvolveu uma vitoriosa trajetória em inúmeras turnês brasileiras que se estenderam a apresentações em palcos e festivais internacionais. Sempre com o aplauso da crítica e o sucesso de público, mais a participação, como convidados em alguns espetáculos, de nomes solistas fundamentais da dança clássica em moldes nacionais, entre outros, Ana Botafogo, Nora Esteves, Cecília Kerche, Auréa Hammerli, Francisco Timbó, Paulo Rodrigues. Desenvolvendo um repertório original que incluía incursões de sotaque neoclássico, releituras de obras contemporâneas e a priorização de temáticas plenas de brasilidade, em criações de grande força como A.M.O.R, Rio 24 Horas, 16 Minutos Depois, esta última inspirada no Bolero de Ravel, para terminar esta sua luminosa viagem pelos caminhos coreográficos nacionalistas com Cores do Brasil, em 2014. E, agora, ao completar dez anos de ausência, na volta aos palcos com a obra inédita AmazôniA, numa tríplice parceria criativa incluindo, além do próprio João Wlamir, Jaime Bernardes e Mônica Barbosa, com bravura e ousadia para enfrentar o desafio de tempos ainda difíceis para captação de patrocínios, especialmente para as artes cênicas. Num valioso empenho pela descoberta de talentos emergentes para integrarem, inicialmente, o novo staff da DC após uma década de sentido interregno. Todos os oito escolhidos, criteriosamente, em processo seletivo, seguindo-se um extensivo período de preparação e ensaios, desde o inicio de 2024. Desta vez, para tornar visível, cênica e gestualmente, uma imersão na ambiência mágica da Amazônia resignificada coreograficamente, como emblemático signo pulmonar do mundo, na vastidão de seu verde florestal e na potencialidade de maior reserva ecológica do planeta Terra. Onde a paisagem cenográfica (Orlando Sérgio) tem um belo alcance na abstrata representação plástica frontal de sua vegetação, ampliando-se na habitual expressividade imprimida pelos efeitos luminares de Paulo César Medeiros. Incidindo sobre a funcional tipicidade da indumentária (João Paulo Bertini), com tons indigenistas, traços de folclorismo nortista e artesania popular. Havendo também a prevalência de sonoridades percussivas na maioria das composições da trilha (Branco Fereira), desde o ritualismo afro-indigenista, acentuado pelas intervenções de um orixá, ao regionalismo musical, com seu referencial de frases dos gêneros carimbó, sertanejo e forró. Além das citações de temas de Bethania, Chico Science e até do Sepultura. Os nove bailarinos, a maioria se destacando na fluidez de sua corporeidade dançante, resultado natural de um elenco recém-formado, sob as exigências maiores ou menores de certos quadros, enquanto alguns demonstram certa insegurança em suas contrações performáticas outros são mais incisivos em sua dramaturgia da fisicalidade. Mas o convicto comando concepcional sem jamais perder a singularidade da proposta de um vocabulário do movimento figurando situações sócio-ambientais com personagens que remetem, tanto aos povos originários como aos atuais segmentos populacionais, incluindo da diversidade sexual à exploração insensata da própria floresta. Onde a súbita mudança de compasso com a entrada, no epílogo, das energizadas interveniências do minimalismo musical de Philip Glass, provocam um angustiado grito de alerta, palco/plateia, e de denúncia global para que não se deixe perder de vez a urgente preservação da poesia e da vida daquele Paraíso na Terra ... Wagner Corrêa de Araújo
AmazôniA/Grupo de Dança DC está em cartaz no Teatro Prio/Gávea, em curta temporada, de quinta a sábado, 20h; domingo, às 19h, até domingo 30 de junho.
AMAZÔNIA / DC DANCE GROUP: UNDER THE SURPRISE OF THE RETURN TO THE STAGE OF A MEMORABLE CIA CARIOCA
At the end of the 80's, a group of solo dancers from the Theatro Municipal/RJ had the idea of creating a dance company focused on a contemporary language, connected to the solid classical base of its members. With the differential of its proposal starting already in the name DC Dance Group – Collective Division, with a subliminal aesthetic-social meaning. From 1987 onwards, since its structuring with the renowned dancer João Wlamir as its conceptual/choreographic mentor, the DC Group has developed a victorious trajectory in numerous Brazilian tours that have extended to presentations on stages and international festivals. Always with the applause of the critics and the success of the public, plus the participation, as guests in some shows, of fundamental soloist names of classical dance in national molds, among others, Ana Botafogo, Nora Esteves, Cecília Kerche, Auréa Hammerli, Francisco Timbó, Paulo Rodrigues. Developing an original repertoire that included incursions of neoclassical accent, reinterpretations of contemporary works and the prioritization of themes full of Brazilianness, in creations of great strength such as A.M.O.R, Rio 24 Horas, 16 Minutes Later, the latter inspired by Ravel's Bolero, to end his luminous journey through the nationalist choreographic paths with Cores do Brasil, in 2014. And now, after completing ten years of absence, in the return to the stage with the unpublished work AmazôniA, in a triple creative partnership including, in addition to João Wlamir himself, Jaime Bernardes and Mônica Barbosa, with bravery and boldness to face the challenge of still difficult times to attract sponsorships, especially for the performing arts. In a valuable effort to discover emerging talents to initially join DC's new staff after a decade of long interregnum. All eight were carefully chosen in a selection process, followed by an extensive period of preparation and rehearsals, since the beginning of 2024. This time, to make visible, scenically, and gesturally, an immersion in the magical ambience of the Amazon re-signified choreographically, as an emblematic lung sign of the world, in the vastness of its forest green and in the potential of the largest ecological reserve on planet Earth. Where the scenographic landscape (Orlando Sérgio) has a beautiful scope in the abstract frontal plastic representation of its vegetation, expanding in the usual expressiveness imprinted by the luminary effects of Paulo César Medeiros. Focusing on the functional typicity of clothing (João Paulo Bertini), with indigenist tones, traces of northern folklorism and popular craftsmanship. There is also the prevalence of percussive sonorities in most of the compositions of the soundtrack (Branco Fereira), from the Afro-indigenist ritualism, accentuated by the interventions of an orixá, to musical regionalism, with its reference of phrases from the carimbó, sertanejo and forró genres. In addition to the quotes of themes from Bethania, Chico Science and even Sepultura. The nine dancers, most of them stand out in the fluidity of their dancing corporeality, a natural result of a newly formed cast, under the greater or lesser demands of certain cadres, while some demonstrate a certain insecurity in their performative contractions, others are more incisive in their dramaturgy of physicality. But the convinced conceptual command without ever losing the singularity of the proposal of a vocabulary of the movement figuring socio-environmental situations with characters that refer both to the original peoples and to the current population segments, including from sexual diversity to the senseless exploitation of the forest itself. Where the sudden change of time signature with the entrance, in the epilogue, of the energized interventions of Philip Glass's musical minimalism, provoke an anguished cry of warning, stage/audience, and global denunciation so that the urgent preservation of the poetry and life of that Paradise on Earth is not lost once and for all... Wagner Corrêa de Araújo
AmazôniA/Grupo de Dança DC is playing at Teatro Prio/Gávea, in a short season, from Thursday to Saturday, 8 pm; Sunday at 7 p.m. until Sunday, June 30.
ST TRAGÉDIAS - PAIXÃO E TÉCNICA COREOGRÁFICA UNEM SHAKESPEARE E TCHAIKOVSKY
“Se a música é o alimento do amor, continue tocando/. Dá-me o excesso que, farto/ O apetite pode adoecer e assim morrer” (William Shakespeare). O substrato poético/metafórico da palavra shakespeariana vai além da realidade fazendo com que a ação dramatúrgica se torne também gesto e dança. O que levou também a uma íntima e constante conexão estética de seu teatro com a música transmutada em coreografia. Onde as prevalentes versões da fatídica paixão de Romeu e Julieta são seguidas pela simbologia trágica de Othello, com sua visceral abordagem do ciúme, ambição, misoginia e racismo. Sem falar nas outras adaptações frequentes de A Megera Domada e Sonhos de Uma Noite de Verão. ST Tragédias, é um espetáculo idealizado por Ana Botafogo e Marcelo Misailidis, ambos com brilhante trajetória na dança clássica como primeiros bailarinos, tendo como enfoque reunir duas criações coreográficas de Misailidis, sob uma linguagem neoclássica em inventiva proposta cenográfica sob temas do teatro de Shakespeare ligados à música de Tchaikovsky. Com a participação dos primeiros bailarinos do Royal Ballet – Matthew Ball e Mayara Magri – em Romeu e Julieta, na estréia da obra em 2022, e agora, em 2024, com os nomes estelares do Balé do Teatro Cólon – Federico Fernandéz e Eliana Figueroa. Além de um destacado elenco de primeiros solistas em Othello. A saber, Márcia Jacqueline, primeira bailarina do Ballet do Theatro Municipal/RJ, como uma interiorizada Desdemona, Edifranc Alves, também primeiro solista nesta Cia clássica, atuando como um rompante Othello e Márcio Jahú, de referencial carreira independente na dança contemporânea, no papel de um ferino Iago, ao lado de mais sete competentes bailarinos da cena carioca. O compositor russo escreveu três poemas sinfônicos a partir do bardo inglês, a saber as Aberturas Fantasia - Hamlet, A Tempestade e Romeu e Julieta. Sendo esta última, cenicamente utilizada como um pas-de-deux entre os protagonistas titulares, sintetizando a trama dramática em seus aspectos básicos. Aqui, pelo uso da composição sinfônica em sua integridade, na inicialização do espetáculo. Na alternância de quatro carismáticos intérpretes e primeiros bailarinos do Royal Ballet e do Teatro Cólon, sabendo priorizar, com expressiva entrega emotivo-gestual, uma irrepreensível técnica no entremeio do neoclássico com um sotaque de contemporaneidade. Sempre com o desafio de imprimir uma dramaturgia da corporeidade transmutando o significado shakespeariano através de um sensorial vocabulário do movimento e da gestualidade. O que a concepção cênico/coreográfica de Marcelo Misailidis viabiliza, com raro apuro artesanal, no seu empenho para traduzir este dimensionamento não verbal. Direcionado ainda ao mais ousado enfrentamento da adaptação de Othello para dez bailarinos, representando a totalidade dos personagens de um intricado e extenso jogo circular de teatralidade. A ser contado nos limites temporais do outro poema sinfônico de Tchaikovsky (no caso, Francesca da Rimini, este sem ligação nominal/temática com Shakespeare). Mas capaz de sustentar, concisamente nos seus potenciais acordes, as alternâncias emocionais das sucessivas metáforas de uma narrativa de movimento, tornando perceptíveis as palavras dançadas sem estar rigorosamente preso à literalidade textual da tragédia. Na especular representação de personagens em compasso de um teatro coreográfico, ampliado nos recursos de uma caixa cênica preenchida com um funcional jogo de elementos móveis, de dúplice atributo inventor (Misailidis), com a valiosa colaboração de Ana Botafogo, remanejados ao som de quatro lúdicos Estudos Pianísticos de Tchaikovsky, dando original sustento musical às mudanças cenográficas entre a primeira e a segunda obra. Com a manipulação tonal da iluminação (Paulo Cesar Medeiros), ressaltando a elegância discricionária e sensitiva dos figurinos (Ney Madeira) de Romeu e Julieta e a prevalência de cores rubras nas indumentárias (João Paulo Bertini) com um referencial sanguíneo remetendo aos arroubos da violência em Othello. ST Tragédias é, enfim, uma obra luminosa para tempos de crise político/cultural e referencial diante de uma crescente onda feminicida. Capaz de seduzir a plateia, além de apontar novos caminhos para a dança carioca, por sua linguagem cênico/corporal de caráter visionário, sabendo como escapar à acomodação e à carência qualitativa de algumas de nossas mais tradicionais companhias oficiais de dança...
Wagner Corrêa de Araújo ST Tragédias. Espetáculo coreográfico de Marcelo Misailidis e Ana Botafogo. Fotos/Vitor Melo.
ST TRAGEDIES - PASSION AND CHOREOGRAPHIC TECHNIQUE UNITE SHAKESPEARE AND TCHAIKOVSKY
"If music is the food of love, keep playing/. Give me the excess that, fed up/ Appetite can get sick and so die" (William Shakespeare). The poetic/metaphorical substratum of the Shakespearean word goes beyond reality, making the dramaturgical action also become gesture and dance. This also led to an intimate and constant aesthetic connection between his theater and music transmuted into choreography. Where the prevalent versions of Romeo and Juliet's fateful passion are followed by the tragic symbology of Othello, with its visceral approach to jealousy, ambition, misogyny, and racism. Not to mention the other frequent adaptations of The Taming of the Shrew and A Midsummer Night's Dream. ST Tragedies is a show conceived by Ana Botafogo and Marcelo Misailidis, both with a brilliant trajectory in classical dance as first dancers, focusing on bringing together two choreographic creations by Misailidis, under a neoclassical language in an inventive scenographic proposal under themes from Shakespeare's theater linked to Tchaikovsky's music. With the participation of the Royal Ballet's prima ballerinas – Matthew Ball and Mayara Magri – in Romeo and Juliet, at the premiere of the work in 2022, and now, in 2024, with the stellar names of the Teatro Colón Ballet – Federico Fernandéz and Eliana Figueroa. In addition to an outstanding cast of first soloists in Othello. Namely, Márcia Jacqueline, prima ballerina of the Ballet do Theatro Municipal/RJ, as an interiorized Desdemona, Edifranc Alves, also first soloist in this classical Company, acting as a bursting Othello and Márcio Jahú, with a referential independent career in contemporary dance, in the role of a ferocious Iago, alongside seven other competent dancers from the carioca scene. The Russian composer wrote three symphonic poems from the English bard, namely the Fantasia Overtures - Hamlet, The Tempest, and Romeo and Juliet. The latter being scenically used as a pas-de-deux between the titular protagonists, synthesizing the dramatic plot in its basic aspects. Here, by the use of symphonic composition in its entirety, at the beginning of the show. In the alternation of four charismatic performers and prima ballerinas of the Royal Ballet and the Colon Theatre, knowing how to prioritize, with expressive emotive-gestural delivery, an irreproachable technique in the midst of the neoclassical with an accent of contemporaneity. Always with the challenge of imprinting a dramaturgy of corporeality, transmuting the Shakespearean meaning through a sensorial vocabulary of movement and gestures. This is what Marcelo Misailidis' scenic/choreographic conception makes possible, with rare craftsmanship, in his effort to translate this non-verbal dimensioning. Directed also to the most daring confrontation of the adaptation of Othello for ten dancers, representing the totality of the characters of an intricate and extensive circular game of theatricality. To be told within the temporal limits of Tchaikovsky's other symphonic poem (in this case, Francesca da Rimini, this one with no nominal/thematic connection to Shakespeare). But capable of sustaining, concisely in its potential chords, the emotional alternations of the successive metaphors of a narrative of movement, making the danced words perceptible without being strictly bound to the textual literalness of the tragedy. In the specular representation of characters in the rhythm of a choreographic theater, amplified in the resources of a scenic box filled with a functional game of movable elements, of multiple inventor attribute (Misailidis), with the valuable collaboration of Ana Botafogo, rearranged to the sound of four playful Tchaikovsky Piano Studies, giving original musical support to the scenographic changes between the first and second work. With the tonal manipulation of the lighting (Paulo Cesar Medeiros), emphasizing the discretionary and sensitive elegance of the costumes (Ney Madeira) of Romeo and Juliet and the prevalence of red colors in the costumes (João Paulo Bertini) with a blood reference referring to the raptures of violence in Othello. ST Tragedies is, in short, a luminous work for times of political/cultural crisis and referential in the face of a growing feminicidal wave. Capable of seducing the audience, in addition to pointing out new paths for carioca dance, for its visionary scenic/body language, knowing how to escape the accommodation and qualitative lack of some of our most traditional official dance companies...
Wagner Corrêa de Araújo ST Tragedies. Choreographic show by Marcelo Misailidis and Ana Botafogo. Photos/Vitor Melo.
GRUPO CORPO : INSTIGANTE INVENTIVIDADE GESTUAL ENTRE A URBANIDADE DE “CORPO” E O REGIONALISMO DE “PARABELO”
Grupo Corpo Parabelo - crédito Sharen Bradford
Prestes a completar seu meio centenário o Grupo Corpo continua a expandir sua potencial singularidade como um das mais inventivas Cias de dança contemporânea do Brasil. Capaz, sempre, de continuar surpreendendo mesmo na retomada de coreografias antigas de seu repertório, como é o caso destas tituladas como Corpo e Parabelo, respectivamente criações dos anos 2000 e 1997. Sabendo como bem explorar o conluio de recursos cênicos, da iluminação aos figurinos, a favor de uma energizada e interativa corporeidade dançante que nunca deixa a desejar na sua busca por um perfeccionismo técnico na unicidade performática de seus bailarinos. A partir, sempre, da peculiar gramática coreográfica estabelecida pelo ideário concepcional de Rodrigo Pederneiras. Dentro de um dimensionamento estético/coreográfico a prevalência temática do Grupo Corpo se apoiando em permanente brasilidade que aparece, ali, desde 1976, com a obra propulsora da fama da Cia, Maria Maria, inspirada nas composições de Milton Nascimento, sendo esta sua estreia visionária, inicializada pela lavra do coreógrafo argentino Oscar Araiz. Grupo Corpo O Corpo Credito Jose Luiz Pederneiras Na travessia histórica do grupo muitas foram estas incursões por trilhas de compositores da MPB, numa especificidade que se desenvolveu por intermédio da participação direta dos músicos autores na sua montagem, paralela à arquiteturação cênica/coreográfica dos espetáculos. Em peças antológicas da Cia mineira caso, entre outras, como Corpo, por Arnaldo Antunes, ou através da parceria Tom Zé e Miguel Wisnik, em Parabelo. A primeira delas - Corpo - estruturada sob acordes de prevalência percussiva, com base composicional tecno-eletroacústica, para um texto recortado verbalmente como um poema concretista, sinalizado nos leitmotivs de palavras e frases vocalizadas (pé /mão /pé /mão – mão/ umbigo / braço) indutoras de vigoroso gestual mecânico/robótico dos bailarinos. Onde a indumentária (Freusa Zechmmeister e Fernando Velloso) de malhas negras referencia um quadro cênico e luminar (Paulo Pederneiras) de tonalidades futuristas, preenchido virtualmente pelo piscar de luzes de um painel eletrônico, através de um movimentar-se diferencial capaz de sugestionar “esse composto de ossos, carne sangue órgãos músculos nervos unhas e pelos”. Enquanto Parabelo dá um salto da realidade urbana para o sertanismo, naquela que seu próprio coreógrafo (Rodrigo Pederneiras) considera a sua obra de mais plena brasilidade, a partir de uma abordagem estética/regionalista da fome nordestina. E da sua resistência, na pulsão de crenças populares e religiosas, pelo desafio para sobreviver à insólita paisagem do agreste. A peça tendo um componente icônico em sua trajetória, do êxito de suas apresentações anos 90, no Festival de Dança de Lyon/França, e como tema artístico de abertura das Olimpíadas de 2016, no RJ, ou por sua caracterização imagética que pode remeter também a um memorial do universo dos sertões. PHOTO by JOSE LUIZ PEDERNEIRAS Toda esta proposta plena de um sensorial alcance desde os figurinos (Freusa Zechmeister) em malhas escuras que descortinam traços vermelhos no corpo e nos pés, à plasticidade cenográfica (Fernando Velloso) com a simbologia dos painéis de ex-votos às fotografias que registram o cotidiano e as lembranças sertanejas. Movimentando-se nos ritmos do baião e do xaxado ao forró, os bailarinos potencializam danças envolventes de apelo popular, carregadas de um autêntico sabor regionalista sob formas brasileiras, retomando signos emblemáticos das coreografias do Grupo Corpo, no molejo dos requebros de quadril e nos remelejos da sua corporeidade. Em outra retomada luminosa de uma criação coreográfica, pautada no substrato nativo e, mais uma vez, provando como seu original legado artístico a transformou globalmente numa das mais carismáticas companhias de dança do País e do mundo...
Wagner Corrêa de Araújo (Crítico de Dança) O Grupo Corpo está em temporada no Teatro Multiplan/Shopping Village Mall, de quarta a sábado, às 20h; domingo, às 17h, até 02 de junho.
BODY GROUP: INSTIGATING GESTURAL INVENTIVENESS BETWEEN THE URBANITY OF "BODY" AND THE REGIONALISM OF "PARABELO"
Grupo Corpo Parabelo Photo: Jose Luiz Pederneiras
About to complete its half centennial, Grupo Corpo continues to expand its potential uniqueness as one of the most inventive contemporary dance companies in Brazil. It is always able to continue surprising even in the resumption of old choreographies from its repertoire, as is the case of these titles such as Corpo and Parabelo, respectively creations from the years 2000 and 1997. Knowing how to explore the collusion of scenic resources, from lighting to costumes, in favor of an energized and interactive dancing corporeality that never leaves anything to be desired in its search for a technical perfectionism in the performative uniqueness of its dancers. Based, always, on the peculiar choreographic grammar established by the conceptual ideals of Rodrigo Pederneiras. Within an aesthetic/choreographic dimension, the thematic prevalence of Grupo Corpo is supported by a permanent Brazilianness that appears there, since 1976, with the propelling work of the Company's fame, Maria Maria, inspired by the compositions of Milton Nascimento, this being its visionary debut, initialized by the work of the Argentine choreographer Oscar Araiz. Grupo Corpo Parabelo Photo: Sharen Bradford In the historical journey of the group, there were many incursions into soundtracks by MPB composers, in a specificity that developed through the direct participation of the author musicians in its assembly, parallel to the scenic/choreographic architecture of the shows. In anthological pieces by Cia Mineira, such as, among others, Corpo, by Arnaldo Antunes, or through the partnership Tom Zé and Miguel Wisnik, in Parabelo. The first of them - Body - structured under chords of percussive prevalence, with a techno-electroacoustic compositional base, for a text verbally cut as a concretism poem, signaled in the leitmotifs of words and vocalized phrases (foot / hand / foot / hand – hand / navel / arm) inducing vigorous mechanical/robotic gestures of the dancers. Where the costumes (Freusa Zechmmeister and Fernando Velloso) of black knitwear refer to a scenic and luminary picture (Paulo Pederneiras) of futuristic tones, virtually filled by the flashing of lights from an electronic panel, through a differential movement capable of suggesting "this compound of bones, flesh, blood, organs, muscles, nerves, nails and hair". While Parabelo makes a leap from urban reality to satanism, in what its own choreographer (Rodrigo Pederneiras) considers his work to be the fullest Brazilian, based on an aesthetic/regionalist approach to northeastern hunger. And of their resistance, in the drive of popular and religious beliefs, by the challenge to survive the unusual landscape of the agrestic. The piece has an iconic component in its trajectory, from the success of its performances in the 90s, at the Lyon Dance Festival/France, and as the opening artistic theme of the 2016 Olympics, in Rio de Janeiro, or for its imagery characterization that can also refer to a memorial of the universe of the hinterlands. All this proposal full of a sensorial range from the costumes (Freusa Zechmeister) in dark meshes that reveal red lines on the body and feet, to the scenographic plasticity (Fernando Velloso) with the symbology of the ex-votos panels to the photographs that record the daily life and the memories of the countryside. Moving in the rhythms of baião and xaxado to forró, the dancers enhance engaging dances of popular appeal, loaded with an authentic regionalist flavor under Brazilian forms, resuming emblematic signs of Grupo Corpo's choreographies, in the softness of the hip requires and in the remelejos of its corporeality. In another luminous resumption of a choreographic creation, based on the native substrate and, once again, proving how its original artistic legacy has globally transformed it into one of the most charismatic dance companies in the country and the world...
Wagner Corrêa de Araújo (Dance Critic) Grupo Corpo is in season at Teatro Multiplan/Shopping Village Mall, from Wednesday to Saturday, at 8 pm; Sunday, at 5 p.m., until June 2.
O LAGO DOS CISNES: EM MAIS UMA REMONTAGEM, O BALLET DO THEATRO MUNICIPAL MOSTRA QUALITATIVO EMPENHO ARTÍSTICO
Fotos / Daniel Ebendinger
Entre os três celebrados balés compostos por Tchaikovsky - Quebra Nozes, Bela Adormecida e Lago dos Cisnes - nada se compara ao emblemático efeito de magia provocado por este último, tanto pelas suas carismáticas tessituras orquestrais, como por sua icônica coreografia (Petipa/Ivanov) que vem resistindo há quase um século e meio. Isto sem deixar de falar em sua temática poético-romântica sobre uma metafórica paixão inspirada a um príncipe pela desafiadora ambiguidade de uma personagem, ora mulher ora cisne, numa fabulação de amor e traição entre o bem e o mal, este representado pelas sinistras artimanhas de um feiticeiro. Com um referencial mítico proveniente de ancestrais culturas européias no entorno do simbolismo lendário da pureza dos cisnes brancos, seres alados que eram evocados em suas planações sobre os lagos, como mensageiros da chegada dos calores e das alegrias da estação primaveril. Este êxito permanente na preferência do público de dança também se dá pela prevalência de seus trechos antológicos na trajetória histórica do balé clássico. O que torna maior a exigência técnica, tanto na preparação de seu elenco, como no necessário cuidado artesanal na remontagem de sua coreografia original. Havendo uma nítida percepção deste empenho nesta remontagem de O Lago dos Cisnes pelo Ballet do Theatro Municipal, sob um acertado comando concepcional, 8respectivamente do diretor Hélio Bejani e do maître Jorge Teixeira, trazendo promissores ares na retomada do prestígio como melhor Cia oficial de dança clássica do país. Na continuidade de rigorosa preparação do seu Corpo de Baile a partir da entrada, por intermédio de criteriosa seleção, de outros integrantes, estes já demonstrando unicidade qualitativa com o staff anterior de bailarinos. Com um visível desempenho sob harmônica plasticidade nas cenas de conjunto dos atos brancos ou nos encontros grupais, especialmente nas danças de caráter - italianas e espanholas, na mazurka e nas czardas. Ou pelo alcance da conexão técnica/gestual no tão aplaudido Pas de Quatre. Com aproveitamento de cenografia e figurinos do acervo da FTM, presos à tradição no discricionário cenário em telões e sob uma mais cerimonial indumentária. Tudo ressaltado no contraste luminar (Paulo Ornellas) de claridade das ambientações palacianas dos atos I e III, às tonalidades mais sombrias nas cenas do lago entre árvores. A Orquestra Sinfônica do TM/RJ sendo conduzida com brilho por Tobias Volkmann, tornando-se este um dos regentes mais requisitados para o grande repertório clássico do balé. Salvo alguns fugazes descompassos das trompas na noite de estréia, toda a partitura teve um expressivo alcance desde o sotaque de melancolia em algumas passagens com solos de harpa, cordas e sopros, aos agitatos de allegros dançantes. Onde, ao longo de suas onze récitas, alternam-se três duplas de intérpretes protagonistas como Siegfried e Odette/Odile, todos com distintas qualificações destacando-se, sempre, por convicta e emotiva psicofisicalidade na entrega aos seus papéis. De uma quase etérea leveza da Odette/Odile de Manuela Roçado à precisão sensitiva/irônica nesta dicotômica metamorfose por Juliana Valadão, sem deixar de registrar a envolvência da postura longilínea de Marcella Borges na dúplice personificação. Quanto ao Príncipe Siegfried, vale evidenciar a presença marcante de dois primeiros bailarinos do BTM, de um lado o elegante porte tecno-coreográfico de Filipe Moreira e, de outro, Cícero Gomes numa adequação coreodramática absoluta neste papel, depois de mostrar em montagens anteriores deste balé no palco do Municipal, a força burlesca e cativante de seu Bobo da Corte. Completando este quadro balético, a participação de um brasileiro da recente safra (aqui convidado, como David Motta Soares no Lago de 2022) de jovens talentos em franca ascendência, nas suas carreiras permeadas com participações em cias estrangeiras. Referência de Gustavo Carvalho que no momento atua como um dos primeiros solistas do Ballett am Rhein, de Dusseldorf, dando vazão à sua já vasta experiência no clássico e no contemporâneo. A química de sua atuação impecável como um passional Siegfried ao lado de uma romantizada Odette/Odile por Marcella Borges, completa o encantamento deste elenco irradiante de craques que, afinal, concorrem para fazer deste Lago dos Cisnes, com o Ballet do Theatro Municipal, uma das mais gratificantes surpresas da temporada coreográfica brasileira de 2024. Wagner Corrêa de Araújo
SWAN LAKE: IN YET ANOTHER REVIVAL, THE BALLET OF THE MUNICIPAL THEATER SHOWS QUALITATIVE ARTISTIC COMMITMENT
photographer's credit - Daniel Ebendinger
Among the three celebrated ballets composed by Tchaikovsky - Nutcracker, Sleeping Beauty, and Swan Lake - nothing compares to the emblematic effect of magic provoked by the latter, both for its charismatic orchestral tessitures and for its iconic choreography (Petipa/Ivanov) that has endured for almost a century and a half. Not to mention its poetic-romantic theme about a metaphorical passion inspired by a prince by the challenging ambiguity of a character, sometimes a woman, sometimes a swan, in a fabulation of love and betrayal between good and evil, the latter represented by the sinister tricks of a sorcerer. With a mythical reference from ancestral European cultures around the legendary symbolism of the purity of white swans, winged beings that were evoked in their gliding over the lakes, as messengers of the arrival of the warmth and joys of the spring season. This permanent success in the preference of the dance public is also due to the prevalence of its anthological excerpts in the historical trajectory of classical ballet. This makes the technical demand greater, both in the preparation of its cast, and in the necessary artisanal care in the reassembly of its original choreography. There is a clear perception of this commitment in this re-staging of Swan Lake by the Ballet of the Municipal Theater, under a correct conceptual command, 8respectively of the director Hélio Bejani and the maître Jorge Teixeira, bringing promising airs in the resumption of prestige as the best official classical dance company in the country. In the continuity of rigorous preparation of its Corps de Ballet from the entry, through careful selection, of other members, these already demonstrating qualitative uniqueness with the previous staff of dancers. With a visible performance under harmonic plasticity in the ensemble scenes of the white acts or in the group meetings, especially in the character dances - Italian and Spanish, in the mazurka and in the czardas. Or for the reach of the technical/gestural connection in the much-applauded Pas de Quatre. With the use of scenography and costumes from the MTF collection, stuck to tradition in the discretionary scenario on screens and under a more ceremonial costume. All highlighted in the luminary contrast (Paulo Ornellas) of the clarity of the palatial settings of acts I and III, to the darker tones in the scenes of the lake between trees. The TM/RJ Symphony Orchestra is brilliantly conducted by Tobias Volkmann, making him one of the most sought-after conductors for the great classical repertoire of ballet. Except for a few fleeting mismatches of the horns on opening night, the entire score had an expressive range from the melancholy accent in some passages with harp solos, strings, and woodwinds, to the agitatos of dancing allegro. Where, throughout its eleven performances, three pairs of protagonist interpreters alternate, such as Siegfried and Odette/Odile, all with different qualifications, always standing out for their convinced and emotional psychophysicality in the delivery of their roles. From an almost ethereal lightness of Manuela Roçado's Odette/Odile to sensitive/ironic precision in this dichotomous metamorphosis by Juliana Valadão, without failing to register the involvement of Marcella Borges' long posture in the double personification. As for Prince Siegfried, it is worth highlighting the remarkable presence of two BTM first dancers, on the one hand the elegant techno-choreographic bearing of Filipe Moreira and, on the other, Cícero Gomes in an absolute choreodramatic adaptation in this role, after showing in previous productions of this ballet on the stage of the Municipal, the burlesque and captivating force of his Jester. Completing this balletic picture, the participation of a Brazilian from the recent crop (invited here, as David Motta Soares in Lago 2022) of young talents in frank ascendancy, in their careers permeated with participations in foreign companies. Gustavo Carvalho, who is currently one of the first soloists of the Ballett am Rhein, in Düsseldorf, giving vent to his already vast experience in classical and contemporary. The chemistry of his impeccable performance as a passionate Siegfried alongside a romanticized Odette/Odile by Marcella Borges, completes the enchantment of this radiant cast of stars who, after all, compete to make this Swan Lake, with the Municipal Theater Ballet, one of the most gratifying surprises of the 2024 Brazilian choreographic season. Wagner Corrêa de Araújo
Video by Daniel A. Rodrigues
CIA DE DANÇA DEBORAH COLKER / SAGRAÇÃO : NUMA VISCERAL RELEITURA À LUZ DOS POVOS BRASILEIROS ORIGINÁRIOS
Fotos/ Flávio Colker
A mais recente obra da Companhia de Dança Deborah Colker completa a trilogia de conceitual antropológico/ritualístico inicializada por Cão Sem Plumas. Da terra que se auto-define pela aridez da lama no insólito trajeto do homem/caranguejo, inspirando-se na imagética poética cabralina para figurar o mangue nordestino. Seguida pela praga da moléstia que assedia, entre trevas, a condição humana e onde o sonho para vencer a peste depende da sua libertação pela Cura. Que, bem a propósito, titula uma coreografia atravessada pelas crenças de redenção nas entidades do Candomblé, com inserções bíblicas pela dramaturgia do rabino Nilton Bonder. E, agora, em 2024, na lembrança do ideário estético revolucionário da Sagração de Stravinsky com seu descortino em 1913 de uma nova era musical/coreográfica, no presságio de Nijinsky (“Ela abrirá horizontes novos, iluminados pelos raios do sol. Tudo será, então, diverso, novo e belo"). Esta outra Sagração, desta vez foi concebida, coreografada e dirigida por Deborah Colker, com plena brasilidade, ao remeter em sua releitura, a uma diferencial transmutação metafórica do primitivo cenário de aldeães russos em saga indigenista no entorno dos povos originários da terra brasileira. Distanciando-se assim de uma quase absoluta fidelidade narrativa e sinfônica das versões referenciais de Maurice Béjart, Kenneth MacMillan, John Neumeier, Angelin Preljocaj, Pina Bausch. Preferindo seguir, ainda que em parte, a trajetória aberta pela transgressiva concepção do britânico Akram Khan, de ascendência bangladeshiana, com o uso de outras inserções musicais. No caso da criação coreográfica de Deborah Colker, intermediando ou superpondo partes da partitura stravinskyana ao lado de autóctones acordes rítmicos indigenistas, com prevalência de sonoridades percussivas, tendo como base os arranjos autorais da trilha de Alexandre Elias. Partindo da cosmogonia evolucionista dos quatro elementos (água, fogo, ar e terra) integralizada num intencionalismo épico da representação coreográfica, cênica e musical de como teria sido o princípio do homem e do universo no olhar indígena. Onde a decifração do mistério de sua primitiva sacralidade é miscigenada com o Gênesis bíblico, por intermédio do roteiro concepcional da diretora e coreógrafa Deborah Colker, em sua dúplice parceria dramatúrgica com o escritor judaico/brasilianista Nilton Bonder. Trazendo à cena figuras dos relatos do Antigo Testamento como uma Eva distante do Eden, aqui personalizada numa ascendência negra/africana, ao lado de um Abraão descompromissado de sua fabular missão, além de intervenções vocais em off de Takumã Kuikuro explicando crendices místicas em seu linguajar indígena. Num surpreendente desfile de caracteres do mundo animal e herbívoro, indo das bactérias aos quadrúpedes e serpentes, numa tipicidade indumentária (Cláudia Kopke) tudo sob provocante ambiência imaginária a partir da artesanal direção de arte de Gringo Cardia. Completada na original envolvência do uso cenográfico de bambus/estacas como móbiles, capazes de um mágico sugestionamento, metamorfoseados em tabas, barcos, redes e lanças. E que se estende a uma plasticidade espacial na caixa cênica conectando terra e céu, ampliada nos efeitos luminares de Beto Bruel. Para expressar, via energizada e imersiva proposição performática e gestual para um afinado elenco de 15 bailarinos, o legado das tradições lendárias dos povos originários, fazendo de Sagração um tributo à passagem do trigésimo aniversário da Companhia de Dança Deborah Colker. Entre um senso de metafórica selvageria da corporeidade pulsante dos bailarinos e a mistificação cerimonial/ritualística da cena dançante sob o compasso da ancestralidade indigenista, sinalizados com o olhar atento de Deborah Colker. Sempre ancorado nos avanços do atual universo coreográfico, em inédita e brava busca inventiva de uma das mais celebradas companhias brasileiras da dança contemporânea. Wagner Corrêa de Araújo Sagração/Companhia de Dança Deborah Colker está em cartaz no Theatro Municipal/RJ, de quinta a segunda, em sessões vesperais e noturnas, até 25 de março.
photographer's credit - Flávio Colker
CIA DE DANÇA DEBORAH COLKER / SAGRAÇÃO: IN A VISCERAL REREADING IN THE LIGHT OF THE NATIVE BRAZILIAN PEOPLES
The most recent work of the Deborah Colker Dance Companycompletes the trilogy of anthropological/ritualistic concepts initiated by Cão Sem Plumas. From the land that defines itself by the aridity of the mud in the unusual path of the man/crab, inspired by the poetic imagery of Cabralto to depict the northeastern mangrove. Followed by the plague of disease that harasses, in darkness, the human condition and where the dream of defeating the plague depends on its liberation by the Cure. Which, by the way, titles a choreography crossed by the beliefs of redemption in the entities of Candomblé, with biblical insertions by the dramaturgy of Rabbi Nilton Bonder. And now, in 2024, in the memory of the revolutionary aesthetic ideals of Stravinsky's Consecration with its unveiling in 1913 of a new musical/choreographic era, in Nijinsky's omen ("It will open new horizons, illuminated by the rays of the sun. Everything will then be different, new, and beautiful"). This other Rite, this time was conceived, choreographed, and directed by Deborah Colker, with full Brazilianness, referring in its rereading to a differential metaphorical transmutation of the primitive scenario of Russian villagers in an indigenist saga in the surroundings of the original peoples of the Brazilian land. Thus, distancing himself from an almost absolute narrative and symphonic fidelity of the referential versions of Maurice Béjart, Kenneth MacMillan, John Neumeier, Angelin Preljocaj, Pina Bausch. Preferring to follow, albeit in part, the trajectory opened by the transgressive conception of the British Akram Khan, of Bangladeshi descent, with the use of other musical insertions. In the case of Deborah Colker's choreographic creation, intermediating or superimposing parts of the Stravinsky and score alongside autochthonous indigenist rhythmic chords, with a prevalence of percussive sonorities, based on the authorial arrangements of Alexandre Elias' score. Starting from the evolutionist cosmogony of the four elements (water, fire, air, and earth) integrated into an epic intentionalism of the choreographic, scenic, and musical representation of what the beginning of man and the universe would have been like in the indigenous gaze. Where the decipherment of the mystery of its primitive sacredness is mixed with the biblical Genesis, through the conceptual script of the director and choreographer Deborah Colker, in her double dramaturgical partnership with the Jewish/Brazilianist writer Nilton Bonder. Bringing to the scene figures from the Old Testament accounts such as an Eve distant from Eden, here personalized in a Black/African ancestry, next to an Abraham uncommitted to his fabulous mission, in addition to vocal interventions in off by Takumã Kuikuro explaining mystical beliefs in his Indigenous language. In a surprising parade of characters from the animal and herbivorous world, ranging from bacteria to quadrupeds and snakes, in a typicity of clothing (Cláudia Kopke) all under a provocative imaginary ambience from the artisanal art direction of Gringo Cardia. Completed in the original surroundings of the scenographic use of bamboo/stakes as mobiles, capable of a magical suggestion, metamorphosed into tabas, boats, nets, and spears. And that extends to a spatial plasticity in the scenic box connecting earth and sky, amplified in Beto Bruel's luminary effects. To express, through an energized and immersive performative and gestural proposition for a finely tuned cast of 15 dancers, the legacy of the legendary traditions of the native peoples, making Sagração a tribute to the passage of the thirtieth anniversary of the Deborah Colker Dance Company. Between a sense of metaphorical savagery of the dancers' pulsating corporeality and the ceremonial/ritualistic mystification of the dance scene under the rhythm of indigenist ancestry, signaled with the watchful eye of Deborah Colker. Always anchored in the advances of the current choreographic universe, in an unprecedented and brave inventive search of one of the most celebrated Brazilian contemporary dance companies. Wagner Corrêa de Araújo Sagração/Companhia de Dança Deborah Colker is on display at Theatro Municipal/RJ, from Thursday to Monday, in evening and evening sessions, until March 25.
O CORSÁRIO: EM ARTESANAL PERFORMANCE SOB EXOTISMO CÊNICO ORIENTALISTA, O BALÉ DO MUNICIPAL FECHA A TEMPORADA 2023
Photos: Daniel Ebendinger
O Corsário/Balé do Theatro Municipal. Dezembro/2023. Fotos/Daniel Ebendinger.
O empenho técnico e artístico para fechar qualitativamente a Temporada 2023, com uma luminosa versão de O Corsário, mostra como o Balé do Theatro Municipal está no caminho certo para recuperar seu prestigioso lugar como a mais tradicional companhia clássica do País. Depois de tantos descaminhos e crises nos últimos anos, já lá vão aparecendo os primeiros e sintomáticos bons frutos, como a surpreendente revelação destes novos talentos, resultado de uma criteriosa seleção temporária para preencher os defasados quadros do seu Corpo de Baile. E da auspiciosa notícia de que aconteça finalmente, em 2024, o tão ansiado concurso em moldes oficiais, não só para assegurar a permanência dos que serão escolhidos entre os melhores, como de incentivar, ainda, outras descobertas, desta vez em caráter definitivo. Devendo se estender o aplauso entusiástico do público ao ideário de seus realizadores - o diretor do BTM Hélio Bejani, também responsável, ao lado de Jorge Texeira, pela bela remontagem e adaptação a partir do original de Marius Petipa, inspirado apenas subliminarmente na temática da narrativa ficcional de Lord Byron, datada de 1814. Além da convicta atuação da OSTM sob o comando do maestro Jesus Figueiredo que soube como dar conta de uma partitura fragmentária, com prevalência de energizados acordes ligeiros de vários compositores (Adolphe Adam, Cesare Pugni, Leo Delibes e Riccardo Drigo). Onde a plasticidade da arquitetura cenográfica (Manoel dos Santos) ficou rigorosamente presa à tradição acadêmica, em suas referências pictóricas de uma ambiência orientalista. E na superposição do recurso de telões que mostram desde o típico interior de um palácio otomano às cenas externas ora num mercado, ora entre rochas à beira mar no acampamento pirata. Incluído aí um elegante figurino (Tania Agra), rico no detalhamento identitário da tipicidade exótica do Extremo Oriente, portentoso no brilho de bordados e entalhes nos corpetes e tutus, reluzente nas vestes das escravas do harém de um paxá, às túnicas e turbantes equalizados nas cenas grupais masculinas. Tudo isto ressaltado pela predominância da funcionalidade de vazados efeitos luminares (Paulo Ornellas). Embora se apoie numa trama rocambolesca de exploração sexual, no entremeio de disputas violentas pela venda e pela posse das escravas entre mercadores, paxás e piratas, flores envenenadas e delírios pelo ópio, uma ancestral temática já não muito apropriada ao empoderamento feminista de hoje. Paralela a uma romantizada paixão provocada por Medora, uma das escravas traficadas, pelo pirata e corsário Conrad. Tudo intermediado por agitadas danças de caráter principalmente masculinas, ao lado de gestos teatrais miméticos ou solos e pas-de-deux mais líricos, na unicidade da entrega mostrada pelos solistas junto ao perceptível empenho do Corpo de Baile. Dando chance aos diferentes elencos de protagonistas, a começar do casal enamorado Conrad e Medora, aos serviçais como Ali ou a odaliscas submissas como Gulnara. Do bonito alongamento, arabescos e pulsantes elevações de Filipe Moreira na première de O Corsário à impactante performance do escravo Ali (José Ailton), com seus vigorosos giros duplos que potencializam a sua altivez corporal e uma bravura técnica extasiante no celebrado Pas-de-Deux a Trois. Sem deixar de destacar a envolvente tessitura estética gestual das bailarinas Marcella Borges (Medora) e Manuela Roçado (Gulnara) imprimida com ênfase estelar absoluta, havendo de se notar, com certeza, que ambas terão pela frente uma potencial trajetória. Vi também Manuela Roçado como Medora, em outra récita, mas aí torna-se difícil usar palavras isoladas para definir sua insuperável força carismática neste papel, sem conecta-la à integralidade desta outra representação, dimensionando-a devidamente como parte de um todo. Para quem assistiu à noite de estreia foi um momento muito especial reunindo o apuro concepcional cenográfico ao apelo virtuosístico de seus intérpretes, em espetáculo imperdível cujas récitas se estenderão até a antevéspera das festas natalinas e, quem sabe, podendo mesmo ser sugestionado como um diferencial regalo afetivo àqueles que amam a dança clássica... Wagner Corrêa de Araújo O Corsário/Balé do TMRJ, está em cartaz no Theatro Municipal, até o dia 23/12, at 7 p.m.; COM Sessões Especiais on 17/12, at 5 p.m., E 19/12, at 2 p.m.
THE CORSAIR : IN AN ARTISANAL PERFORMANCE UNDER ORIENTALIST SCENIC EXOTICISM, THE MUNICIPAL BALLET CLOSES THE 2023 SEASON
The Corsair/Ballet of the Municipal Theater. December/2023. Photos/Daniel Ebendinger
The technical and artistic effort to qualitatively close the 2023 Season, with a luminous version of The Corsair, shows how the Municipal Theater Ballet is on the right track to regain its prestigious place as the most traditional classical company in the country. After so many missteps and crises in recent years, the first and symptomatic good fruits are already appearing, such as the surprising revelation of these new talents, the result of a careful temporary selection to fill the outdated cadres of its Corps de Ballet. And the auspicious news that the long-awaited official contest will finally take place in 2024, not only to ensure the permanence of those who will be chosen among the best, but also to encourage other discoveries, this time definitively. The enthusiastic applause of the public should be extended to the ideas of its directors - the director of BTM Hélio Bejani, also responsible, alongside Jorge Texeira, for the beautiful re-staging and adaptation from the original by Marius Petipa, inspired only subliminally by the theme of Lord Byron's fictional narrative, dated 1814. In addition to the convinced performance of OSTM under the command of maestro Jésus Figueiredo, who knew how to handle a fragmentary score, with a prevalence of energized light chords by several composers (Adolphe Adam, Cesare Pugni, Leo Delibes and Riccardo Drigo). Where the plasticity of scenographic architecture (Manoel dos Santos) was rigorously tied to the academic tradition, in its pictorial references of an orientalist ambience. And in the superimposition of the resource of screens that show from the typical interior of an Ottoman palace to the exterior scenes, sometimes in a market, sometimes between rocks by the sea in the pirate camp. Included in this is an elegant costume (Tania Agra), rich in the identity detail of the exotic typicity of the Far East, portentous in the brilliance of embroidery and carvings on the bodices and tutus, gleaming in the robes of the slaves of a pasha's harem, to the tunics and turbans equalized in the male group scenes. All of this is highlighted by the predominance of the functionality of luminary effects (Paulo Ornellas). Although it is based on a ridiculous plot of sexual exploitation, in the midst of violent disputes over the sale and possession of slaves between merchants, pashas and pirates, poisoned flowers and opium delusions, an ancestral theme no longer very appropriate to today's feminist empowerment. Parallel to a romanticized passion provoked by Medora, one of the trafficked slaves, by the pirate and privateer Conrad. All intermediated by agitated dances of a mainly male character, alongside mimetic theatrical gestures or more lyrical solos and pas-de-deux, in the uniqueness of the delivery shown by the soloists together with the perceptible commitment of the Corps de Ballet. Giving a chance to the different casts of protagonists, starting with the enamored couple Conrad and Medora, the servants like Ali or submissive odalisques like Gulnara. From the beautiful elongation, arabesques and pulsating elevations of Filipe Moreira at the premiere of The Corsair to the impactful performance of the slave Ali (José Ailton), with his vigorous double turns that enhance his bodily haughtiness and an ecstatic technical bravery in the celebrated Pas-de-Deux a Trois. Not forgetting to highlight the engaging gestural aesthetic weaving of the dancers Marcella Borges (Medora) and Manuela Roçado (Gulnara) imprinted with absolute stellar emphasis, and it should be noted, for sure, that both will have a potential trajectory ahead of them. I also saw Manuela Roçado as Medora, in another performance, but here it becomes difficult to use isolated words to define her unsurpassed charismatic strength in this role, without connecting it to the integrality of this other representation, properly dimensioning it as part of a whole. For those who attended the opening night, it was a very special moment, bringing together the scenographic conceptual refinement with the virtuosic appeal of its interpreters, in an unmissable show whose performances will extend until the eve of the Christmas festivities and, who knows, it may even be suggested as an affective gift differential to those who love classical dance... Wagner Corrêa de Araújo The Corsair/Ballet of TMRJ, is on display at the Municipal Theater, until 12/23, at 7 pm; with special sessions on 12/17, at 5 pm, and 12/19, at 2 pm.
TRILOGIA / RICARDO AMARANTE : O BRILHO DE UM COREÓGRAFO BRASILEIRO NA COMPAÑIA COLOMBIANA DE BALLET
Photos: Juan Arias
O Ballet del Teatro Colón, criado em 1925, foi a primeira cia clássica oficial da América Latina, seguido do Balé do Theatro Municipal/RJ em 1936, numa bela iniciativa de Maria Olenewa. Uma tradição coreográfica que se estendeu também ao Ballet de Santiago e que, durante dezesseis anos, foi dirigido pela brasileira Marcia Haydée. Estas três companhias estatais são as únicas que mantiveram viva em seus repertórios, no hemisfério sul americano, a prevalência do balé clássico. Onde o protagonismo estético que as igualava num mesmo patamar hoje é, sem dúvida alguma, do Ballet Estable del Teatro Colón, com sua temporada plena de grandes produções clássicas, dando também espaço ao contemporâneo. E, agora, chega aos palcos brasileiros pela primeira vez e numa rápida turnê, a Compañia Colombiana de Ballet, criada no início deste milênio, sendo a única daquele país que estabelece sua linhagem artística a partir da base clássica. Sendo dirigida, no momento, pela reconhecida competência do coreógrafo Jose Manuel Ghiso, ex solista do Balé de Santiago quando comandado por Márcia Haydée. Num programa todo composto por obras de mais um destes brasileiros que já há algum tempo vem se destacando, além fronteiras, com suas criações coreográficas. Estamos falando da trajetória do paulista Ricardo Amarante, do início como bailarino em sua passagem por cias européias, desde o time de primeiros solistas do Royal Ballet of Flanders, onde estreou sua primeira coreografia autoral (A Fuego Lento), à apresentação de seus balés em teatros pelo mundo afora. Em data recente tivemos inclusive a chance de ver duas obras de Ricardo Amarante numa première com o Balé do Teatro Municipal/RJ, na sua versão do Bolero de Ravel e também com Love Fear Loss. A última delas, agora, fazendo parte deste repertorio da Compañia Colombiana de Ballet Estruturada no formato de três pas-de-deux, Love Fear Loss tem como substrato inspirador a temática lírica e trágica de quatro canções que celebrizaram Edith Piaf. Em releituras pianísticas, de La Vie em Rose, em representação apenas sonora, ao despertar da paixão amorosa (Hymne a l’Amour) sequenciado pelos conflitos da separação (Ne Me Quitte Pas) à dor causada por uma terminalidade fatalista (Mon Dieu). No entremeio dos acordes em compasso de prevalentes adágios, sucedendo-se os três bailarinos em arabescos, giros, entrelaces e elevações numa luminosa performance com absoluta entrega amorosa dos tres casais. Sucedendo-se, em Longing, a segunda peça da noite, uma sensorial linguagem gestual capaz de expressar as diferentes fases do surgimento das paixões. Do despertar do encantamento em corpos que se encontram à beira da eclosão dos desejos sensuais quando se tocam, o que vai se revelando na intensidade de uma hibrida corporeidade entre o lirismo e a sexualidade de uma corporeidade se desnudando. Em expressiva criação de Ricardo Amarante para onze bailarinos, desta vez sob os dúplices acordes musicais de Pablo Ziegler e Astor Piazolla. Para tudo se direcionar, em Fuego Lento, a uma apaixonante dramaturgia da fisicalidade na espontânea incorporação da corporeidade dançante do tango de raiz (Carlos Gardel) ao livre compasso das composições de Lalo Schifrin, Piazzola e Sayo Kosugi, numa luminosa coreografia de estética neoclássica. Convergindo para uma performance reveladora no seu compartilhamento emotivo palco/plateia enquanto traz, através das surpreendentes criações de Ricardo Amarante para um afinado elenco de bailarinos, a qualitativa marca estética da Compañia Colombiana de Ballet no universo coreográfico da América Latina. Wagner Corrêa de Araújo (Crítico de Dança)
TRILOGY / RICARDO AMARANTE: THE BRILLIANCE OF A BRAZILIAN CHOREOGRAPHER AT COMPAÑIA COLOMBIANA DE BALLET
The Ballet del Teatro Colón, created in 1925, was the first official classical company in Latin America, followed by the Ballet of the Municipal Theater in Rio de Janeiro in 1936, in a beautiful initiative by Maria Olenewa. A choreographic tradition that also extended to the Ballet de Santiago and which, for sixteen years, was directed by the Brazilian Marcia Haydée. These three state-owned companies are the only ones that have kept alive in their repertoires, in the South American hemisphere, the prevalence of classical ballet. Where the aesthetic protagonism that equaled them on the same level today is, without a doubt, the Ballet Estable del Teatro Colón, with its season full of great classical productions, also giving space to the contemporary. And now, the Compañia Colombiana de Ballet, created at the beginning of this millennium, is the only one in that country that establishes its artistic lineage from the classical base. It is currently directed by the recognized competence of choreographer Jose Manuel Ghiso, former soloist of the Santiago Ballet when led by Márcia Haydée. In a program entirely composed of works by another of these Brazilians who for some time has been standing out, across borders, with his choreographic creations. We are talking about the trajectory of Ricardo Amarante, from his beginnings as a dancer in his passage through European companies, from the team of first soloists of the Royal Ballet of Flanders, where he debuted his first authorial choreography (A Fuego Lento), to the presentation of his ballets in theaters around the world. Recently we even had the chance to see two works by Ricardo Amarante at a premiere with the Ballet of the Municipal Theater/RJ, in his version of Ravel's Bolero and also with Love Fear Loss. The last of them, now, is part of this repertoire of the Compañia Colombiana de Ballet. Structured in the format of three pas-de-deux, Love Fear Loss has as its inspiring substrate the lyrical and tragic theme of four songs that made Edith Piaf famous. In pianistic reinterpretations, from La Vie to Rose, in a sound representation only, to the awakening of amorous passion (Hymne a l'Amour) sequenced by the conflicts of separation (Ne Me Quitte Pas) to the pain caused by a fatalistic terminality (Mon Dieu). In the middle of the chords in rhythm of prevalent adages, the three dancers succeed each other in arabesques, turns, interlaces and elevations in a luminous performance with absolute loving surrender of the three couples. Succeeding, in Longing, the second play of the evening, a sensorial sign language capable of expressing the different phases of the emergence of passions. Of the awakening of enchantment in bodies that are on the verge of the outbreak of sensual desires when they touch each other, which is revealed in the intensity of a hybrid corporeity between lyricism and the sexuality of a corporeality stripping itself bare. In an expressive creation by Ricardo Amarante for eleven dancers, this time under the double musical chords of Pablo Ziegler and Astor Piazolla. In Fuego Lento, everything is directed to a passionate dramaturgy of physicality in the spontaneous incorporation of the dancing corporeality of the root tango (Carlos Gardel) to the free rhythm of the compositions of Lalo Schifrin, Piazzola and Sayo Kosugi, in a luminous choreography of neoclassical aesthetics. Converging on a revealing performance in its emotional sharing of stage/audience while bringing, through the surprising creations of Ricardo Amarante to a finely tuned cast of dancers, the qualitative aesthetic mark of the Compañia Colombiana de Ballet in the choreographic universe of Latin America. Wagner Corrêa de Araújo (Dance Critic)
TRIPLE BILL / BALÉ DO TMRJ : NUMA INCURSÃO COREOGRÁFICA DIRECIONADA À ESTÉTICA NEOCLÁSSICA
Triple Bill / Balé do Theatro Municipal/RJ. Outubro/2023. Fotos/Daniel Ebendinger.
Dando seguimento à temporada 2023, o Balé do Teatro Municipal apresenta um programa comparativo, em caráter quase didático, inicializado pela tradição academicista do clássico, através de uma funcional releitura, por Jorge Teixeira, da Noite de Walpurgis , a partir da coreografia original de Leonid Lavrovsky, concebida para o Bolshoi em 1941. Seguida de duas criações de Ricardo Amarante , estas sob uma estética neoclássica com um olhar mais voltado à contemporaneidade, por intermédio das obras Love Fear Loss e do Bolero de Ravel. Num espetáculo titulado de Triple Bill, classificação muito usada nos palcos internacionais para mostrar uma tríplice sequência de obras diferentes. A cena de balé Noite de Walpurgis que integra com certa habitualidade a ópera Fausto de Charles Gounod, com seu substrato narrativo em torno do pecado e da salvação, entre o céu e o inferno, através de um pacto diabólico de seu personagem titular, expõe o contraponto entre o virtuosismo coreográfico e o embate da pureza espiritual diante da tentação corporal. Aqui, numa concepção cenográfica (Carlos Dalarmelino) e indumentária (Tania Agra) conservadora, preservando a figuração primitiva da trama sem quaisquer avanços cênicos/coreográficos, em performance básica na atuação eficaz de solistas e corpo de baile, com um singularizado destaque para o Fausto de Filipe Moreira, a Marguerite de Juliana Valadão e o Pan de Cícero Gomes. Mas é exatamente na passagem para as duas obras seguintes que se pode perceber um maior peso inventivo com novos ares na envolvência palco/plateia, provocados pelas criações do coreógrafo paulista Ricardo Amarante. Resultado de sua bela trajetória, como bailarino e diretor, em várias companhias internacionais, entre estas a Paris Opera Ballet, Jeune Ballet de France e Royal Ballet de Flandres. Em Love Fear Loss, seu balé mais representado e aplaudido pela crítica, a inspiração parte de três pas-de-deux, tendo como substrato a temática lírica e trágica de quatro das canções que celebrizaram Edith Piaf . De um prólogo, apenas sonoro, com La Vie en Rose, ao surgimento da paixão amorosa (Hymne à l”Amour), indo dos conflitos da separação (Ne Me Quitte Pas) à dor causada por uma terminalidade fatal (Mon Dieu). Balero - Video - part 1 Em transcrições pianísticas por Natahliya Chepurenko , nas apuradas interpretações ao vivo por Calebe Faria , numa caixa cênica preenchida somente pelo piano e pelos três casais de bailarinos. Vestidos por figurinos de tecidos leves e aquarelados, idealizados pelo próprio coreógrafo Amarante, responsabilizando-se este também pelos efeitos de luzes ambientalistas e que favorecem o clima intimista e melodioso das antológicas canções do repertório de Piaf. No entremeio dos acordes em compasso de prevalentes adágios, sucedendo-se os seis bailarinos em arabescos, giros, entrelaces e elevações, numa luminosa performance de absoluta entrega amorosa dos três casais, nas sequenciais partes - Love (com Fernanda Martiny /Filipe Moreira), Fear (por Claudia Mota/Edifranc Alves) e Loss (através de Juliana Valadão/Cícero Gomes) . O programa se completando com uma das recentes versões de um dos balés mais populares de todos os tempos - Bolero, de Maurice Ravel, desde o imbatível dimensionamento conceitual e estético que Maurice Bejart imprimiu à composição. Em outra exuberante coreografia de Ricardo Amarante, com sua potencial conexão de energia e sensualidade, ampliada pelo acerto da conduta sinfônica de Felipe Prazeres, sujeita na estreia a um pequeno e instantâneo deslize na sonoridade dos sopros. E que reune, num similar equilíbrio do Balé do TMRJ, bailarinos em processo de ascensão ao lado daqueles de reconhecida maturidade, num louvável empenho conjunto de Hélio Bejani e Jorge Teixeira para resgatar o antigo prestígio da Cia. Além de contar, ainda, com a versatilidade de outro brasileiro de carreira internacional Renê Salazar David, desta vez na concepção cenográfica e indumentária. Neste revelador espetáculo do talento múltiplo de Ricardo Amarante, mais um destes artistas brasileiros do universo da dança que brilham lá fora, a direção artística do Municipal (Eric Herrero) carioca dá um dúplice e vitorioso gol. Não só pela valorização de nossos criadores coreográficos, como pelo necessário estímulo à atualização em moldes contemporâneos, sem abandonar a tipicidade do repertório de uma respeitável cia clássica de Balé, assim como fazem todas as grandes cias estáveis de dança pelo mundo afora... Wagner Corrêa de Araújo (Crítico de Dança) Balé do TMRJ/Triple Bill está em cartaz no TM, desde o dia 11 até domingo, 15 de outubro, às 17h.
TRIPLE BILL / TMRJ BALLET: IN A CHOREOGRAPHIC INCURSION DIRECTED TO NEOCLASSICAL AESTHETICS
Triple Bill / Ballet of the Municipal Theater/RJ. October/2023. Photos/Daniel Ebendinger.
Continuing the 2023 season, the Municipal Theatre Ballet presents a comparative program, in an almost didactic character, initiated by the academic tradition of the classic, through a functional rereading, by Jorge Teixeira, of Walpurgis Night, based on the original choreography by Leonid Lavrovsky, conceived for the Bolshoi in 1941. Followed by two creations by Ricardo Amarante, these under a neoclassical aesthetic with a more contemporary look, through the works Love Fear Loss and Ravel's Bolero. In a show entitled Triple Bill, a classification widely used on international stages to show a triple sequence of different works. The ballet scene Walpurgis Night, which is part of Charles Gounod's opera Faust, with its narrative substratum around sin and salvation, between heaven and hell, through a diabolical pact of its titular character, exposes the counterpoint between choreographic virtuosity and the clash of spiritual purity in the face of bodily temptation. Here, in a scenographic conception (Carlos Dalarmelino) and conservative clothing (Tania Agra), preserving the primitive figuration of the plot without any scenic/choreographic advances, in basic performance in the effective performance of soloists and corps de ballet, with a singular emphasis on Faust by Filipe Moreira, Marguerite by Juliana Valadão and Pan by Cícero Gomes. But it is precisely in the passage to the next two works that one can perceive a greater inventive weight with new airs in the stage/audience surroundings, provoked by the creations of the São Paulo choreographer Ricardo Amarante. It is the result of his beautiful career, as a dancer and director, in several international companies, including the Paris Opera Ballet, Jeune Ballet de France and Royal Ballet de Flanders. In Love Fear Loss, her most performed and critically applauded ballet, the inspiration comes from three pas-de-deux, having as substrate the lyrical and tragic themes of four of the songs that made Edith Piaf famous. From a prologue, only sonorous, with La Vie en Rose, to the emergence of amorous passion (Hymne à l"Amour), going from the conflicts of separation (Ne Me Quitte Pas) to the pain caused by a fatal terminality (Mon Dieu). In piano transcriptions byNatahliya Chepurenko , in refined live interpretations by Calebe Faria, in a scenic box filled only by the piano and the three couples of dancers. Dressed in costumes of light and watercolor fabrics, idealized by the choreographer Amarante himself, who is also responsible for the effects of environmentalist lights and that favor the intimate and melodious atmosphere of the anthological songs of Piaf's repertoire. Bolero - Video - Part 2 In the middle of the chords in rhythm of prevalent adages, the six dancers succeed each other in arabesques, turns, interlaces and elevations, in a luminous performance of absolute loving surrender of the three couples, in the sequential parts - Love (with Fernanda Martiny / Filipe Moreira), Fear (by Claudia Mota / Edifranc Alves) and Loss (by Juliana Valadão / Cícero Gomes). The program is completed with one of the recent versions of one of the most popular ballets of all time - Bolero, by Maurice Ravel, from the unbeatable conceptual and aesthetic dimensioning that Maurice Bejart imprinted on the composition. In another exuberant choreography by Ricardo Amarante, with its potential connection of energy and sensuality, amplified by the accuracy of Felipe Prazeres' symphonic conduct, subject in the premiere to a small and instantaneous slip in the sonority of the woodwinds. And that brings together, in a similar balance of the TMRJ Ballet, dancers in the process of ascension alongside those of recognized maturity, in a commendable joint effort of Hélio Bejani and Jorge Teixeira to rescue the old prestige of the Company. In this revealing spectacle of the multiple talent of Ricardo Amarante, another one of these Brazilian artists from the dance universe who shine abroad, the artistic direction of the Municipal (Eric Herrero) from Rio de Janeiro gives a double and victorious goal. Not only for the appreciation of our choreographic creators, but also for the necessary stimulus to update in contemporary molds, without abandoning the typicity of the repertoire of a respectable classical ballet company, as do all the great stable dance companies around the world... Wagner Corrêa de Araújo (Dance Critic) TMRJ/Triple Bill Ballet is on display at TM, from October 11 to Sunday, October 15, at 5 pm.
THIAGO SOARES / ÚLTIMO ATO : SEM QUE AS LUZES SE APAGUEM, LONGE DA DESPEDIDA
Último Ato. Thiago Soares/Direção e Coreografia. Outubro/2023. Fotos/Divulgação.
Quem diria que um menino de família simples com limitadas condições financeiras, de uma destas ruas comuns do subúrbio carioca, dos espontâneos improvisos do “break", como num passe de mágica, se tornaria estrela de primeira grandeza do mais celebrado palco londrino da dança clássica. Tendo ainda transitado profissionalmente por outros espaços sacralizados por nomes míticos da dança ou em conceituadas companhias de balé, desde o Theatro Municipal carioca à sua seleção para o Bolshoi ou passando pelo elenco do Kirov. Antes que chegasse a sua grande chance de se tornar, em pouco tempo, um dos primeiros e absolutos bailarinos do Royal Ballet. 'Diamonds' pas de deux (Balanchine: Marianela Nunez & Thiago Soares; The Royal Ballet) video Onde durante quase duas décadas tornar-se-ia um destes vitoriosos bailarinos/atores, com seus personagens dramatúrgicos de protagonismo masculino, em balés como Oneguin, Manon ou Mayerling. Cumprindo, assim, o desafio de enfrentamento do preconceito machista de seus colegas de escola pública com sua reflexão visionária de que estava apenas aprendendo teatro num estúdio de balé. “Sempre tive interesse em conhecer os personagens por seu lado teatral, pelo que trazem de narrativo, por suas características expressivas. E o fato de ter chegado ao Royal me ajudou muito nisto, pois é uma companhia única no mundo que consegue reunir sempre o teatro e a dança’’, foi o que nos disse Thiago Soares em entrevista para a Revista Dança Brasil, em 2015, distante ainda da sua decisão futura aos 38 anos, trocando as glórias londrinas pela busca investigativa de novos caminhos na arte da dança. O que ele vem fazendo com o maior empenho, retomando ocasionalmente suas raízes de dançarino de break conectando-as à sua sólida base acadêmica de tantos anos. Ora coreografando e dirigindo um espetáculo inteiro naquela que foi sua primeira companhia clássica o Balé do Municipal. Ou apresentando-se em obras, com um olhar mais contemporâneo como num pas-de-deux (Paixão) criado por Deborah Colker e dançado pelos dois. Tendo aberto, em tempos recentes, um estúdio de dança no Rio de Janeiro e, a seguir, optando por dirigir o Balé de Monterrey, México, atuando ali, no momento, como coreógrafo residente. Isto tudo para sequenciar uma bela trajetória dançante, de nada menos que três décadas com inúmeras turnês mundiais. Começando, também, a dar vazão a um antigo ideal de integrar a performance coreográfica à representação teatral. Extensiva a algumas incursões cinematográficas, indo desde um curta autoral (Quimera Vermelha) no Festival Cannes 2022, além do ideário de uma longa autobiográfico a ser lançado no próximo ano. Lembrando, ainda, que algumas de suas maiores performances clássicas estão preservadas em registros fílmicos. Nesta sua mais recente criação a que ele denomina, sob uma sutil e subliminar ironia crítica, de Último Ato, originalizada em Lisboa, na continuidade de apresentações em Curitiba, Rio de Janeiro e São Paulo. Numa proposta diferencial na carreira de Thiago Soares, mostrando suas aptidões de bailarino clássico, integralizadas num similar nível qualitativo com as danças urbanas. Em performances ao lado de mais quatro atores/bailarinos (Alyne Mach, Elenilson Grecchi, Helio Cavalcanti e Tairine Barbosa) com um assumido sotaque de teatro coreográfico para, neste dimensionamento estético, sugestionar os bastidores do universo da dança. Alternando a linguagem gestual da corporeidade no entremeio de verbalizações confessionais teatralizadas sobre sua vida de artista. Priorizando o cotidiano do oficio de bailarino, dos camarins ao ensaio no palco, do experimento das indumentárias características aos efeitos luminares e sonoros. No alcance de momentos originais como um pas-de-deux com uma barra ou um inspirado recorte cênico, em dialetação de todo elenco com um globo numa espacial projeção plástica do homem vitruviano de Leonardo da Vinci, sob mágicos acordes impressionistas. No que seria a apoteose final transmutada num vocabulário do movimento sob a linguagem híbrida da técnica clássica com o gestual break, acontecendo num teatro imersivo sob luzes psicodélicas que, na prevalência de uma vigorosa dramaturgia da fisicalidade, sinaliza que está longe de ser este o Último Ato... Wagner Corrêa de Araújo (Crítico de Dança) Último Ato, de Thiago Soares, foi apresentado em turnê por sete cidades brasileiras, desde maio até os dias 7 e 8 de outubro em São Paulo, no Teatro J. Safra.
THIAGO SOARES / LAST ACT: WITHOUT THE LIGHTS GOING OUT, FAR FROM THE FAREWELL
Last Act. Thiago Soares/Direction and Choreography. October/2023. Photos/Disclosure.
Thiago Soares
Who would have thought that a boy from a simple family with limited financial conditions, from one of those common streets of the Rio suburbs, from the spontaneous improvisations of the "break", as if by magic, would become a star of the first magnitude of the most celebrated London stage of classical dance. He has also worked professionally in other spaces consecrated by mythical names in dance or in renowned ballet companies, from the Municipal Theater of Rio de Janeiro to his selection for the Bolshoi or the cast of the Kirov. Before his big break came to become, in a short time, one of the first and absolute dancers of the Royal Ballet. Marianela Nuñez and Thiago Soares of The Royal Ballet rehearse Winter Dreams – World Ballet Day 2018 - video Where for almost two decades he would become one of these victorious dancers/actors, with his dramaturgical characters of male protagonism, in ballets such as Oneguin, Manon or Mayerling. Thus, fulfilling the challenge of confronting the sexist prejudice of his public-school classmates with his visionary reflection that he was only learning theater in a ballet studio. "I've always been interested in getting to know the characters for their theatrical side, for what they bring to the table, for their expressive characteristics. And the fact that I arrived at the Royal helped me a lot in this, because it is a unique company in the world that always manages to bring together theater and dance", was what Thiago Soares told us in an interview for Dança Brasil Magazine, in 2015, still far from his future decision at the age of 38, exchanging the glories of London for the investigative search for new paths in the art of dance. Which he has been doing with the greatest commitment, occasionally returning to his roots as a break dancer connecting them to his solid academic foundation of so many years. Now choreographing and directing an entire show in what was his first classical company, the Municipal Ballet. Or performing in works, with a more contemporary look as in a pas-de-deux (Passion) created by Deborah Colker and danced by the two. Having recently opened a dance studio in Rio de Janeiro and then choosing to direct the Ballet of Monterrey, Mexico, working there, at the moment, as resident choreographer. All this to sequence a beautiful dance trajectory, of no less than three decades with numerous world tours. It also began to give vent to an old ideal of integrating choreographic performance with theatrical representation. Extended to some cinematographic incursions, ranging from an authorial short film (Red Chimera) at the Cannes Festival 2022, in addition to the ideals of an autobiographical feature to be released next year. Remembering, also, that some of his greatest classical performances are preserved in film records. In his most recent creation, which he calls, under a subtle and subliminal critical irony, Último Ato, originally in Lisbon, in the continuity of presentations in Curitiba, Rio de Janeiro and São Paulo. In a differential proposal in the career of Thiago Soares, showing his aptitudes as a classical dancer, integrated at a similar qualitative level with urban dances. In performances alongside four other actors/dancers (Alyne Mach, Elenilson Grecchi, Helio Cavalcanti and Tairine Barbosa) with an assumed choreographic theater accent to, in this aesthetic dimensioning, suggest the backstage of the dance universe. Alternating the gestural language of corporeality in the midst of theatrical confessional verbalizations about his life as an artist. Prioritizing the daily life of the dancer's craft, from the dressing rooms to the rehearsal on stage, from the experiment of the characteristic costumes to the luminary and sound effects. In the reach of original moments such as a pas-de-deux with a bar or an inspired scenic cutout, in dialect of the entire cast with a globe in a spatial plastic projection of Leonardo da Vinci's Vitruvian man, under magical impressionist chords. In what would be the final apotheosis transmuted into a vocabulary of movement under the hybrid language of classical technique with the gestural break, taking place in an immersive theater under psychedelic lights that, in the prevalence of a vigorous dramaturgy of physicality, signals that this is far from being the Last Act... Wagner Corrêa de Araújo (Dance Critic) Último Ato, by Thiago Soares, was presented on tour in seven Brazilian cities, from May to October 7 and 8 in São Paulo, at the J. Safra Theater.
ThiagoSoares Photo: Andrej-Uspensky
ESTHER WEITZMAN CIA DE DANÇA : NO “BREVE” RITO DE PASSAGEM ENTRE A DANÇA E A VIDA
Breve. Esther Weitzman Companhia de Dança. Agosto/2023. Fotos/Renato Mangolin.
Há exatos cinquenta anos o livro “Dançar a Vida", de Roger Garaudy, estabelecia metafórica conexão entre o pensamento filosófico e o ato de dançar. Era uma tese que antecipava um movimento estético no entorno de novas perspectivas para a criação coreográfica e que se estenderia, inclusive, a Maurice Béjart, o responsável pelo entusiasta prefácio original da obra. E quando assistimos à última das obras de Esther Weitzman que ela, simbólicamente, denomina de Breve, chegando a integrar palavras faladas como prólogo do espetáculo, há uma subliminar percepção de permanência do pensar reflexivo de Garaudy : “A dança é um modo de existir”. Como se, ali, num conceitual poético com um sutil sotaque de melancolia, estivessem ela e os três bailarinos (Paulo Marques, Toni Rodrigues e Federico Paredes), num manifesto artístico confessional, em tempo "breve", se despedindo de tudo em caráter definitivo. Sustentados pela similar maturidade profissional de suas trajetórias, sob a brevidade da arte e da vida, frente ao desafio terminal da condição humana. O que concede à performance uma sensorial e carismática cumplicidade emotiva palco/plateia. Onde Esther Weitzman, em dúplice ofício, atua como bailarina além do ideário coreográfico-direcional, contando também com a valiosa parceria artística de Frederico Paredes. Apresentando-se, performaticamente, numa mesma identidade estética de busca investigativa, junto com os artistas/bailarinos Paulo Marques e Toni Rodrigues. Num processo criador que dá sequência a uma linha coreográfica que ela vem desenvolvendo em sua Esther Weitzman Companhia de Dança, desde 1999, para uma dramaturgia corporal que prioriza um gestual cotidiano, longe de quaisquer maneirismos. Na “manifestação exterior dos sentimentos interiores”, com um referencial às teorias de Rudolf Laban, sabendo integrar o movimento numa expressiva linguagem coreográfica antenada em muitos avanços inventivos. Cuja força cênica reside na singularidade das relações temporais estabelecidas pelos bailarinos transitando pelo espaço de uma caixa cênica despojada, sendo preenchida apenas pelo presencial físico desta corporeidade dançante, em imersiva conexão gestual. E no caso de Breve, eles dialogam na intensidade de espontâneos trios e duos, ou se apresentam em delicados solos. Que sugestionam a envolvência do olhar/espectador na personificação simples de uma psicofisicalidade, plena de tocante apelo sensitivo. Com pés nus pisando o chão, paramentados numa funcional indumentária (Manuela Weitzman) dia-a-dia e um desenho de luzes vazadas (José Geraldo Furtado), ora se apresentando em posturas energizadas nos seus caminhares, ora em rodas de ciranda a três. Ou, então, nas relaxantes marcações respiratórias, intermediadas por pausas de silêncio. Impulsionados por uma trilha sonora (Esther Weitzman/Paulo Marques) à base de acordes variados que vão de frases baléticas de Tchaikovsky a solos instrumentais, indo de sonoridades pop/jazzísticas a citações que remetem ao teatro musical. Caracterizando o legado artístico, de percursos individuais ou coletivos, para cada um destes reconhecidos nomes no universo da dança contemporânea, em moldes brasileiros, Breve faz um belo tributo ao convicto empenho de um existir dedicado, em sua integralidade, à arte coreográfica. Esta singular celebração promove, assim, um reencontro da dança com a vida. E porque, afinal, não conecta-la também à lembrança reflexiva de Roger Garaudy no oportuno meio século de seu emblemático livro : “O que aconteceria se, em em vez de apenas construir nossa vida, nós nos entregássemos à loucura ou à sabedoria de dança-la”... Wagner Corrêa de Araújo ( Crítico de Dança) Breve está em cartaz no Sesc Copacabana/Mezanino, de quinta a domingo, às 20hs. Até 06 de agosto.
ESTHER WEITZMAN DANCE COMPANY: IN THE "BRIEF" RITE OF PASSAGE BETWEEN DANCE AND LIFE
Concise. Esther Weitzman Dance Company. August/2023. Photos/Renato Mangolin.
Exactly fifty years ago, Roger Garaudy's book "Dancing Life" made a metaphorical connection between philosophical thought and the act of dancing. It was a thesis that anticipated an aesthetic movement around new perspectives for choreographic creation and that would extend even to Maurice Béjart, who was responsible for the enthusiastic original preface of the work. And when we watch the last of Esther Weitzman's works, which she symbolically calls Breve, even integrating spoken words as a prologue to the show, there is a subliminal perception of the permanence of Garaudy's reflective thinking: "Dance is a way of existing." As if, there, in a poetic conceptual with a subtle accent of melancholy, were she and the three dancers (Paulo Marques, Toni Rodrigues and Federico Paredes), in a confessional artistic manifesto, in a "brief" time, saying goodbye to everything in a definitive character. Sustained by the similar professional maturity of their trajectories, under the brevity of art and life, in the face of the terminal challenge of the human condition. Which gives the performance a sensory and charismatic complicity emotive stage/audience. Where Esther Weitzman, in double craft, acts as a dancer beyond the choreographic-directional ideal, also counting on the valuable artistic partnership of Frederico Paredes. Presenting itself, performatically, in the same aesthetic identity of investigative search, together with the artists/dancers Paulo Marques and Toni Rodrigues. In a creative process that follows a choreographic line that she has been developing in her Esther Weitzman Dance Company, since 1999, for a body dramaturgy that prioritizes an everyday gesture, far from any mannerisms. In the "outer manifestation of inner feelings", with a reference to the theories of Rudolf Laban, knowing how to integrate the movement in an expressive choreographic language tuned in to many inventive advances. Whose scenic force lies in the singularity of the temporal relations established by the dancers transiting through the space of a stripped-down scenic box, being filled only by the physical presence of this dancing corporeality, in immersive gestural connection. And in Breve's case, they dialogue in the intensity of spontaneous trios and duos or perform in delicate solos. That suggest the involvement of the gaze/spectator in the simple embodiment of a psychophysicality, full of touching sensory appeal. With bare feet treading the ground, dressed in a functional day-to-day clothing (Manuela Weitzman) and a drawing of hollow lights (José Geraldo Furtado), sometimes presenting themselves in energized postures in their walks, sometimes in wheels of ciranda to three. Or, in the relaxing respiratory markings, intermediated by pauses of silence. Driven by a soundtrack (Esther Weitzman/Paulo Marques) based on varied chords ranging from Tchaikovsky's balletic phrases to instrumental solos, ranging from pop/jazz sonorities to quotes that refer to musical theater. Characterizing the artistic legacy, of individual or collective paths, for each of these recognized names in the universe of contemporary dance, in Brazilian molds, Breve makes a beautiful tribute to the convinced commitment of an existence dedicated, in its entirety, to choreographic art. This unique celebration thus promotes a reunion of dance with life. And why, after all, not connect it also to the reflective remembrance of Roger Garaudy in the timely half-century of his emblematic book: "What would happen if, instead of just building our life, we gave ourselves over to madness or the wisdom of dancing it?" Wagner Correa de Araújo (Dance Critic) Breve is on display at Sesc Copacabana / Mezzanine, from Thursday to Sunday, at 20hs. Through Aug. 6.
CARLOTA / FOCUS DANÇA PIAZZOLA :
A TRIBUTE TO THE FEMININE AESTHETIC LEGACY IN ALEX NEORAL'S CONCEPTUAL CHOREOGRAPHIC
Charlotte-Focus Dance Piazzola. Alex Neoral/Choreographic design. July/2023. Photos/Cristina Granato. Anticipating the celebration in 2024 of his three decades of scenic incursions, under a permanent sign of inventive searches for contemporary dance in Brazilian molds, Alex Neoral is back with Focus Cia de Dança. Through another unpublished work of the multifaceted creative craft of this idealizer, director and choreographer, titled very much by the way as Carlota - Focus Dança Piazzola. This time, in addition to the commemorative date, paying tribute to four female names driving his artistic/professional training as a dancer and for his future as a choreographer. Through her stints in the Tápias Group of Giselle Tápias, in the Cia Nós da Dança of Regina Sauer, in the Cia Vacilou Dançou of Carlota Portella and in the Cia Déborah Colker. With another original dimensioning to fulfill, thus, a desire of Alex Neoral to create a choreographic / musical show where the eleven compositions of Astor Piazzola are used, in addition to the purpose of homage and gratitude, under a thematic / gestural substrate capable of inspiring expressive work for nine dancers. Full of energy, sensuality and passion and that refers to the memory of the precursor work in the revelation of the fascination that the new tango began to excercer in the universe of contemporary dance. We are talking about Piazzola Caldera that Paul Taylor, in 1997, directed to his Company, and that the cariocas had the privilege of seeing, exactly eight years ago, on the stage of the City of Arts. Transmuted sequentially in the differential choreographic reinterpretations of this musical/dancing genre by some of the most respected European, Latin and Brazilian names, extending to emblematic film approaches such as Carlos Saura's Tango and, now, also integrating the repertoire of Alex Neoral, one of the basic names of our contemporary dance. From the realization of the dream of a choreographic approach of the fascinating compositional collection of Piazzola, always able to impress the public and the critics with its engaging fusion of neoclassical chords and jazzy rhythms, tradition and modernity, far from the prevalence of the mere folklorist appeal as it was known until then the Argentine tango. Where, in the drive of another of Alex Neoral's surprising creations, his sensitive and at the same time critical deciphering eye of the mysteries of choreographic art, is assumed again with commitment, inventive spirit and good taste for a cast of nine exceptional dancers (Bianca Lopes, Carolina de Sá, Cosme Gregory, Letícia Tavares, Lindemberg Malli, Natanael Nogueira, Paloma Tauffer, Vanessa Fonseca and Wesley Tavares). In a scenic setting (Natália Lana) of singular handmade design, functioning as a ceiling / roof that centralizes the stage / arena and, imagetically, serving as a plastic support to an environment of passions, in the trajectory of these "four porteño seasons". Always highlighted in the diverse and emotive visual appeal provoked by the luminary modulations of Anderson Ratto. With beautiful costumes (Maria Osório) in the transparency of sticky knits, under pictorial hues, and pantaloons of fluttering fabrics, without any concerns of characterizing only the masculine or the feminine, but hybridly identifying dancers and dancers in a single sensorial corporeality. Prioritizing a movement in groups, duos and solos, supported by an expressive psychophysicality that exorbitates the technical quality of the nine dancers, making it difficult to underline individual highlights in the face of the convinced uniqueness of the integral surrender to the performance. Instigating in the visionary look of Alex Neoral that away from that melancholized tango of feet on the ground, in a follow-up to the conceptual of this "nuevo tango" molded to feel and think, makes flow a balletic gesture alongside energized gesture of contemporary accent. In a corporeality that references the tradition of tango in the couples embraced while, driven by the modern sound/guide of a bandoneón, it unveils in syncopatic movements of group circularity, a scale of bodies in connection, lofty or thrown to the ground, as if they were all, armed with magical daggers, choreographic "torear en la plaza". For Astor Piazzola, in the synthesis of a phrase by Jorge Luis Borges was the secret of the emblematic process of creation: "In a drawer of my desk, a dagger dreams its tiger dreams." With Carlota-Focus Dança Piazzola, Alex Neoral and his incredible troupe, finally, transubstantiate in an immersive and potential scenic/choreographic body, this inspiring link that united the genius of those two artists "Hermanos"... Review by: Wagner Corrêa de Araújo Carlota – Focus Dança Piazzola is on display at Espaço Arena/Sesc Copacabana, from Thursday to Sunday, at 8pm. Through July 23.
Review by: Wagner Corrêa de Araújo
CRÍTICA DE WAGNER CORRÊA DE ARAÚJO
NEY MATOGROSSO/HOMEM COM H : A IRREVERENTE TRAJETÓRIA ARTÍSTICA/EXISTENCIAL DE UM ÍCONE DA MPB.
CRÍTICA DE WAGNER CORRÊA DE ARAÚJO NO BLOG DE ÓPERA & BALLET.
Ney Matogrosso - Homem com H / O Musical. Fernanda Chamma/Marilia Toledo/Direção. Junho 2023. Fotos Adriano Dória. "Rompi tratados / Traí os ritos / Quebrei a lança / Lancei no espaço / Um grito / um desabafo"...(Sangue Latino) Ney Matogrosso. Desde 2022, um musical vem seguidamente retornando, em novas temporadas, aos palcos paulistas. E já prepara seu voo artístico para também encantar o publico carioca, onde deverá aportar no decurso ainda deste segundo semestre. Estamos falando de um dos grandes êxitos da última temporada da Paulicéia com indicações a prêmios como o da APCA e vencedor do Destaque Imprensa Digital 2022 – Ney Matogrosso Homem com H/O Musical. Numa dramaturgia a quatro mãos por Emilio Boechat e Marília Toledo, inspirada a partir de três livros biográficos e dimensionada basicamente por sequencial narrativa cronológica, possibilitando um mergulho em tempos controversos de nossa história, no conflituado convívio da liberdade comportamental de toda uma geração pós-Woodstock com a repressão do regime militar. Ancorando-se numa segura direção concepcional (Fernanda Chamma e Marília Toledo) e contando com um grande elenco ao lado de uma dúplice protagonização titular. Repartida entre a ambiência familiar no interior mato-grossense, na personificação do ainda juvenil artista, pelo também jovem ator Murilo Armacollo, às múltiplas etapas da ascensão de Ney como personalidade icônica no cenário musical brasileiro, na alterativa representação vocal e performática de Renan Mattos. Ney Matogrosso-Homem com H / O Musical. Emílio Boechat/Marília Toledo/Dramaturgia. Junho/2023.Fotos/Adriano Doria.
Na despretensiosa mas extremamente funcional arquiteturação cênica (Carmen Guerra) sustentada apenas por platôs de madeira em vários níveis, à maneira de um show, onde transcorrem todos os registros da trama, desde as cenas mais intimistas às exibições especificamente musicais. Facilitando de vez rápidas mudanças frente à plateia, de um clima para outro, incluídos os figurinos (Michelly X) e o visagismo (Edgar Cardoso) extremamente peculiar do personagem. São várias décadas desde os anos provincianos no enfrentamento e no desafio adolescente ao conservadorismo de um pai militar, à pressão social contra a livre identificação sexual de uma geração libertária sob o signo de viagens psicodélicas de paz e amor, às passagens por Brasília onde Ney Matogrosso experimenta o ofício de ator. Para o descortino, no entremeio de suas aventuras paulistas e cariocas, da surpresa inventiva de uma atuação assumidamente diferencial na banda Secos & Molhados, sinalizada sempre por uma postura andrógina, o que transforma Ney Matogrosso em instântaneo fenômeno de mídia. Com suas performances irreverentes, sob aquarelada maquiagem e corporeidade seminua em gestual inusitado, nos palcos e na televisão, num posicionamento de resistência à época ditatorial. Onde vão se sucedendo envolventes caracterizações de figuras como as de Rita Lee (Hellen de Castro), parceiros musicais de shows, empresários, além da referência presencial de incisivos relacionamentos amorosos tais como Cazuza (Vinicius Loyola) e Marco de Maria, vítimas fatais da Aids. Tudo acentuado com o apuro de vazados efeitos luminares (Fran Barros/Tulio Pezzoni) que imprimem à energizada linguagem coreográfica (Fernanda Chamma) um sotaque pleno de requebros e expressões faciais de híbrida sexualidade marcando, assim, o caminho precursor do cantor em shows direcionados a todos os gêneros e gostos e sob o aplauso de quaisquer idades. Priorizando pelo dúplo comando direcional (Fernanda Chamma e Marília Toledo) provocantes e erotizadas formas de representação cênica e musical, amplificadas nos arranjos de artesanal trilha sonora (da lavra de Daniel Rocha). Enquanto a performance de Renan Mattos faz temer, a princípio, a adoção de uma linha mais afetada pelas eventuais fragilidades de um intérprete cover, esta impressão acaba superada com o seu mimetismo especular revelando, afinal, uma fluente e sensorial adequação psicofísica ao papel que atrai a cumplicidade interativa da plateia. E não foi por um mero acaso que o próprio Ney Matogrosso, ao assistir o espetáculo, dirigiu-se ao camarim e abraçou com indisfarçável emoção o personagem e o ator que Renan Mattos faz viver ali com tão intensa convicção... Wagner Corrêa de Araújo
Ney Matogrosso Homem com H – O Musical está em cartaz no Teatro Procópio Ferreira/Rua Augusta/SP, até domingo, 2 de Julho.
Reviews:Wagner Corrêa de Araújo (Crítico de Dança)
NEY MATOGROSSO/HOMEM COM H : THE IRREVERENT ARTISTIC/EXISTENTIAL TRAJECTORY OF AN MPB ICON. .
REVIEW OF WAGNER CORRÊA DE ARAÚJO IN THE OPERA BLOG & BALLET.
Ney Matogrosso - Man with H/O Musical. Fernanda Chamma/Marilia Toledo/Direction. June 2023. Photos Adriano Dória. "I broke treaties / I betrayed the rites / I broke the spear / I threw into space / A scream / an outburst"... (Latin Blood) Ney Matogrosso. Since 2022, a musical has been returning, in new seasons, to the stages of São Paulo. And it is already preparing its artistic flight to also delight the carioca public, where it should dock during this second semester. We are talking about one of the great successes of the last season of Paulicéia with nominations for awards such as the APCA and winner of the Highlight Digital Press 2022 – Ney Matogrosso Homem com H/O Musical. In a four-hand dramaturgy by Emilio Boechat and Marília Toledo, inspired by three biographical books and basically dimensioned by sequential chronological narrative, allowing a dive into controversial times of our history, in the conflicted coexistence of the behavioral freedom of an entire post-Woodstock generation with the repression of the military regime. Anchoring itself in a safe conceptional direction (Fernanda Chamma and Marília Toledo) and counting on a large cast alongside a double titular protagonist. Divided between the family ambience in the interior of Mato Grosso, in the personification of the still juvenile artist, by the also young actor Murilo Armacollo, to the multiple stages of Ney's rise as an iconic personality in the Brazilian music scene, in the alterative vocal and performance representation of Renan Mattos. Ney Matogrosso-Man with H/O Musical. Emilio Boechat/Marília Toledo/Dramaturgy. June/2023.Photos/Adriano Doria.
In the unpretentious but extremely functional scenic architecture (Carmen Guerra) supported only by wooden plateaus on several levels, in the manner of a show, where all the records of the plot take place, from the most intimate scenes to the specifically musical exhibitions. Facilitating once and for all quick changes in front of the audience, from one climate to another, including the costumes (Michelly X) and the extremely peculiar visagism (Edgar Cardoso) of the character. It is several decades from the provincial years in the confrontation and adolescent challenge to the conservatism of a military father, to the social pressure against the free sexual identification of a libertarian generation under the sign of psychedelic journeys of peace and love, to the passages through Brasilia where Ney Matogrosso experiences the craft of actor. For Descortino, in the midst of his São Paulo and Rio adventures, the inventive surprise of an admittedly differential performance in the band Secos & Molhados, always signaled by an androgynous posture, which transforms Ney Matogrosso into an instantaneous media phenomenon. With his irreverent performances, under watercolor makeup and half-naked corporeality in unusual gestures, on stage and television, in a position of resistance to the dictatorial era. Where engaging characterizations of figures such as Rita Lee (Hellen de Castro), musical partners of shows, businessmen, in addition to the face-to-face reference of incisive love relationships such as Cazuza (Vinicius Loyola) and Marco de Maria, fatal victims of AIDS. All accentuated with the plight of leaked luminary effects (Fran Barros/Tulio Pezzoni) that imprint on the energized choreographic language (Fernanda Chamma) an accent full of breaks and facial expressions of hybrid sexuality thus marking the precursor path of the singer in shows directed to all genres and tastes and under the applause of any ages. Prioritizing by the double directional command (Fernanda Chamma and Marília Toledo) provocative and eroticized forms of scenic and musical representation, amplified in the arrangements of handmade soundtrack (from the work of Daniel Rocha). While the performance of Renan Mattos makes fear, at first, the adoption of a line more affected by the eventual fragilities of a cover interpreter, this impression ends up overcome with his specular mimicry revealing, after all, a fluent and sensorial psychophysical adaptation to the role that attracts the interactive complicity of the audience. And it was not by mere chance that Ney Matogrosso himself, while watching the show, went to the dressing room and embraced with undisguised emotion the character and the actor that Renan Mattos makes live there with such intense conviction ... Wagner Correa de Araújo
Ney Matogrosso Homem com H – The Musical is on display at Teatro Procópio Ferreira/Rua Augusta/SP, until Sunday, July 2nd.
SÃO PAULO CIA DE DANÇA/SPCD : 15 ANOS SOB SURPREENDENTE PROCESSO DE CRIAÇÃO
I've Changed My Mind de Shahar Binyamini Photo: Charles Lima
Ao completar seus 15 anos de ininterrupto processo de busca investigativa nos mais diversos caminhos da arte coreográfica a São Paulo Companhia de Dança - SPCD comemora a data titulando simbolicamente a sua temporada 2023 como Labirintos em Movimento. Mantendo, assim, seu marco estético de incursões da tradição clássica à modernidade embora prioritariamente privilegie a dança contemporânea, destacando-se aí com um repertório que reune o melhor do acervo internacional àquele idealizado em moldes de brasilidade. Com criações inéditas de coreógrafos brasileiros ao lado de obras representativas do além mar, numa amostragem acurada do que há de mais revelador e instigante na linguagem da dança, com um permanente olhar armado na contemporaneidade. Não faltando nunca à SPCD o seguro comando artístico e educacional de sua diretora Inês Bógea para uma Cia de reconhecida qualidade técnica e com a artesanal performance de seus bailarinos, sempre sob o habitual aplauso do público e o reconhecimento da crítica. O programa 2023 alternou releituras do repertório clássico mantendo as suas estruturas estilísticas básicas tanto no Ato II de Giselle como em Les Sylphides, nas respectivas remontagens de Lars van Cauwenbergh e de Ana Botafogo. Completadas por uma bonita versão por Diego de Paula para uma Suíte de Paquita a partir de Petipa/Minkus. Neste último caso, abrindo a noite que encerra o primeiro ciclo 2023 de espetáculos. E já envolvendo a plateia com o clima romântico que neste balé foge do padrão característico das obras de temática sobrenatural daquele período, focando mais nas energizadas performances técnicas, com muitos giros, pontas, saltos e piruetas que se tornam exponenciais nas variações do Grand Pas final. Em precisos solos de protagonização de Paquita e de Lucien, extensivos ao Pas de Quatre e a um preciso sustento grupal de um Corpo de Baile feminino. Suite de Paquita por Diego de Paula Photo: Charles Limaed Gala Classica / SPCD - Video Ao iniciar-se Ibi-Da Natureza ao Caos há uma imediata percepção, nos bastidores, de um lamentoso grito de protesto enquanto se ouvem ruídos de uma cantoria tribal, ritmada percussivamente por pés no solo do palco. Resultado dos resilientes questionamentos no entorno do caótico status quo assumido pelos humanos em seu descaso pelo sagrado e ancestral legado da natureza. ibi da natureza ao caos de gal martins Photo: marcelo machado Esta obra de Gal Martins, uma artista da periferia, alia o ideário do ativista indígena Ailton Krenak, através de O Amanhã Não Está a Venda, ao devir-animal de Gilles Deleuze em sua proposta filosófico/comportamental de um necessário estado de não ser homem e nem bicho. Impressionando por sua impactante ambiência cenográfica sob metafórica desconstrução de uma paisagem florestal, ampliada nos acordes vocais afro/indigenistas, luzes entre sombras, indumentária e visagismo com sugestionamento ritualístico. Numa fusão com a corporeidade gestual dos bailarinos, ora arrastando-se pelo chão ora erguendo-se, braços estendidos e mãos ao alto, num grito de dor e de revolta, convergindo tudo para um visceral e reflexivo teatro coreográfico. Mas é a terceira parte do espetáculo a responsável pela maior surpresa criativa num dimensionamento múltiplo da obra coreográfica, não só por seus aspectos plásticos e efeitos cinéticos, mas também por seu imersivo mergulho na completa expressividade de uma dramaturgia corporal. I've Changed My Mind de Shahar Binyamini Photo: Charles Lima I’ve Changed My Mind torna emotivamente presencial para os bailarinos e espectadores a exploração inventiva de um vocabulário do movimento com a assinatura singular do coreógrafo israelense Shahar Binyamini. Numa trajetória que vai do Batsheva Dance Company ao movimento Gaga, tornando-se um dos nomes emblemáticos da dança de nosso tempo. Esta obra, criada especialmente para a SPCD, é um experimento arrojado na integralização de um contexto coreográfico pleno de uma força interior e que se irradia na espontaneidade de cada gesto, direcionando-se a um primado do sensorial através de corpos em conexão. Expandindo-se por intermédio de um figurino de malhas coladas, em sutil e subliminar referência que remete à sensualidade original do Fauno de Nijinsky. Com luzes psicodélicas que conduzem a efeitos cinéticos e a uma psicofisicalidade, ressaltando a assexualidade visual de bailarinos onde todos se identificam na plasticidade coletiva de um único corpo que pensa e dança, ao compasso de uma trilha antológica arquitetada na decorrência de temas de Maurice Ravel a Hans Zimmer. I've Changed My Mind de Shahar Binyamini Photo: Charles Lima Sendo capaz, enfim, de contextualizar através destes inspirados Labirintos em Movimento, o enigma poético de Cecília Meireles que se transmuta em cada um de nós: “Tens os teus olhos, o teu pulso, a tua memória. / Construirás os labirintos impermanentes / Que sucessivamente habitarás. / Todos os dias estás refazendo o teu desenho”... Wagner Corrêa de Araújo (Crítico de Dança)
Suite de Paquita por Diego de Paula Photo: Charles Limaed
ibi da natureza ao caos de gal martins Photo: marcelo machado
SPCD/ IBI - Da Natureza ao Caos. Gal Martins/Concepção Coreográfica.Junho/2023. Foto/Marcelo Machado A São Paulo Companhia de Dança/SPCD retorna aos palcos paulistas em agosto, com as estréias de Le Chant Du Rossignol, de Marco Goecke, e em outubro, com Petrushka, de Goyo Montero.
SÃO PAULO CIA DE DANÇA/SPCD: 15 YEARS UNDER A SURPRISING CREATION PROCESS
Ibi da Natureza ao Caos de Gal Martins Photo: Jane Coutoled
Upon completing its 15 years of uninterrupted process of investigative search in the most diverse paths of choreographic art, São Paulo Companhia de Dança - SPCD commemorates the date by symbolically titling its 2023 season as Labirintos em Movimento . Thus, maintaining its aesthetic framework of incursions from classical tradition to modernity, while prioritizing contemporary dance, standing out there with a repertoire that brings together the best of the international collection to that idealized in Brazilian molds. With unpublished creations by Brazilian choreographers alongside representative works from overseas, in an accurate sampling of what is most revealing and thought-provoking in the language of dance, with a permanent armed look at contemporaneity. SPCD never lacks the sure artistic and educational command of its director Inês Bógea for a Company of recognized technical quality and with the artisanal performance of its dancers, always under the usual applause of the public and the recognition of the critics. The 2023 program alternated reinterpretations of the classical repertoire, maintaining its basic stylistic structures both in Act II by Giselle and in Les Sylphides , in the respective revivals by Lars van Cauwenbergh and Ana Botafogo. Completed by a beautiful version by Diego de Paula for a Suite by Paquita from Petipa/Minkus. In the latter case, opening the night that closes the first 2023 cycle of shows. And already involving the audience with the romantic atmosphere that in this ballet deviates from the characteristic pattern of supernatural-themed works of that period, focusing more on energized technical performances, with many turns, points, jumps and pirouettes that become exponential in the variations of the final Grand Pas . In precise solos featuring Paquita and Lucien , extended to the Pas de Quatre and the precise group support of a female Corps de Ballet. When Ibi-Da Natureza ao Caos begins, there is an immediate perception, behind the scenes, of a plaintive cry of protest while the noise of tribal singing is heard, percussively rhythmed by feet on the stage floor. Result of the resilient questions surrounding the chaotic status quo assumed by humans in their disregard for the sacred and ancestral legacy of nature. This work by Gal Martins, an artist from the periphery, combines the ideas of the indigenous activist Ailton Krenak, through O Amanhã Não Está a Venda , with the becoming-animal of Gilles Deleuze in his philosophical/behavioral proposal of a necessary state of not being a man and no animal. Impressing for its impactful scenographic ambience under the metaphorical deconstruction of a forest landscape, amplified in the Afro/indigenous vocal chords, lights between shadows, clothing and visagism with ritualistic suggestion. In a fusion with the gestural corporeality of the dancers, now dragging themselves along the ground and now rising, arms outstretched and hands raised, in a cry of pain and revolt, converging everything into a visceral and reflective choreographic theatre. But it is the third part of the show that is responsible for the greatest creative surprise in a multiple dimensioning of the choreographic work, not only for its plastic aspects and kinetic effects, but also for its immersive dive into the complete expressiveness of a corporal dramaturgy. I've Changed My Mind makes emotionally present for dancers and spectators the inventive exploration of a movement vocabulary with the unique signature of Israeli choreographer Shahar Binyamini . In a trajectory that goes from the Batsheva Dance Company to the Gaga movement , becoming one of the emblematic names of dance of our time. This work, created especially for SPCD , is a bold experiment in the integration of a choreographic context full of inner strength that radiates in the spontaneity of each gesture, directing itself towards a primacy of the sensorial through bodies in connection. Expanding through a glued mesh costume, in a subtle and subliminal reference that refers to the original sensuality of Nijinsky's Faun . With psychedelic lights that lead to kinetic effects and a psychophysicality, emphasizing the visual asexuality of dancers where everyone identifies in the collective plasticity of a single body that thinks and dances, to the beat of an anthological track designed as a result of themes from Maurice Ravel to Hans Zimmer. Finally, being able to contextualize, through these inspired Labyrinths in Motion , Cecília Meireles' poetic enigma that transmutes in each of us: “ You have your eyes, your pulse, your memory. / You will build the impermanent labyrinths / That you will successively inhabit. / Every day you are redoing your drawing”... Wagner Correa de Araujo
São Paulo Companhia de Dança/SPCD returns to the stages of São Paulo in August, with the premiere of Le Chant Du Rossignol, by Marco Goecke, and in October, with Petrushka, by Goyo Montero.